Nuevo

Estela de Roy y Kashisha

Estela de Roy y Kashisha



We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.


Brave New Stories: Historia de la ciencia ficción & # 8211 Parte 2

Continuamos nuestra mirada a la historia de la ciencia ficción. Consulte nuestra selección de títulos de ciencia ficción en Estela.

Liberar a Prometeo y el nacimiento de la ciencia ficción moderna

La publicación de una novela corta en 1818 cambió el futuro de la ciencia ficción: Mary Shelley Frankenstein. Aunque a menudo se asocia con la ficción gótica Frankenstein cuenta con un científico loco y tecnología avanzada. Shelley también escribió las historias de ciencia ficción Roger Dodsworth: el inglés reanimado (1826) sobre un hombre criogénicamente congelado y revivido y El último hombre (1826) es quizás la primera novela postapocalíptica y cuenta la historia de un hombre que sobrevive a una plaga que acaba con el resto de la humanidad.

Predki Kalimerosa: Aleksandr Filippovich Makedonskii por Alexander Veltman se considera tanto la primera novela rusa de ciencia ficción como la primera novela de viajes en el tiempo. Un hombre retrocede en el tiempo a la antigua Grecia y se encuentra Aristóteles y Alejandro el Grande (aunque en la espalda de un hipogrifo y no en una máquina).

Victor Hugo escribió un poema de dos partes, La Légende des siècles (La leyenda de los siglos, 1859), en el que la tierra se rompe y muere, los remanentes de la humanidad se reúnen y trabajan juntos para dejar la Tierra en una nave espacial para encontrar la libertad.

A lo largo del siglo XIX se escribieron bastantes piezas de proto-ciencia ficción.

Le Dernier Homme (El último hombre, 1805) por Jean-Baptiste Primo de Grainville cuenta la historia del fin de la humanidad mezclando ciencia, aventura y mitología cristiana.

Félix Bodin & # 8217s Le Roman de l & # 8217Avenir (La novela del futuro, 1834) y Emile Souvestre y # 8217s Le Monde Tel Qu & # 8217il Sera (El mundo como será, 1846), ambos predicen cómo será el siglo XX.

¡La momia !: O una historia del siglo XXII por Jane C. Loudon (1827), tiene el Faraón Keops revivido por medios científicos en el siglo XXII.

La feminista Trescientos años después (1836) por María Griffith imagina un futuro utópico donde las mujeres tengan igualdad.

Había habido un par de historias de historia alternativas antes. Louis Geoffroy y # 8217s Napoleon et la Conquête du Monde (Napoleón y la conquista del mundo, 1836), una historia alternativa de un mundo conquistado por Napoleón.

Star ou Psi de Cassiopée (1854) por C.I. Defontenay, crónicas de un mundo y una civilización alienígenas.

Posiblemente en el título de ciencia ficción más largo de todos los tiempos, Gustáv Reuss & # 8217s Hviezdoveda alebo životopis Krutohlava, čo na Zemi, okolo Mesiaca a Slnka skúsil a čo o obežniciach, vlasaticiach, pôvode a konci sveta vedel (La ciencia de las estrellas o la vida de Krutohlav que visitó la luna y el sol y conoció los planetas, los cometas y el comienzo y el fin del mundo, 1856). ¿Krutohlav ha viajado a la Luna en un globo, luego al resto del sistema solar en una nave espacial con forma de dragón?

Astrónomo Camille Flammarion y # 8217s La Pluralité des Mondes Habités (Conversaciones sobre la pluralidad de mundos, 1862) especuló sobre la vida extraterrestre.

La carrera que viene (1871) por Edward Bulwer-Lytton, trata sobre una civilización subterránea altamente evolucionada donde los residentes tienen poderes psíquicos.

El ascenso de Verne y Wells

La ciencia ficción que conocemos hoy comenzó con Julio Verne en Francia y H. G. Wells en Inglaterra. Estos abuelos de la ciencia ficción ayudaron a definir el género.

A pesar de la presión de su padre para unirse a su práctica legal, Verne se aferró a su deseo de escribir. Trabajando en piezas más pequeñas para revistas. Su fascinación por la geografía y su amistad con el explorador ciego Jacques Arago, llevó a Verne a escribir sobre viajes. Mezclar sus historias de viajes con aventuras y su amor por la ciencia comenzó a formar las semillas de los tipos de historias por las que sería conocido.

Mientras trabajaba para la revista Musée des familles (El Museo de la Familia) Verne comenzó a imaginar un nuevo tipo de género novedoso basado en la ciencia y la invención modernas, Roman de la Science (Novela de ciencia).

Sus visiones no se concretarían hasta que comenzara a trabajar para la editorial. Pierre-Jules Hetzel, durante el cual publicaría obras como Voyage au centre de la Terre (Viaje al centro de la Tierra, 1864) De la Terre à la Lune (De la Tierra a la Luna, 1865) Vingt mille lieues sous les mers (Veinte mil leguas de viaje submarino, 1869) y Le tour du monde en quatre-vingts jours (Al rededor del mundo en ochenta días) como parte de la Viajes extraordinarios serie.

Después de una variedad de trabajos, docencia, pasantías Herbert George Wells encontró su vocación escribiendo para revistas como La Gaceta de Pall Mall, su éxito le animó a escribir su primera novela. Esa novela fue La maquina del tiempo.

Wells pasó a crear ciertos temas que se convirtieron en clásicos de la ciencia ficción, o romances de ciencia como se los conocía en ese entonces. La isla del doctor Moreau, El hombre invisible, La guerra de los mundos, Cuando despierta el durmiente, y Los primeros hombres en la luna todos fueron publicados en rápida sucesión.

Siglo XIX: ¡SciFi Lives!

Si bien Verne y Wells son ciertamente los gigantes de la época, hubo muchos autores que dirigieron su atención a la ciencia y la ficción especulativa. Especialmente a finales del siglo XIX cuando hubo una mini explosión del género.

Samuel Butler escribió Erewhon en 1872, una sociedad aparentemente utópica donde las máquinas han evolucionado para desarrollar la sensibilidad. El Señor Arturo Conan Doyle, mejor conocido por crear Sherlock Holmes, junto con El mundo perdido, también creado Profesor Challenger. Las historias de Challenger giraban en torno a temas de ciencia ficción y sobrenaturales. Rudyard Kipling, quien le dio al mundo Libro de la selva, escribió muchas novelas e historias de ciencia ficción y fantasía.

Los escritores bengalíes también centraron su atención en la ciencia ficción. Hemlal Dutta Rohosso (El misterio) (1882) Sir Jagadish Chandra Bose, considerado el padre de la ciencia ficción bengalí, escribió Niruddesher Kahini, sobre el control del clima, la feminista islámica Roquia Sakhawat Hussain imaginé un mundo donde las mujeres gobiernan y las emn están subyugadas en Sultana & # 8217s Sueño (1905) otros autores incluidos Hemendra Kumar Roy, Sukumar Ray, Leela Majumdar, Premendra Mitra, Sunil Ganguly, Shirshendu Mukhopadhyay, Syed Mustafa Siraj, Samarjit Kar, Anish Deb, Biswajit Ganguly, Siddhartha Ghosh, Suman Sen, Rajesh Basu y Abhijnan Roy Chowdhury.

En América Edgar Allen Poe, más a menudo asociado con el horror gótico (e inventando el género de detectives con Los asesinatos en la calle Morgue) escribió algunas de las primeras ciencia ficción estadounidense con su única novela La narrativa de Arthur Gordon Pym de Nantucket (1838) y su cuento La incomparable aventura de Hans Pfaall (1835).

William Henry Rhodes introdujo el concepto de armas de destrucción masiva (y súper villanía) en El caso de Summerfield (1871). En el periódico de Nueva York El sol, Edward Page Mitchell escribió muchas historias cortas con temas como invisibilidad, viajes más rápidos que la luz, teletransportación, viajes en el tiempo, criogenia, transferencia mental, mutantes, cyborgs y cerebros mecánicos. La segunda novela más vendida del siglo XIX fue Edward Bellamy y # 8217s Mirando hacia atrás: 2000-1887 (1888). Mark Twain, Jack London, y Frank Baum todos exploraron elementos de ciencia ficción.

En la tercera parte continuamos nuestro examen de la historia de la ciencia ficción. Mientras tanto, revisa algunos de nuestros títulos como Chicas de la casa, OORT, y Abandonar.


El Reino Medio de Egipto: los Intefs de la XI dinastía

Egipto perdió su gloria al final del Primer Período Intermedio. La prosperidad perdida regresó en el Reino Medio.
(Imagen: Steve F-E-Cameron / CC BY 3.0 / Dominio público)

Una cosa que dificulta un poco la comprensión de la historia de la undécima dinastía para los arqueólogos, así como para las personas que solo están interesadas en Egipto, es que todos los reyes tienen el mismo nombre. Los primeros reyes de esta dinastía se llamaron Intef. Tienen un segundo nombre y un tercer nombre, pero a menudo, solo tenemos fragmentos de documentos, trozos de piedra, con 'Intef' o tal vez 'Int' escrito en ellos, y sabemos que es uno de estos reyes, pero estamos no estoy seguro de cuál.

Sin embargo, el tema a tener en cuenta es el siguiente: los primeros reyes, los Intefs, no eran realmente reyes. Eran príncipes tebanos que intentaban unir al país. El siguiente grupo de reyes de esta dinastía, los Montuhoteps, que también tienen el mismo nombre, en realidad unificó el país.

Intef Seher-Towi

En el antiguo Egipto, los nombres eran muy importantes. Tenían un significado. De hecho, a veces es posible extraer la situación política de un nombre.

Por ejemplo, el primer Intef fue Intef Seher-towi, cuyo nombre probablemente significa "provocar la paz en las dos tierras". Towi significa "las dos tierras", Alto y Bajo Egipto. Al tomar un nombre como este, podemos descifrar que estaba enfocado en unir el Alto y el Bajo Egipto.

Escribió su nombre en un cartucho. Esto mostró su optimismo. Él estaba diciendo, Soy el rey de Egipto. Obtuvo su nombre encerrado en un cartucho, lo que indica que era un rey. Pero él no era realmente un rey. No hay mucha evidencia de que estuviera controlando el Alto y el Bajo Egipto, pero tenía aspiraciones. Esto es lo que aprendemos de este nombre.

Intef Wahankh

Intef Wahankh era un amante de los perros, y hay pruebas de ello en forma de estela, que conmemora a sus cinco perros. (Imagen: Omicom / Dominio público)

El siguiente Intef fue Intef Wahankh. Ankh significa "vida", y Washington significa "establecido". De modo que estaba diciendo que estaba "establecido en la vida". Lo más interesante que sabemos de él no tiene nada que ver con su política y el éxito que tuvo. No tenemos muchos de los registros de él. Pero fue el primer amante de los perros de la historia.

Tenemos un registro en forma de estela. Los antiguos egipcios tallaban en piedras de punta redonda cuando querían indicar algo o dejarlo para la posteridad. Estos se conocen como estela. Fue encontrado por un egiptólogo en 1860, y en esta estela hay cinco perros. Estos eran los perros de Wahankh. Quería conmemorar que tenía estos cinco perros.

Antiguos egipcios y sus mascotas

Los egipcios, por cierto, eran amantes de las mascotas, y eso se infiltra en su arte. Cuando ve una imagen de este período, generalmente es una pintura de la tumba de un noble. Cuando lo veas sentado en una silla (muy común ver a la nobleza sentada en sillas), mira debajo de la silla. El artista rara vez desperdicia ese espacio.

Casi siempre había algo debajo de esa silla. Las mascotas fueron las más comunes. Hay cuadros con gatos e incluso uno con un babuino debajo de la silla. Sin embargo, no siempre fue una mascota. Si fuera una dama, a veces, sus cosméticos se colocarían allí. Los espejos debajo de la silla también eran bastante comunes, que se dejaban allí para que la dama comprobara cómo se veía. El punto es que los antiguos egipcios eran verdaderos amantes de las mascotas, siendo los gatos la mascota más popular, seguidos de los perros.

La raza de perro whippet de hoy es realmente un descendiente del faraón egipcio & # 8217s sabueso. Los perros egipcios eran perros delgados y nervudos que se parecían un poco al pequeño galgo de hoy.

Esta es una transcripción de la serie de videos Historia del Antiguo Egipto. Míralo ahora, Wondrium.

Intef Nakht-Neb-Tep-Nefer

El tercer Intef fue Nakht-neb-tep-nefer. Nakht significa "poderoso" o "victorioso", y Nebraska por lo general significa "señor", y Tep probablemente significa "al frente" o "principal". Nefer significa tres cosas: "bueno", "hermoso" o "feliz". Es por eso que varios nombres de mujeres incluyeron Nefer en él, como Nefertiti o Nefertari.

Entonces, el nombre Nakht-neb-tep-nefer significa algo así como "el hermoso y fuerte campeón o señor". Al parecer, con este nombre, Intef afirmaba que había logrado lo que se había propuesto. Afirmaba que había unificado el país.

Tenemos los registros que demuestran que su reclamo estaba justificado. Era un príncipe tebano del sur, se fue al norte y de hecho luchó contra los norteños. De hecho, hizo algo concreto para unir al país.

Los Intefs, o el primer grupo de reyes de la XI Dinastía, lucharon y trataron de unir al país. No tuvieron éxito del todo, pero estaban en el camino correcto.

Preguntas frecuentes sobre los Intefs de la undécima dinastía

El Reino Medio surgió después de la anarquía casi total del Primer Período Intermedio. Durante el período conocido como Reino Medio, que comprendió las dinastías XI y XII, el Alto y el Bajo Egipto se unificaron una vez más.

Los egipcios eran verdaderos amantes de las mascotas. Los gatos fueron, por supuesto, la mascota número uno, y luego vinieron los perros. Sabemos que tenían un gran amor por sus mascotas basado en el hecho de que las llevaron a sus tumbas, ya sea literalmente, en forma momificada, o a través de una obra de arte que representa a la mascota.

Sí, la gente del antiguo Egipto tenía perros. Los perros eran mascotas populares.

El Reino Medio de Egipto es conocido por las dinastías XI y XII, con reyes que a menudo compartían el mismo nombre. Este período también es conocido por restablecer la estabilidad política en Egipto y unir al país nuevamente.


Contenido

La patria de los Gupta es incierta. [18] Según una teoría, se originaron en la actual región del bajo-doab [19] de Uttar Pradesh, donde se han descubierto la mayoría de las inscripciones y depósitos de monedas de los primeros reyes de Gupta. [20] [21] Esta teoría también es apoyada por los Purana, como argumentan los proponentes, que mencionan el territorio de los primeros reyes Gupta como áreas de Prayaga, Saketa y Magadha en la cuenca del Ganges. [22] [23]

Otra teoría prominente ubica la tierra natal de Gupta en la actual región de Bengala, basada en el relato del monje budista chino del siglo VII Yijing. Según Yijing, el rey Che-li-ki-to (identificado con el fundador de la dinastía Shri Gupta) construyó un templo para los peregrinos chinos cerca de Mi-li-kia-si-kia-po-no (aparentemente una transcripción de Mriga-shikha-vana). Yijing afirma que este templo se encontraba más de 40 yojanas al este de Nalanda, lo que significaría que estaba situado en algún lugar de la moderna región de Bengala. [24] Otra propuesta es que el antiguo reino de Gupta se extendía desde Prayaga en el oeste hasta el norte de Bengala en el este. [25]

Los registros de Gupta no mencionan el varna (clase social) de la dinastía. [26] Algunos historiadores, como A.S. Altekar, han teorizado que eran de origen Vaishya, ya que ciertos textos indios antiguos prescriben el nombre "Gupta" para los miembros del Vaishya varna. [27] [28] Según el historiador R. S. Sharma, los Vaishyas, que tradicionalmente estaban asociados con el comercio, pueden haberse convertido en gobernantes después de resistir los impuestos opresivos de los gobernantes anteriores. [29] Los críticos de la teoría del origen Vaishya señalan que el sufijo Gupta aparece en los nombres de varios no Vaishyas antes y durante el período Gupta, [30] y el nombre dinástico "Gupta" puede haber simplemente derivado del nombre del primer rey de la familia, Gupta. [31] Algunos eruditos, como S.R. Goyal, teorizan que los Guptas eran brahmanas, porque tenían relaciones matrimoniales con brahmanes, pero otros rechazan esta evidencia como no concluyente. [32] Según las inscripciones de Pune y Riddhapur de la princesa Gupta Prabhavati-gupta, algunos estudiosos creen que el nombre de su gotra (clan) paterno era "Dharana", pero una lectura alternativa de estas inscripciones sugiere que Dharana era el gotra de su madre Kuberanaga. [33]

Gobernantes tempranos Editar

Gupta (guión de Gupta: gu-pta, fl. finales del siglo III d.C.) es el primer rey conocido de la dinastía: diferentes historiadores fechan de forma diversa el comienzo de su reinado entre mediados y finales del siglo III d.C. [35] [36] Sri Gupta fundó el Imperio Gupta c. 240-280 EC, y fue sucedido por su hijo, Ghatotkacha, c. 280-319 CE, seguido por el hijo de Ghatotkacha, Chandragupta, c. 319-335 CE. [37] Se cree que "Che-li-ki-to", el nombre de un rey mencionado por el monje budista chino del siglo VII Yijing, es una transcripción de "Shri-Gupta" (IAST: Śrigupta), siendo "Shri" un prefijo honorífico. [38] Según Yijing, este rey construyó un templo para los peregrinos budistas chinos cerca de "Mi-li-kia-si-kia-po-no" (que se cree que es una transcripción de Mṛgaśikhāvana). [39]

En la inscripción del Pilar de Allahabad, Gupta y su sucesor Ghatotkacha se describen como Maharaja ("gran rey"), mientras que el próximo rey Chandragupta I se llama un Maharajadhiraja ("rey de grandes reyes"). En el período posterior, el título Maharaja fue utilizado por los gobernantes feudatorios, lo que ha llevado a sugerir que Gupta y Ghatotkacha eran vasallos (posiblemente del Imperio Kushan). [40] Sin embargo, hay varios casos de soberanos supremos que utilizan el título Maharaja, tanto en los períodos pre-Gupta como post-Gupta, por lo que esto no se puede decir con certeza. Dicho esto, no hay duda de que Gupta y Ghatotkacha tenían un estatus inferior y eran menos poderosos que Chandragupta I. [41]

Chandragupta I se casó con la princesa Kumaradevi de Lichchhavi, lo que pudo haberlo ayudado a extender su poder político y sus dominios, lo que le permitió adoptar el título imperial. Maharajadhiraja. [42] Según los registros oficiales de la dinastía, fue sucedido por su hijo Samudragupta. Sin embargo, el descubrimiento de las monedas emitidas por un gobernante de Gupta llamado Kacha ha llevado a un debate sobre este tema: según una teoría, Kacha era otro nombre para Samudragupta, otra posibilidad es que Kacha fuera un aspirante rival al trono. [43]

Samudragupta Modificar

Samudragupta sucedió a su padre alrededor del año 335 o 350 d.C., y gobernó hasta c. 375 CE. [44] La inscripción del pilar de Allahabad, compuesta por su cortesano Harishena, le atribuye extensas conquistas. [45] La inscripción afirma que Samudragupta desarraigó a 8 reyes de Aryavarta, la región del norte, incluidos los nagas.[46] Además, afirma que subyugó a todos los reyes de la región forestal, que probablemente estaba ubicada en el centro de la India. [47] También le acredita haber derrotado a 12 gobernantes de Dakshinapatha, la región sur: la identificación exacta de varios de estos reyes se debate entre los eruditos modernos, [48] pero está claro que estos reyes gobernaron áreas ubicadas en la costa este de India. [49] La inscripción sugiere que Samudragupta avanzó hasta el reino de Pallava en el sur y derrotó a Vishnugopa, el regente de Pallava de Kanchi. [50] Durante esta campaña del sur, Samudragupta probablemente pasó por la zona forestal del centro de la India, llegó a la costa oriental en la actual Odisha y luego marchó hacia el sur a lo largo de la costa de la Bahía de Bengala. [51]

La inscripción del Pilar de Allahabad menciona que los gobernantes de varios reinos fronterizos y oligarquías tribales pagaron tributos a Samudragupta, obedecieron sus órdenes y le rindieron homenaje. [52] [53] Los reinos fronterizos incluían Samatata, Davaka, Kamarupa, Nepala y Karttripura. [54] Las oligarquías tribales incluían a Malavas, Arjunayanas, Yaudheyas, Madrakas y Abhiras, entre otras. [53]

Finalmente, la inscripción menciona que varios reyes extranjeros trataron de complacer a Samudragupta mediante la asistencia personal, le ofrecieron a sus hijas en matrimonio (o según otra interpretación, le regalaron doncellas [55]) y solicitaron el uso del sello de Gupta que representa a Garuda para administrar su propios territorios. [56] Esto es una exageración: por ejemplo, la inscripción incluye al rey de Simhala entre estos reyes. Se sabe de fuentes chinas que el rey de Simhala, Meghavarna, envió ricos presentes al rey de Gupta solicitando su permiso para construir un monasterio budista en Bodh Gaya: Samudragupta's pangyerista parece haber descrito este acto de diplomacia como un acto de subordinación. [57]

Samudragupta parece haber sido vaishnavita, como lo atestigua su inscripción de Eran, [58] [59] y realizó varias ceremonias brahmánicas. [60] Los registros de Gupta le atribuyen el mérito de hacer generosas donaciones de vacas y oro. [58] Realizó el ritual Ashvamedha (sacrificio de caballos), que fue utilizado por los antiguos reyes indios para demostrar su soberanía imperial, y emitió monedas de oro (ver Monedas más abajo) para marcar esta actuación. [61]

La inscripción del Pilar de Allahabad presenta a Samudragupta como un rey sabio y un administrador estricto, que también fue lo suficientemente compasivo como para ayudar a los pobres y a los desamparados. [62] También alude a los talentos del rey como músico y poeta, y lo llama el "rey de los poetas". [63] Tales afirmaciones están corroboradas por las monedas de oro de Samudragupta, que lo representan jugando una veena. [64]

Samudragupta parece haber controlado directamente una gran parte de la llanura indogangética en la India actual, así como una parte sustancial de la India central. [65] Además, su imperio comprendía varios estados tributarios monárquicos y tribales del norte de la India y de la región costera del sudeste de la India. [66] [49]

Ramagupta Modificar

Ramagupta es conocido por una obra del siglo VI, la Devichandragupta, en el que entrega a su esposa al enemigo Sakas y su hermano Chandragupta tiene que colarse en el campamento enemigo para rescatarla y matar al rey Saka. La historicidad de estos eventos no está clara, pero la existencia de Ramagupta está confirmada por tres estatuas jainistas encontradas en Durjanpur, con inscripciones que se refieren a él como el Maharajadhiraja. Un gran número de sus monedas de cobre también se han encontrado en la región de Eran-Vidisha y se han clasificado en cinco tipos distintos, que incluyen el Garuda, [68] Garudadhvaja, león y leyenda de la frontera tipos. Las leyendas de Brahmi en estas monedas están escritas en el estilo temprano de Gupta. [69]

Chandragupta II "Vikramaditya" Editar

Según los registros de Gupta, entre sus hijos, Samudragupta nominó al príncipe Chandragupta II, nacido de la reina Dattadevi, como su sucesor. Chandragupta II, Vikramaditya (el Sol del Poder), gobernó desde 375 hasta 415. Se casó con una princesa Kadamba de Kuntala y de linaje Naga (Nāgakulotpannnā), Kuberanaga. Su hija Prabhavatigupta de esta reina Naga estaba casada con Rudrasena II, el gobernante Vakataka de Deccan. [70] Su hijo Kumaragupta I estaba casado con una princesa Kadamba de la región de Karnataka. Chandragupta II expandió su reino hacia el oeste, derrotando a los Saka Western Kshatrapas de Malwa, Gujarat y Saurashtra en una campaña que duró hasta 409. Su principal oponente, Rudrasimha III, fue derrotado por 395, y aplastó a las jefaturas de Bengala. Esto extendió su control de costa a costa, estableció una segunda capital en Ujjain y fue el punto culminante del imperio. [ cita necesaria ] Las inscripciones de Kuntala indican el gobierno de Chandragupta en la región de Kuntala del estado indio de Karnataka. [71] La inscripción de Hunza también indica que Chandragupta pudo gobernar el subcontinente indio del noroeste y procedió a conquistar Balkh, aunque algunos eruditos también han disputado la identidad del rey gupta. [72] [73] El gobernante Chalukyan Vikramditya VI (r. 1076 - 1126 EC) menciona a Chandragupta con su título y dice '¿por qué la gloria de los reyes Vikramaditya y Nanda debería seguir siendo un obstáculo? él con una orden fuerte abolió esa (era), que tiene el nombre de Saka, e hizo esa (era) que tiene a Chalukya contando ”[74]

A pesar de la creación del imperio a través de la guerra, el reinado es recordado por su estilo muy influyente de arte, literatura, cultura y ciencia hindú, especialmente durante el reinado de Chandragupta II. Algunas excelentes obras de arte hindú, como los paneles del templo Dashavatara en Deogarh, sirven para ilustrar la magnificencia del arte Gupta. Sobre todo, fue la síntesis de elementos lo que le dio al arte Gupta su sabor distintivo. Durante este período, los Gupta también apoyaron las prósperas culturas budista y jainista, y por esta razón, también hay una larga historia de arte del período Gupta no hindú. En particular, el arte budista del período Gupta iba a ser influyente en la mayor parte de Asia oriental y sudoriental. El erudito y viajero chino Faxian registró muchos avances en su diario y los publicó posteriormente.

La corte de Chandragupta se hizo aún más ilustre por el hecho de que fue agraciada por el Navaratna (Nine Jewels), un grupo de nueve que se destacó en las artes literarias. Entre estos hombres se encontraba Kālidāsa, cuyas obras eclipsaban las obras de muchos otros genios literarios, no solo en su época, sino en los años venideros. Kalidasa era conocido principalmente por su sutil explotación de la shringara elemento (romántico) en su verso.

Campañas de Chandragupta II contra tribus extranjeras Editar

El poeta sánscrito del siglo IV Kalidasa atribuye a Chandragupta Vikramaditya la conquista de unos veintiún reinos, tanto dentro como fuera de la India. Después de terminar su campaña en el este y oeste de la India, Vikramaditya (Chandragupta II) avanzó hacia el norte, subyugó a los Parasikas, luego a las tribus Hunas y Kambojas ubicadas en los valles occidentales y orientales de Oxus, respectivamente. A partir de entonces, el rey procedió a las montañas del Himalaya para reducir las tribus montañosas de los Kinnaras, Kiratas, así como la India propiamente dicha. [6] [ se necesita fuente no primaria En una de sus obras, Kalidasa también le atribuye la expulsión de los Sakas del país. Escribió: "¿No fue Vikramaditya quien expulsó a los Sakas de la hermosa ciudad de Ujjain?". [75]

los Brihatkathamanjari De los estados del escritor cachemir Kshemendra, el rey Vikramaditya (Chandragupta II) había "desahogado la tierra sagrada de los bárbaros como los Sakas, Mlecchas, Kambojas, Yavanas, Tusharas, Parasikas, Hunas y otros, al aniquilar por completo a estos Mlecchas pecadores". [76] [ se necesita fuente no primaria ] [77] [78] [ fuente poco confiable? ]

Faxian Editar

Faxian (o Fa Hsien, etc.), un budista chino, fue uno de los peregrinos que visitaron la India durante el reinado del emperador Chandragupta II de Gupta. Comenzó su viaje desde China en 399 y llegó a la India en 405. Durante su estancia en la India hasta el 411, realizó una peregrinación a Mathura, Kannauj, Kapilavastu, Kushinagar, Vaishali, Pataliputra, Kashi y Rajagriha, y realizó observaciones cuidadosas. sobre las condiciones del imperio. Faxian estaba satisfecho con la suavidad de la administración. El Código Penal es leve y las infracciones se castigan únicamente con multas. Según sus relatos, el Imperio Gupta fue un período próspero. Sus escritos constituyen una de las fuentes más importantes de la historia de este período. [79]

"La nieve y el calor están finamente templados, y no hay escarcha ni nieve. La gente es numerosa y feliz. No tienen que registrar sus hogares. Solo aquellos que cultivan la tierra real tienen que pagar (una parte de) la ganancia de Si quieren irse, se van. Si quieren quedarse, se quedan. El rey gobierna sin decapitación ni (otros) castigos corporales. Los delincuentes son simplemente multados según las circunstancias. Incluso en los casos de repetidos intentos de perversidad rebelión, sólo les cortan la mano derecha. Los guardaespaldas del rey y los asistentes tienen sueldo. En todo el país, la gente no mata a ningún ser vivo, no bebe ningún licor embriagador, ni come cebollas ni ajos ". [79]

Kumaragupta I Modificar

Chandragupta II fue sucedido por su segundo hijo Kumaragupta I, nacido de Mahadevi Dhruvasvamini. Kumaragupta asumí el título, Mahendraditya. [82] Gobernó hasta 455. Hacia el final de su reinado, una tribu en el valle de Narmada, los Pushyamitras, se alzó en el poder para amenazar al imperio. Los Kidarites también probablemente se enfrentaron al Imperio Gupta hacia el final del gobierno de Kumaragupta I, como su hijo Skandagupta menciona en la inscripción del pilar Bhitari sus esfuerzos por remodelar un país en desorden, a través de la reorganización y las victorias militares sobre los Pushyamitras y los Hunas. [83]

Fue el fundador de la Universidad de Nalanda, que el 15 de julio de 2016 fue declarada Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. [84]

Skandagupta Modificar

Skandagupta, hijo y sucesor de Kumaragupta I generalmente se considera el último de los grandes gobernantes Gupta. Asumió los títulos de Vikramaditya y Kramaditya. [86] Derrotó la amenaza Pushyamitra, pero luego se enfrentó a invasores Kidarites (a veces descritos como los Hephthalites o "White Huns", conocidos en India como Sweta Huna), del noroeste.

Él repelió un Huna ataque alrededor del 455 EC, pero el gasto de las guerras drenó los recursos del imperio y contribuyó a su declive. La inscripción del Pilar Bhitari de Skandagupta, el sucesor de Chandragupta, recuerda la casi aniquilación del Imperio Gupta tras los ataques de los Kidarites. [87] Los Kidarites parecen haber retenido la parte occidental del Imperio Gupta. [87]

Skandagupta murió en 467 y fue sucedido por su hermano agnate Purugupta. [88]

Decadencia del imperio Editar

Tras la muerte de Skandagupta, el imperio estaba claramente en declive, [89] y la acuñación posterior de Gupta indica su pérdida de control sobre gran parte del oeste de la India después de 467-469. [3] A Skandagupta le siguieron Purugupta (467-473), Kumaragupta II (473-476), Budhagupta (476-495), Narasimhagupta (495-530), Kumaragupta III (530-540), Vishnugupta (540-550). , dos reyes menos conocidos a saber, Vainyagupta y Bhanugupta.

En los años 480, los hunos alchon bajo el mando de Toramana y Mihirakula rompieron las defensas de Gupta en el noroeste, y gran parte del imperio en el noroeste fue invadido por los hunos en 500. Según algunos estudiosos, el imperio se desintegró bajo los ataques de Toramana y su sucesor. Mihirakula. [90] [91] Según las inscripciones, los Guptas, aunque su poder estaba muy disminuido, continuaron resistiendo a los hunos. El invasor huno Toramana fue derrotado por Bhanugupta en 510. [92] [93] Los hunos fueron derrotados y expulsados ​​de la India en 528 por el rey Yashodharman de Malwa, y posiblemente el emperador Gupta Narasimhagupta. [94]

Estas invasiones, aunque solo abarcaron unas pocas décadas, tuvieron efectos a largo plazo en la India y, en cierto sentido, pusieron fin a la civilización india clásica. [95] Poco después de las invasiones, el Imperio Gupta, ya debilitado por estas invasiones y el surgimiento de gobernantes locales como Yashodharman, también terminó. [96] Después de las invasiones, el norte de la India quedó en desorden, con numerosas potencias indias más pequeñas emergiendo después del desmoronamiento de los Guptas. [97] Se dice que las invasiones Huna han dañado seriamente el comercio de la India con Europa y Asia Central. [95] En particular, las relaciones comerciales indo-romanas, de las que el Imperio Gupta se había beneficiado enormemente. Los Gupta habían estado exportando numerosos productos de lujo como seda, artículos de cuero, pieles, productos de hierro, marfil, perlas y pimienta de centros como Nasik, Paithan, Pataliputra y Benares. La invasión Huna probablemente interrumpió estas relaciones comerciales y los ingresos fiscales que las acompañaron. [98]

Además, la cultura urbana india quedó en decadencia y el budismo, gravemente debilitado por la destrucción de monasterios y la matanza de monjes a manos del vehementemente anti-budista Shaivista Mihirakula, comenzó a colapsar. [95] Se destruyeron grandes centros de aprendizaje, como la ciudad de Taxila, lo que provocó una regresión cultural. [95] Durante su gobierno de 60 años, se dice que los Alchons alteraron la jerarquía de las familias gobernantes y el sistema de castas indio. Por ejemplo, a menudo se dice que los Hunas se han convertido en los precursores de los Rajput. [95]

La sucesión de los Guptas del siglo VI no está del todo clara, pero el último gobernante reconocido de la línea principal de la dinastía fue el rey Vishnugupta, que reinó de 540 a 550. Además de la invasión de los hunos, los factores que contribuyeron al declive de el imperio incluye la competencia de los Vakatakas y el ascenso de Yashodharman en Malwa. [99]

La última inscripción conocida de un emperador Gupta es del reinado de Vishnugupta (la inscripción en placa de cobre de Damodarpur), [101] en la que hace una concesión de tierras en el área de Kotivarsha (Bangarh en Bengala Occidental) en 542/543 EC. [102] Esto sigue a la ocupación de la mayor parte del norte y centro de la India por el gobernante Aulikara Yashodharman alrededor del año 532 EC. [102]

Un estudio de 2019 del arqueólogo Shanker Sharma concluyó que la causa de la caída del imperio Gupta fue una inundación devastadora que ocurrió a mediados del siglo VI en Uttar Pradesh y Bihar. [103]

Dinastías sucesoras posteriores a Gupta Editar

En el corazón del antiguo Imperio Gupta, en la región del Ganges, los Guptas fueron sucedidos por la dinastía Maukhari y la dinastía Pushyabhuti. [104] La acuñación de los Maukharis y Pushyabhutis siguió al tipo de moneda de plata de los Guptas, con el retrato del gobernante de perfil (aunque mirando en la dirección opuesta en comparación con los Guptas, un posible símbolo de antagonismo) [100] y el pavo real en el reverso, la leyenda de Brahmi se mantiene a excepción del nombre del gobernante. [104]

En las regiones occidentales, fueron sucedidas por las dinastías Gurjaras, Pratiharas y más tarde Chaulukya-Paramara, que emitieron las denominadas monedas Indo-Sasánidas, siguiendo el modelo de las monedas del Imperio Sasánida, que se había introducido en la India. por los Alchon Huns. [104]

En contraste con el Imperio Maurya, los Gupta introdujeron varias innovaciones militares en la guerra india. El principal de ellos fue el uso de máquinas de asedio, arqueros de caballería pesada y caballería con espada pesada. La caballería pesada formó el núcleo del ejército de Gupta y fue apoyada por los elementos tradicionales del ejército indio de elefantes e infantería ligera. [105]

La utilización de arqueros a caballo en el período Gupta se evidencia en la acuñación de Chandragupta II, Kumaragupta I y Prakasaditya (postulado como Purugupta [106]) que describe a los emperadores como arqueros a caballo. [107] [108]

Desafortunadamente, hay una escasez de fuentes contemporáneas que detallen las operaciones tácticas del Ejército Imperial Gupta. La mejor información existente proviene del sánscrito mahakavya (poema épico) Raghuvaṃśa escrito por el escritor y dramaturgo en sánscrito clásico Kalidasa. Muchos eruditos modernos plantean la opinión de que Kalidasa vivió desde el reinado de Chandragupta II hasta el reinado de Skandagupta [110] [111] [112] [113] y que las campañas de Raghu, su protagonista en Raghuvaṃśa, reflejan las de Chandragupta II. [114] En el Canto IV del Raghuvamsa, Kalidasa relata cómo las fuerzas del rey chocan contra las poderosas, centradas en la caballería, las fuerzas de los persas y más tarde de los yavanas (probablemente hunos) en el noroeste. Aquí hace especial mención al uso de los arqueros a caballo en el ejército de los reyes y que los caballos necesitaban mucho descanso después de las reñidas batallas. [115] Las cinco armas del ejército de Gupta incluían infantería, caballería, carros, elefantes y barcos. La inscripción en placa de cobre de Gunaighar de Vainya Gupta menciona barcos pero no carros. [116] Los barcos se habían convertido en parte integral del ejército indio en el siglo VI d. C.

Los Gupta eran tradicionalmente una dinastía hindú. [117] Eran hindúes ortodoxos, pero no imponían sus creencias al resto de la población, ya que el budismo y el jainismo también eran aceptados y, a veces, incluso solidarios. [118] Sanchi siguió siendo un importante centro del budismo. [118] Se dice que Kumaragupta I (c. 414 - c. 455 EC) fundó Nalanda. [118] Los estudios genéticos modernos indican que fue durante el período Gupta cuando los grupos de castas del sur de Asia dejaron de casarse entre sí. [119]

Sin embargo, algunos gobernantes posteriores parecen haber promovido especialmente el budismo. Narasimhagupta Baladitya (c. 495–?), Según el escritor contemporáneo Paramartha, se crió bajo la influencia del filósofo mahayanista Vasubandhu. [117] Construyó un sangharama en Nalanda y también un vihara de 91 m de altura con una estatua de Buda dentro de la cual, según Xuanzang, se parecía al "gran Vihara construido bajo el árbol Bodhi". De acuerdo con la Manjushrimulakalpa (c. 800 EC), el rey Narasimhsagupta se convirtió en monje budista y dejó el mundo a través de la meditación (Dhyana). [117] El monje chino Xuanzang también señaló que el hijo de Narasimhagupta Baladitya, Vajra, quien también encargó un sangharama, "poseía un corazón firme en la fe". [120]: 45 [121]: 330

Un estudio de los registros epigráficos del imperio Gupta muestra que había una jerarquía de divisiones administrativas de arriba a abajo. El imperio fue llamado por varios nombres como Rajya, Rashtra, Desha, Mandala, Prithvi y Avani. Se dividió en 26 provincias, que fueron diseñadas como Bhukti, Pradesha y Bhoga. Las provincias también se dividieron en Vishayas y poner bajo el control de la Vishayapatis. A Vishayapati administrado el Vishaya con la ayuda del Adhikarana (consejo de representantes), integrado por cuatro representantes: Nagarasreshesthi, Sarthavaha, Prathamakulika y Prathama Kayastha. Una parte del Vishaya fue llamado Vithi. [122] Los Gupta también tenían vínculos comerciales con el Imperio sasánida y bizantino. [ cita necesaria ]. El sistema de varna cuádruple se observó durante el período Gupta, pero el sistema de castas era fluido. Los brahmanes también siguieron una profesión no brahmánica. Los khastriyas estaban involucrados en el comercio y el comercio. La sociedad coexistió en gran medida entre ellos. Los prisioneros de guerra fueron tomados como esclavos y existía esclavitud en la sociedad. [123] [ necesita cotización para verificar ]

Los eruditos de este período incluyen a Varahamihira y Aryabhata, quien se cree que fue el primero en considerar el cero como un número separado, postuló la teoría de que la Tierra gira sobre su propio eje y estudió los eclipses solares y lunares. También se dice que Kalidasa, que fue un gran dramaturgo, que escribió obras de teatro como Shakuntala y marcó el punto más alto de la literatura sánscrita, perteneció a este período. El Sushruta Samhita, que es un texto de redacción en sánscrito sobre todos los conceptos principales de la medicina ayurvédica con capítulos innovadores sobre cirugía, data del período Gupta.

Se dice que el ajedrez se desarrolló en este período, [124] donde su forma temprana en el siglo VI se conocía como caturaṅga, que se traduce como "cuatro divisiones [de las fuerzas armadas]" - infantería, caballería, elefantismo y carros - representadas por las piezas que evolucionarían en el moderno peón, caballo, alfil y torre, respectivamente. Los médicos también inventaron varios instrumentos médicos e incluso realizaron operaciones. Los números indios, que fueron los primeros sistemas numéricos posicionales de base 10 en el mundo, se originaron en Gupta India. Los nombres de los siete días de una semana aparecieron al comienzo del período Gupta basados ​​en deidades hindúes y planetas correspondientes a los nombres romanos. El antiguo texto de Gupta Kama Sutra del erudito indio Vatsyayana es ampliamente considerado como el trabajo estándar sobre el comportamiento sexual humano en la literatura sánscrita.

Aryabhata, un destacado matemático-astrónomo del período Gupta propuso que la Tierra es redonda y gira sobre su propio eje. También descubrió que la Luna y los planetas brillan por la luz solar reflejada. En lugar de la cosmogonía predominante en la que los eclipses fueron causados ​​por los nodos pseudoplanetarios Rahu y Ketu, explicó los eclipses en términos de sombras proyectadas y cayendo sobre la Tierra. [125]


Contenido

El museo se encuentra en el centro de París, en la orilla derecha, en el primer distrito. Hasta 1871 estuvo conectado al Palacio de las Tullerías, que lo cerró en el lado occidental, pero fue gravemente dañado por un incendio durante la Comuna de París de 1871 y luego demolido. Los Jardines de las Tullerías adyacentes, creados en 1564 por Catherine de 'Medici, fueron diseñados en 1664 por André Le Nôtre.

El Louvre está ligeramente desviado del eje histórico (Hacha histórica), una línea arquitectónica de aproximadamente ocho kilómetros (cinco millas) que divide la ciudad en dos. El eje comienza con el patio del Louvre, en un punto que ahora está simbólicamente marcado por una copia principal de la estatua ecuestre de Bernini de Luis XIV, y corre hacia el oeste a lo largo de los Campos Elíseos hasta La Défense y un poco más allá.

Antes del Museo Editar

El Palacio del Louvre, que alberga el museo, fue iniciado por el rey Felipe II a finales del siglo XII para proteger la ciudad del ataque de Occidente, ya que el Reino de Inglaterra todavía dominaba Normandía en ese momento. Los restos del Louvre medieval todavía son visibles en la cripta. [12] Se desconoce si este fue el primer edificio en ese lugar, y es posible que Felipe haya modificado una torre existente. [13]

Los orígenes del nombre "Louvre" son algo controvertidos. Según la autoridad Enciclopedia Grand Larousse, el nombre deriva de una asociación con la guarida de la caza de lobos (a través del latín: lupus, bajo Imperio: lupara). [13] [14] En el siglo VII, Burgundofara (también conocida como Santa Fare), abadesa de Meaux, se dice que regaló parte de su "Villa llamada Luvra situada en la región de París" a un monasterio, [15] aunque es dudoso que esta tierra correspondiera exactamente al sitio actual del Louvre.

El Palacio del Louvre cambió mucho a lo largo de los siglos. En el siglo XIV, Carlos V convirtió el edificio de su función militar en una residencia. En 1546, Francisco I inició su reconstrucción en estilo renacentista francés. [16] Después de que Luis XIV eligiera Versalles como su residencia en 1682, las obras de construcción se detuvieron. La mudanza real de París resultó en el uso del Louvre como residencia de artistas, bajo el patrocinio real. [16] [17] [18] Por ejemplo, cuatro generaciones de artesanos-artistas de la familia Boulle recibieron el patrocinio real y residieron en el Louvre. [19] [20] [21]

Mientras tanto, las colecciones del Louvre se originaron en las adquisiciones de pinturas y otras obras de arte de los monarcas de la Casa de Francia. Francisco adquirió lo que se convertiría en el núcleo de las propiedades del Louvre, sus adquisiciones incluidas las de Leonardo da Vinci. Mona Lisa. [22] En el Palacio de Fontainebleau, Francis coleccionó obras de arte que luego serían parte de las colecciones de arte del Louvre, incluida la de Leonardo da Vinci. Mona Lisa. [23]

El Cabinet du Roi constaba de siete habitaciones al oeste de la Galerie d'Apollon en el piso superior de la Petite Galerie remodelada. Muchas de las pinturas del rey se colocaron en estas salas en 1673, cuando se convirtió en una galería de arte, accesible a ciertos amantes del arte como una especie de museo. En 1681, después de que la corte se trasladó a Versalles, 26 de las pinturas fueron trasladadas allí, disminuyendo algo la colección, pero se menciona en las guías turísticas de París a partir de 1684 y se mostró a los embajadores de Siam en 1686. [24]

A mediados del siglo XVIII hubo un número creciente de propuestas para crear una galería pública en el Louvre. El crítico de arte Étienne La Font de Saint-Yenne publicó en 1747 una convocatoria para una exhibición de la colección real. El 14 de octubre de 1750, Luis XV decidió exhibir 96 piezas de la colección real, montadas en la Galerie royale de peinture del Palacio de Luxemburgo. Le Normant de Tournehem y el marqués de Marigny abrieron una sala para la vista pública de las "pinturas del rey" (Tableaux du Roy) los miércoles y sábados. La galería de Luxemburgo incluyó a Andrea del Sarto Caridad y obras de Raphael Titian Veronese Rembrandt Poussin o Van Dyck. Cerró en 1780 como resultado del regalo real del palacio de Luxemburgo al Conde de Provenza (el futuro rey, Luis XVIII) por el rey en 1778. [25] Bajo Luis XVI, la idea de un museo real en el Louvre se acercó más a la realización. [26] El conde d'Angiviller amplió la colección y en 1776 propuso convertir la Grande Galerie del Louvre, que en ese momento contenía la planes-peliefs o modelos 3D de sitios fortificados clave en Francia y sus alrededores, en el "Museo Francés". Se ofrecieron muchas propuestas de diseño para la renovación del Louvre en un museo, sin que se tomara una decisión final al respecto. Por lo tanto, el museo permaneció incompleto hasta la Revolución Francesa. [25]

Apertura revolucionaria Editar

El Louvre finalmente se convirtió en un museo público durante la Revolución Francesa. En mayo de 1791, la Asamblea Nacional Constituyente declaró que el Louvre sería "un lugar para reunir monumentos de todas las ciencias y artes". [25] El 10 de agosto de 1792, Luis XVI fue encarcelado y la colección real del Louvre pasó a ser propiedad nacional. Por temor al vandalismo o al robo, el 19 de agosto la Asamblea Nacional calificó de urgente la preparación del museo. En octubre, un comité para "preservar la memoria nacional" comenzó a reunir la colección para su exhibición. [27]

El museo abrió el 10 de agosto de 1793, el primer aniversario de la desaparición de la monarquía, como Muséum central des arts de la République. El público tuvo acceso gratuito tres días a la semana, lo que "se percibió como un gran logro y en general fue apreciado". [29] La colección exhibió 537 pinturas y 184 objetos de arte. Tres cuartas partes se derivaron de las colecciones reales, el resto de los emigrados confiscados y la propiedad de la Iglesia (biens nationaux). [30] [9] Para ampliar y organizar la colección, la República dedicó 100.000 libras al año. [25] En 1794, los ejércitos revolucionarios de Francia comenzaron a traer piezas del norte de Europa, aumentadas después del Tratado de Tolentino (1797) por obras del Vaticano, como el Laocoonte y Apolo Belvedere, para establecer el Louvre como museo y como "signo de soberanía popular". [30] [31]

Los primeros días fueron agitados. Artistas privilegiados continuaron viviendo en la residencia, y las pinturas sin etiqueta colgaban "cuadro a cuadro de piso a techo". [30] La estructura en sí se cerró en mayo de 1796 debido a deficiencias estructurales. Reabrió el 14 de julio de 1801, ordenada cronológicamente y con nueva iluminación y columnas. [30] El 15 de agosto de 1797 se inauguró la Galerie d'Apollon con una exposición de dibujos. Mientras tanto, la galería de esculturas antiguas del Louvre (musée des Antiques), con artefactos traídos de Florencia y el Vaticano, se inauguró en noviembre de 1800 en el antiguo apartamento de verano de Ana de Austria, ubicado en la planta baja debajo de la Galerie d'Apollon.

Era napoleónica Editar

Napoleón hizo cambiar el nombre del museo Musée Napoléon en 1803 y tenía grandes planes para el sitio. Se inició un ala norte paralela a la Grande Galerie, y la colección creció a través de exitosas campañas militares. [32] Tras la campaña egipcia de 1798-1801, Napoleón nombró al primer director del museo, Dominique Vivant Denon.

Se realizaron adquisiciones de obras españolas, austriacas, holandesas e italianas, ya sea como resultado de saqueos de guerra o formalizadas por tratados como el Tratado de Tolentino. [33] Al final de la Primera Campaña Italiana de Napoleón en 1797, se firmó el Tratado de Campo Formio con el Conde Philipp von Cobenzl de la Monarquía Austriaca. Este tratado marcó la finalización de la conquista de Italia por parte de Napoleón y el final de la primera fase de las guerras revolucionarias francesas. Obligó a las ciudades italianas a contribuir con piezas de arte y patrimonio a los "desfiles del botín" de Napoleón por París antes de ser colocadas en el Museo del Louvre. [34] Los caballos de San Marcos, que habían adornado la basílica de San Marco en Venecia después del saqueo de Constantinopla en 1204, fueron llevados a París, donde fueron colocados sobre el Arco del Triunfo del Carrusel de Napoleón en 1797. [34] Bajo el Tratado de Tolentino, las dos estatuas del Nilo y el Tíber fueron llevadas a París desde el Vaticano en 1797, y ambas se conservaron en el Louvre hasta 1815. (El Nilo fue devuelto más tarde a Roma, [35] mientras que el Tíber ha permanecido en el Louvre hasta el día de hoy.) El despojo de iglesias y palacios italianos indignó a los italianos y su sensibilidad artística y cultural. [36]

Después de la derrota francesa en Waterloo, los antiguos propietarios de las obras saqueadas buscaron su regreso. El administrador del Louvre, Denon, se mostró reacio a cumplir en ausencia de un tratado de restitución. En respuesta, los estados extranjeros enviaron emisarios a Londres para buscar ayuda, y se devolvieron muchas piezas, aunque lejos de todas. [33] [37] En 1815 Luis XVIII finalmente concluyó acuerdos con el gobierno austriaco [38] [39] para el mantenimiento de obras como la de Veronese Boda en Caná que se cambió por un gran Le Brun o la recompra de la colección Albani.

De 1815 a 1852 Editar

Durante la mayor parte del siglo XIX, desde la época de Napoleón hasta el Segundo Imperio, el Louvre y otros museos nacionales se administraron bajo la lista civil del monarca y, por lo tanto, dependieron en gran medida de la participación personal del gobernante. Mientras que la colección más emblemática seguía siendo la de pinturas de la Grande Galerie, en el vasto edificio surgieron otras iniciativas, nombradas como si fueran museos separados, aunque en general se gestionaban bajo el mismo paraguas administrativo. En consecuencia, a menudo se hacía referencia al complejo del museo en plural ("les musées du Louvre") en lugar de singular. [ cita necesaria ]

Durante la Restauración borbónica (1814-1830), Luis XVIII y Carlos X se sumaron a las colecciones. La galería de esculturas griegas y romanas en la planta baja del lado suroeste de Cour Carrée se completó con diseños de Percier y Fontaine. Carlos X en 1826 creó el Musée Égyptien y en 1827 lo incluyó en su Musée Charles X, una nueva sección del complejo del museo ubicada en un conjunto de habitaciones lujosamente decoradas en el primer piso del ala sur de la Cour Carrée. La colección egipcia, inicialmente comisariada por Jean-François Champollion, formó la base de lo que ahora es el Departamento de Antigüedades Egipcias del Louvre. Se formó a partir de las colecciones compradas de Edmé-Antoine Durand, Henry Salt y la segunda colección de Bernardino Drovetti (la primera fue comprada por Victor Emmanuel I de Cerdeña para formar el núcleo del actual Museo Egizio de Turín). El período de la Restauración también vio la apertura en 1824 de la Galerie d'Angoulême, una sección de esculturas en gran parte francesas en la planta baja del lado noroeste de la Cour Carrée, muchos de cuyos artefactos provienen del Palacio de Versalles y del Musée des Monuments Français de Alexandre Lenoir después de su cierre en 1816. Mientras tanto, la Armada francesa creó una exposición de modelos de barcos en el Louvre en diciembre de 1827, inicialmente llamado musée dauphin en honor al delfín Louis Antoine, [40] basado en una iniciativa del siglo XVIII de Henri-Louis Duhamel du Monceau. Esta colección, renombrada musée naval en 1833 y luego para convertirse en el Musée national de la Marine, inicialmente se ubicó en el primer piso del ala norte de Cour Carrée, y en 1838 subió un nivel al ático del segundo piso, donde permaneció durante más de un siglo . [41]

Después de la Revolución de julio, el rey Luis Felipe centró su interés en la reutilización del Palacio de Versalles en un Museo de Historia Francesa concebido como un proyecto de reconciliación nacional, y el Louvre se mantuvo en un relativo abandono. Louis-Philippe, sin embargo, patrocinó la creación del musée assyrien para albergar las monumentales esculturas asirias traídas a París por Paul-Émile Botta, en la galería de la planta baja al norte de la entrada este de la Cour Carrée. El Museo Asirio se inauguró el 1 de mayo de 1847. [42] Por separado, Louis-Philippe hizo exhibir su galería española en el Louvre desde el 7 de enero de 1838, en cinco salas en el primer piso del ala este (columnata) de Cour Carrée, [43] pero la colección siguió siendo de su propiedad personal. Como consecuencia, las obras fueron retiradas después de que Louis-Philippe fuera depuesto en 1848 y finalmente fueron subastadas en 1853.

La efímera Segunda República tenía más ambiciones para el Louvre. Inició los trabajos de reparación, la finalización de la Galerie d'Apollon y de la salle des sept-cheminées, y la revisión de la Salón Carré (antiguo sitio del icónico Salón anual) y de la Grande Galerie. [44] En 1848, el Museo Naval en el ático de Cour Carrée pasó a estar bajo la administración común del Museo del Louvre, [41] un cambio que se revirtió nuevamente en 1920. En 1850, bajo la dirección del curador Adrien de Longpérier, se inauguró el museo mexicano. dentro del Louvre como el primer museo europeo dedicado al arte precolombino. [ cita necesaria ]

Segundo Imperio Editar

El gobierno de Napoleón III fue transformador para el Louvre, tanto para el edificio como para el museo. En 1852, creó el Musée des Souverains en el Colonnade Wing, un proyecto ideológico destinado a apuntalar su legitimidad personal. En 1861, compró 11835 obras de arte, incluidas 641 pinturas, oro griego y otras antigüedades de la colección Campana. Para su exhibición, creó otra nueva sección dentro del Louvre llamada Musée Napoléon III, ocupando varias habitaciones en varias partes del edificio. Entre 1852 y 1870, el museo agregó 20.000 nuevos artefactos a sus colecciones.

El principal cambio de ese período fue el edificio en sí. En la década de 1850, los arquitectos Louis Visconti y Hector Lefuel crearon nuevos espacios masivos alrededor de lo que ahora se llama Cour Napoléon, algunos de los cuales (en el ala sur, ahora Aile Denon) fueron al museo. [44] En la década de 1860, Lefuel también dirigió la creación del pavillon des Sessions con un nuevo Salle des Etats más cerca de la residencia de Napoleón III en el Palacio de las Tullerías, con el efecto de acortar la Grande Galerie en aproximadamente un tercio de su longitud anterior. Un proyecto más pequeño pero significativo del Segundo Imperio fue la decoración del salle des Empereurs debajo del Salón carré.

Entrada a una sección del Musée Napoléon III desde el salle des séances, luego un espacio de doble altura

Galerie Daru, parte del programa de construcción del Nuevo Louvre bajo Napoleón III

Salle Daru sobre el galería Daru, también creado bajo Napoleón III

Escalier Mollien en el Nuevo Louvre

De 1870 a 1981 Editar

El Louvre escapó por poco de daños graves durante la represión de la Comuna de París. El 23 de mayo de 1871, cuando el ejército francés avanzaba hacia París, una fuerza de Comuneros dirigido por Jules Bergeret [fr] prendió fuego al contiguo Palacio de las Tullerías. El fuego ardió durante cuarenta y ocho horas, destruyendo por completo el interior de las Tullerías y extendiéndose hacia el ala noroeste del museo contiguo. La biblioteca del Louvre del emperador (Bibliothèque du Louvre) y algunas de las salas contiguas, en lo que ahora es el ala Richelieu, fueron destruidas por separado.Pero el museo se salvó gracias a los esfuerzos de los bomberos de París y los empleados del museo dirigidos por el curador Henry Barbet de Jouy [fr]. [45]

Tras el fin de la monarquía, varios espacios del ala sur del Louvre pasaron al museo. La Salle du Manège fue transferida al museo en 1879 y en 1928 se convirtió en su vestíbulo de entrada principal. [46] La gran Salle des Etats que había sido creada por Lefuel entre la Grande Galerie y Pavillon Denon fue redecorada en 1886 por Edmond Guillaume [fr], sucesor de Lefuel como arquitecto del Louvre, y se abrió como una espaciosa sala de exposiciones. [47] [48] Edomond Guillaume también decoró la habitación del primer piso en la esquina noroeste de Cour Carrée, en cuyo techo colocó en 1890 una pintura monumental de Carolus-Duran, El triunfo de María de Médicis creado originalmente en 1879 para el Palacio de Luxemburgo. [48]

Mientras tanto, durante la Tercera República (1870-1940), el Louvre adquirió nuevos artefactos principalmente a través de donaciones, obsequios y acuerdos para compartir en excavaciones en el extranjero. El artículo 583 Colección La Caze, donada en 1869 por Louis La Caze, incluía obras de Chardin Fragonard, Rembrandt y Watteau. [49] En 1883, la Victoria alada de Samotracia, que se había encontrado en el mar Egeo en 1863, se mostró de forma destacada como el punto focal del Escalier Daru. [49] Los principales artefactos excavados en Susa en Irán, incluida la enorme Capital apadana y la decoración de ladrillo vidriado del Palacio de Darío allí, acumulada para el Departamento de Antigüedades Orientales (Cercano Oriente) en la década de 1880. La Société des amis du Louvre se estableció en 1897 y donó obras destacadas, como la Piedad de Villeneuve-lès-Avignon. Sin embargo, la expansión del museo y sus colecciones se desaceleró después de la Primera Guerra Mundial, a pesar de algunas adquisiciones destacadas como la de Georges de La Tour. Santo Tomás y la donación de 4.000 impresiones, 3.000 dibujos y 500 libros ilustrados del barón Edmond de Rothschild en 1935. [9]

Desde finales del siglo XIX, el Louvre se alejó gradualmente de su ambición de universalidad de mediados de siglo para convertirse en un museo más centrado en el arte francés, occidental y del Cercano Oriente, que abarca un espacio que va desde Irán hasta el Atlántico. Las colecciones del musée mexicain del Louvre fueron transferidas al Musée d'Ethnographie du Trocadéro en 1887. Como el Musée de Marine se vio cada vez más obligado a exhibir sus colecciones centrales de temática naval en el espacio limitado que tenía en el ático del segundo piso de la mitad norte de Cour Carrée, muchas de sus importantes posesiones de artefactos no occidentales se transfirieron en 1905 a la etnografía Trocadéro museo, el Museo Nacional de Antigüedades en Saint-Germain-en-Laye y el Museo Chino en el Palacio de Fontainebleau. [50] El propio Musée de Marine se trasladó al Palais de Chaillot en 1943. Las extensas colecciones de arte asiático del Louvre se trasladaron al Museo Guimet en 1945. No obstante, la primera galería de arte islámico del Louvre se inauguró en 1922.

A finales de la década de 1920, el director del Louvre, Henri Verne [fr], ideó un plan maestro para la racionalización de las exposiciones del museo, que se implementó en parte en la década siguiente. En 1932-1934, los arquitectos del Louvre Camille Lefèvre y Albert Ferran rediseñaron el Escalier Daru a su apariencia actual. los Cor du Sphinx en el ala sur se cubrió con un techo de vidrio en 1934. Las exhibiciones de artes decorativas se ampliaron en el primer piso del ala norte de la Cour Carrée, incluidas algunas de las primeras exhibiciones de la Sala de época [de] en Francia. A finales de la década de 1930, la donación de La Caze se trasladó a un remodelado Salle La Caze sobre el salle des Caryatides, con altura reducida para crear más estancias en el segundo piso y un interiorismo sobrio de Albert Ferran.

Durante la Segunda Guerra Mundial, el Louvre llevó a cabo un elaborado plan de evacuación de su colección de arte. Cuando Alemania ocupó los Sudetes, muchas obras de arte importantes como la Mona Lisa fueron trasladados temporalmente al castillo de Chambord. Cuando se declaró formalmente la guerra un año después, la mayoría de las pinturas del museo también se enviaron allí. Seleccione esculturas como Victoria alada de Samotracia y el Venus de Milo fueron enviados al castillo de Valençay. [52] El 27 de agosto de 1939, después de dos días de empaque, los convoyes de camiones comenzaron a salir de París. Para el 28 de diciembre, el museo quedó libre de la mayoría de las obras, excepto las que eran demasiado pesadas y "pinturas sin importancia [que] se dejaron en el sótano". [53] A principios de 1945, después de la liberación de Francia, el arte comenzó a regresar al Louvre. [54]

Los nuevos arreglos posteriores a la guerra revelaron una mayor evolución del gusto alejándose de las lujosas prácticas decorativas de finales del siglo XIX. En 1947, los adornos del techo de Edmond Guillaume se retiraron del Salle des Etats, [48] donde el Mona Lisa se exhibió por primera vez en 1966. [55] Alrededor de 1950, el arquitecto del Louvre Jean-Jacques Haffner [fr] modernizó la decoración interior de la Grande Galerie. [48] ​​En 1953, se inauguró un nuevo techo de Georges Braque en el Salle Henri II, al lado de Salle La Caze. [56] A finales de la década de 1960, los asientos diseñados por Pierre Paulin se instalaron en la Grande Galerie. [57] En 1972, el Salón CarréLa museografía se rehizo con la iluminación de una caja tubular colgada, diseñada por el arquitecto del Louvre Marc Saltet [fr] con la asistencia de los diseñadores André Monpoix [fr], Joseph-André Motte y Paulin. [58]

En 1961, el Ministerio de Finanzas aceptó dejar el Pavillon de Flore en el extremo suroeste del edificio del Louvre, como Verne había recomendado en su plan de 1920. Los nuevos espacios de exhibición de esculturas (planta baja) y pinturas (primer piso) se abrieron allí más tarde en la década de 1960, con un diseño del arquitecto gubernamental Olivier Lahalle. [59]

Grand Louvre Modificar

En 1981, el presidente francés François Mitterrand propuso, como uno de sus Grandes Proyectos, el plan del Gran Louvre para reubicar el Ministerio de Finanzas, hasta entonces ubicado en el Ala Norte del Louvre, y así dedicar casi todo el edificio del Louvre (excepto su extremo noroeste , que alberga el Musée des Arts Décoratifs independiente) al museo que se reestructuraría en consecuencia. En 1984, I. M. Pei, el arquitecto seleccionado personalmente por Mitterrand, propuso un plan maestro que incluía un espacio de entrada subterráneo al que se accede a través de una pirámide de vidrio en el centro del Louvre. Cour Napoléon. [60]

Los espacios abiertos que rodean la pirámide se inauguraron el 15 de octubre de 1988 y su vestíbulo subterráneo se inauguró el 30 de marzo de 1989. Nuevas galerías de pinturas francesas modernas tempranas en el segundo piso de la Cour Carrée, cuya planificación se había iniciado antes de la Gran Louvre, también inaugurado en 1989. Otras salas en la misma secuencia, diseñadas por Italo Rota, se abrieron el 15 de diciembre de 1992.

El 18 de noviembre de 1993, Mitterrand inauguró la siguiente fase importante del plan del Gran Louvre: el ala norte renovada (Richelieu) en el antiguo sitio del Ministerio de Finanzas, la expansión individual más grande del museo en toda su historia, diseñada por Pei, su socio francés Michel Macary. y Jean-Michel Wilmotte. Otros espacios subterráneos conocidos como el Carrousel du Louvre, centrados en la Pirámide Invertida y diseñados por Pei y Macary, se abrieron en octubre de 1993. Otras galerías renovadas, de esculturas italianas y antigüedades egipcias, se abrieron en 1994. La tercera y última fase principal de el plan se desarrolló principalmente en 1997, con nuevas habitaciones renovadas en las alas Sully y Denon. Una nueva entrada en el porte des Lions Inaugurado en 1998, conduce en el primer piso a nuevas salas de pintura española.

A partir de 2002, el recuento de visitantes del Louvre se había duplicado desde sus niveles anteriores al Gran Louvre. [10]

El Patio de Napoleón y la pirámide de Ieoh Ming Pei en su centro, al anochecer.

El Palacio del Louvre y la pirámide (de día)

Siglo XXI Editar

El presidente Jacques Chirac, que había sucedido a Mitterrand en 1995, insistió en el regreso del arte no occidental al Louvre, por recomendación de su amigo, el coleccionista y marchante de arte Jacques Kerchache [fr]. Por iniciativa suya, en la planta baja del edificio se instaló una selección de lo más destacado de las colecciones de lo que se convertiría en el Musée du Quai Branly - Jacques Chirac. Pavillon des Sessions e inaugurado en 2000, seis años antes que el propio Musée du Quai Branly.

La otra iniciativa principal a raíz del proyecto del Gran Louvre fue la decisión de Chirac de crear un nuevo departamento de Arte Islámico, por orden ejecutiva del 1 de agosto de 2003, y trasladar las colecciones correspondientes de su anterior ubicación subterránea en el ala Richelieu a una zona más sitio destacado en el ala Denon. Esa nueva sección se inauguró el 22 de septiembre de 2012, junto con colecciones del Mediterráneo oriental de la época romana, con el apoyo económico de la Fundación Al Waleed bin Talal y sobre un diseño de Mario Bellini y Rudy Ricciotti. [61] [62] [63]

En 2010, el pintor estadounidense Cy Twombly completó un nuevo techo para el Salle des Bronzes (el primero Salle La Caze), contrapunto al de Braque instalado en 1953 en la colindancia Salle Henri II. El piso y las paredes de la sala fueron rediseñados en 2021 por el arquitecto del Louvre Michel Goutal para revertir los cambios realizados por su predecesor Albert Ferran a fines de la década de 1930, lo que provocó protestas de la Fundación Cy Twombly con el argumento de que la obra del pintor fallecido se había creado para adaptarse con la decoración previa de la habitación. [64]

El 6 de junio de 2014, la sección de Artes Decorativas en el primer piso del ala norte de Cour Carrée abrió después de una remodelación integral. [sesenta y cinco]

El Louvre, como muchos otros museos y galerías, sintió el impacto de la pandemia de COVID-19 en las artes y el patrimonio cultural. Estuvo cerrado durante seis meses durante los bloqueos del coronavirus francés y el número de visitantes se desplomó a 2,7 millones en 2020, desde 9,6 millones en 2019 y 10,2 millones en 2018, que fue un año récord. [66]

los Pavillon des Sessionsexhibición de arte no occidental del Musée du Quai Branly, inaugurada en 2000

los Cour ViscontiPlanta baja cubierta para albergar el nuevo Departamento de Arte Islámico en 2012.

Exhibición de arte islámico en la cubierta. Cour Visconti, 2012

Exhibición subterránea del Departamento de Arte Islámico, 2012

El Musée du Louvre posee 615.797 objetos [1] de los cuales 482.943 son accesibles en línea desde el 24 de marzo de 2021 [67] y exhibe 35.000 obras de arte en ocho departamentos curatoriales. [2]

Antigüedades egipcias Editar

El departamento, que comprende más de 50.000 piezas, [68] incluye artefactos de las civilizaciones del Nilo que datan del 4.000 a. C. al siglo IV d. C. [69] La colección, entre las más grandes del mundo, describe la vida egipcia que abarca el Antiguo Egipto, el Reino Medio, el Imperio Nuevo, el arte copto y los períodos romano, ptolemaico y bizantino. [69]

Los orígenes del departamento se encuentran en la colección real, pero fue aumentada por el viaje expedicionario de Napoleón en 1798 con Dominique Vivant, el futuro director del Louvre. [68] Después de que Jean-François Champollion tradujo la Piedra de Rosetta, Carlos X decretó que se creara un departamento de Antigüedades egipcias. Champollion aconsejó la compra de tres colecciones, formadas por Edmé-Antoine Durand, Henry Salt y Bernardino Drovet, estas incorporaciones sumaron 7.000 obras. El crecimiento continuó gracias a las adquisiciones de Auguste Mariette, fundador del Museo Egipcio de El Cairo. Mariette, después de las excavaciones en Memphis, envió cajas de hallazgos arqueológicos que incluían El escriba sentado. [68] [70]

Vigilado por el Gran esfinge (c. 2000 a. C.), la colección se encuentra en más de 20 salas. Las posesiones incluyen arte, rollos de papiro, momias, herramientas, ropa, joyas, juegos, instrumentos musicales y armas. [68] [69] Las piezas del período antiguo incluyen el Cuchillo Gebel el-Arak desde 3400 a.C., El escriba sentado, y el Cabeza del rey Djedefre. El arte del Reino Medio, "conocido por su trabajo en oro y sus estatuas", pasó del realismo a la idealización, lo que se ejemplifica con la estatua de esquisto de Amenemhatankh y el Portador de ofrendas. Las secciones del Imperio Nuevo y el Egipto copto son profundas, pero la estatua de la diosa Neftis y la representación en piedra caliza de la diosa Hathor demuestran el sentimiento y la riqueza del Imperio Nuevo. [69] [70]

los Cuchillo Gebel el-Arak 3300-3200 BC mango: marfil de elefante, hoja: pedernal longitud: 25,8 cm

El escriba sentado 2613–2494 a.C. piedra caliza pintada y cuarzo con incrustaciones de altura: 53,7 cm

los Gran Esfinge de Tanis circa 2600 a.C. granito rosa altura: 183 cm, ancho: 154 cm, grosor: 480 cm

Akhenaton y Nefertiti 1345 a.C. piedra caliza pintada altura: 22,2 cm, ancho: 12,3 cm, grosor: 9,8 cm

Antigüedades del Cercano Oriente Editar

Las antigüedades del Cercano Oriente, el segundo departamento más nuevo, data de 1881 y presenta una descripción general de la civilización temprana del Cercano Oriente y los "primeros asentamientos", antes de la llegada del Islam. El departamento está dividido en tres áreas geográficas: Levante, Mesopotamia (Irak) y Persia (Irán). El desarrollo de la colección corresponde a trabajos arqueológicos como la expedición de Paul-Émile Botta a Khorsabad en 1843 y el descubrimiento del palacio de Sargón II. [69] [71] Estos hallazgos formaron la base del museo asirio, el precursor del departamento actual. [69]

El museo contiene exhibiciones de Sumer y la ciudad de Akkad, con monumentos como el del Príncipe de Lagash Estela de los buitres de 2450 a. C. y la estela erigida por Naram-Sin, rey de Akkad, para celebrar una victoria sobre los bárbaros en las montañas de Zagros. El Código de Hammurabi de 2,25 metros (7,38 pies), descubierto en 1901, muestra las leyes babilónicas de forma destacada, de modo que ningún hombre podría alegar su ignorancia. El mural del siglo XVIII a. C. de la Investidura de Zimrilim y el siglo 25 a.C. Estatua de Ebih-Il que se encuentran en la antigua ciudad-estado de Mari también se exhiben en el museo. [ cita necesaria ]

La parte persa del Louvre contiene obras del período arcaico, como el Cabeza funeraria y el persa Arqueros de Darío I. [69] [72] Esta sección también contiene objetos raros de Persépolis que también fueron prestados al Museo Británico para su exposición sobre la Antigua Persia en 2005. [73]

los Estatua de Ebih-Il circa 2400 a.C. yeso, esquisto, conchas y lapislázuli altura: 52,5 cm

los Código de Hammurabi 1755-1750 a. C. altura del basalto: 225 cm, ancho: 79 cm, grosor: 47 cm

Assryian lamassu (toro alado con cabeza humana) hacia 713–716 a. C. 4,2 x 4,4 x 1 m

Friso de arqueros, del Palacio de Darío en Susa alrededor del año 510 a. C. ladrillos

Griego, etrusco y romano Editar

El departamento griego, etrusco y romano exhibe piezas de la cuenca mediterránea que datan del Neolítico al siglo VI. [74] La colección abarca desde el período de las Cícladas hasta el declive del Imperio Romano. Este departamento es uno de los más antiguos del museo. Comenzó con arte real apropiado, parte del cual fue adquirido bajo Francisco I. [69] [75] Inicialmente, la colección se centró en esculturas de mármol, como el Venus de Milo'. Obras como la Apolo Belvedere llegó durante las Guerras Napoleónicas, pero estas piezas fueron devueltas después de la caída de Napoleón I en 1815. En el siglo XIX, el Louvre adquirió obras que incluían jarrones de la colección Durand, bronces como el Vaso Borghese de la Bibliothèque nationale. [76] [74]

Lo arcaico se demuestra en joyas y piezas como la Dama de Auxerre de piedra caliza, del 640 a.C. y la forma cilíndrica. Hera de Samos, C. 570–560 a. C. [69] [77] Después del siglo IV a. C., el enfoque en la forma humana aumentó, ejemplificado por Gladiador Borghese. El Louvre alberga obras maestras de la época helenística, incluida la Victoria alada de Samotracia (190 a. C.) y la Venus de Milo, símbolo del arte clásico. [75] El largo Galerie Campana muestra una destacada colección de más de mil alfarería griega. En las galerías paralelas al Sena, se exhibe gran parte de la escultura romana del museo. [74] El retrato romano es representativo de ese género ejemplos incluyen los retratos de Agripa y Annius Verus entre los bronces se encuentra el griego Apolo de Piombino.

Cabeza de mujer cicládica del siglo XXVII a.C.Mármol altura: 27 cm.

Crátera voluta que representa la muerte de Acteón alrededor de 450–440 a. C. Altura de cerámica: 51 cm, diámetro: 33,1 cm

Venus de Milo 130-100 aC altura del mármol: 203 cm

Arte islámico Editar

La colección de arte islámico, la más nueva del museo, abarca "trece siglos y tres continentes". [78] Estas exhibiciones, que incluyen cerámica, vidrio, artículos de metal, madera, marfil, alfombras, textiles y miniaturas, incluyen más de 5,000 obras y 1,000 fragmentos. [79] Originalmente parte del departamento de artes decorativas, las existencias se separaron en 2003. Entre las obras se encuentran Pyxide d'al-Mughira, una caja de marfil del siglo X procedente de Andalucía Baptisterio de Saint-Louis, un lavabo de latón grabado del período mameluco del siglo XIII o XIV y del siglo X Sudario de Saint-Josse De Irán. [71] [78] La colección contiene tres páginas del Shahnameh, un libro épico de poemas de Ferdowsi en persa, y una orfebrería siria llamada Jarrón Barberini. [79] En septiembre de 2019, la princesa Lamia bint Majed Al-Saud abrió un nuevo y mejorado departamento de arte islámico. El nuevo departamento expone 3.000 piezas procedentes de España a la India a través de la península arábiga que datan de los siglos VII al XIX. [80]

los Pyxis de al-Mughira Siglo X (quizás 968) marfil 15 x 8 cm

Azulejo iraní con giro bismillah de cerámica moldeada de los siglos XIII-XIV, esmalte y esmalte lustre

los Baptistère de Saint Louis por Muhammad ibn al-Zayn 1320-1340 martillado, grabado, incrustaciones en latón, oro y plata 50,2 x 22,2 cm

Puerta de madera de nogal esculpida, pintada y dorada de los siglos XV-XVI

Esculturas Editar

El departamento de escultura comprende obras creadas antes de 1850 que no pertenecen al departamento etrusco, griego y romano. [81] El Louvre ha sido un depósito de material esculpido desde su época como palacio, sin embargo, solo se exhibió arquitectura antigua hasta 1824, a excepción de la de Miguel Ángel. Morir esclavo y Esclavo rebelde. [82] Inicialmente, la colección incluía solo 100 piezas, el resto de la colección de esculturas reales se encuentra en Versalles. Permaneció pequeño hasta 1847, cuando Léon Laborde tomó el control del departamento. Laborde desarrolló la sección medieval y compró las primeras estatuas y esculturas de la colección, Rey Childebert y puerta stanga, respectivamente. [82] La colección era parte del Departamento de Antigüedades, pero se le dio autonomía en 1871 bajo Louis Courajod, un director que organizó una representación más amplia de obras francesas. [81] [82] En 1986, todas las obras posteriores a 1850 se trasladaron al nuevo Musée d'Orsay. El proyecto del Gran Louvre separó el departamento en dos espacios de exposición: la colección francesa se muestra en el ala Richelieu y las obras extranjeras en el ala Denon. [81]

El resumen de la colección de la escultura francesa contiene obras románicas como la del siglo XI. Daniel en el foso de los leones y el siglo XII Virgen de Auvernia. En el siglo XVI, la influencia del Renacimiento hizo que la escultura francesa se volviera más comedida, como se ve en los bajorrelieves de Jean Goujon y los de Germain Pilon. Descenso de la Cruz y Resurrección de cristo. Los siglos XVII y XVIII están representados por el busto del cardenal Richelieu de 1640-1 de Gian Lorenzo Bernini, de Étienne Maurice Falconet Mujer, bañarse y Amour menaçanty los obeliscos de François Anguier. La obra neoclásica incluye la de Antonio Canova. Psique revivida por el beso de Cupido (1787). [82] Los siglos XVIII y XIX están representados por escultores franceses como Alfred Barye y Émile Guillemin.

los Tumba de Philippe Pot 1477 y 1483 piedra caliza, pintura, oro y plomo altura: 181 cm, ancho: 260 cm, profundidad: 167 cm

La fama del rey montando a Pegaso de Antoine Coysevox 1701-1702 Mármol de Carrara altura: 3,15 m, ancho: 2,91 m, profundidad: 1,28 m

Escultura colectiva de Nicolas Coustou 1701-1712 mármol altura: 2,44 m

Luis XV como Júpiter 1731 probablemente mármol altura: 1,95 m, ancho: 1,20 m, profundidad: 68 cm

Artes decorativas Editar

La colección Objets d'art abarca desde la Edad Media hasta mediados del siglo XIX. El departamento comenzó como un subconjunto del departamento de escultura, basado en la propiedad real y la transferencia de obra de la Basilique Saint-Denis, el cementerio de los monarcas franceses que ocupaban la Espada Coronación de los Reyes de Francia. [83] [84] Entre las obras más preciadas de la colección en ciernes se encontraban los jarrones y bronces de pietre dure. La adquisición de la colección Durand en 1825 añadió "cerámica, esmaltes y vidrieras", y Pierre Révoil entregó 800 piezas. El inicio del romanticismo reavivó el interés por las obras de arte del Renacimiento y la Edad Media, y la donación de Sauvageot amplió el departamento con 1.500 obras de fe y de mediana edad. En 1862, la colección Campana incorporó joyas de oro y mayólicas, principalmente de los siglos XV y XVI. [84] [85]

Las obras se exhiben en el primer piso del ala Richelieu y en la Galería Apollo, nombrada por el pintor Charles Le Brun, a quien Luis XIV (el Rey Sol) le encargó decorar el espacio con un tema solar. La colección medieval contiene la corona de coronación de Luis XIV, el cetro de Carlos V y el siglo XII. jarrón de pórfido. [86] Las existencias de arte renacentista incluyen bronce de Giambologna Nessus y Deianira y el tapiz Caza de Maximiliano. [83] De períodos posteriores, los aspectos más destacados incluyen la colección de jarrones Sèvres de Madame de Pompadour y los apartamentos de Napoleón III. [83]

En septiembre de 2000, el Museo del Louvre dedicó la Galería Gilbert Chagoury y Rose-Marie Chagoury para exhibir tapices donados por los Chagoury, incluida una suite de tapices de seis partes del siglo XVI, cosida con hilos de oro y plata que representan a las divinidades marinas, que se encargó en París para Colbert de Seignelay, Secretario de Estado de Marina.

Armario de estilo Enrique II hacia 1580 en nogal y roble, parcialmente dorado y pintado alto: 2,06 m, ancho: 1,50 m, fondo: 0,60 m [87]

Armario de estilo Luis XIV con soporte de André Charles Boulle circa 1690-1710 estructura de roble, madera resinosa y nogal, chapa de ébano, carey, marquetería de latón y peltre, y ormolu

Cómoda de estilo Luis XVI de Madame du Barry 1772 estructura de roble, chapa de madera de peral, palo de rosa y madera de rey, porcelana de Sèvres en pasta blanda, bronce dorado, mármol blanco y vidrio altura: 0,87 m, ancho: 1,19 m, profundidad: 0,48 m [88 ]

Barómetro-termómetro de estilo Luis XVI hacia 1776 Porcelana de Sèvres de pasta blanda, esmalte y ormolu altura: 1 m, ancho: 0,27 m [89]

Pintura Editar

La colección de pintura tiene más de 7.500 obras [90] desde el siglo XIII hasta 1848 y está dirigida por 12 curadores que supervisan la exhibición de la colección. Casi dos tercios son de artistas franceses y más de 1200 son del norte de Europa. Las pinturas italianas componen la mayoría de los restos de las colecciones de Francisco I y Luis XIV, otras son obras de arte no devueltas de la era de Napoleón, y algunas fueron compradas. [91] [92] La colección comenzó con Francis, quien adquirió obras de maestros italianos como Rafael y Miguel Ángel [93] y llevó a Leonardo da Vinci a su corte. [22] [94] Después de la Revolución Francesa, la Colección Real formó el núcleo del Louvre. Cuando el d'Orsay La estación de tren se convirtió en el Museo de Orsay en 1986, la colección se dividió y las piezas terminadas después de la Revolución de 1848 se trasladaron al nuevo museo. Obras francesas y del norte de Europa se encuentran en el ala Richelieu y Cour Carrée Hay pinturas españolas e italianas en el primer piso del ala Denon. [92]

Ejemplificando la escuela francesa son los primeros Piedad de Aviñón de Enguerrand Quarton la pintura anónima de Rey Jean le Bon (c. 1360), posiblemente el retrato independiente más antiguo de la pintura occidental que sobrevive de la era posclásica [95] Hyacinthe Rigaud Luis XIV Jacques-Louis David's La coronación de Napoleón De Théodore Géricault La balsa de la Medusa y la de Eugène Delacroix Libertad guiando a la gente. Nicolas Poussin, los hermanos Le Nain, Philippe de Champaigne, Le Brun, La Tour, Watteau, Fragonard, Ingres, Corot y Delacroix están bien representados. [96]

Las obras del norte de Europa incluyen las de Johannes Vermeer. La encajera y El astrónomo Caspar David Friedrich El árbol de los cuervos De Rembrandt La Cena de Emaús, Betsabé en su baño, y El buey sacrificado.

Destacan las propiedades italianas, en particular la colección Renaissance. Las obras incluyen Andrea Mantegna y Giovanni Bellini Calvarios, que reflejan realismo y detalle "destinado a representar los eventos significativos de un mundo espiritual más amplio". [97] La ​​colección del Alto Renacimiento incluye a Leonardo da Vinci Mona Lisa, Virgen y Niño con Santa Ana, San juan bautista, y Virgen de las rocas. La colección barroca incluye Giambattista Pittoni La continencia de Escipión, Susana y los ancianos, Baco y Ariadna, Marte y venus, y otros Caravaggio está representado por El adivino y Muerte de la virgen. Desde la Venecia del siglo XVI, el Louvre exhibe la Le Concert Champetre, El entierro y La coronación de espinas. [98] [99]

La Colección La Caze, un legado al Musée du Louvre en 1869 por Louis La Caze, fue la mayor contribución de una persona en la historia del Louvre. La Caze donó al museo 584 pinturas de su colección personal. El legado incluía al jugador de Pierrot ("Gilles") de la Commedia dell'arte de Antoine Watteau. En 2007, este legado fue el tema de la exposición "1869: Watteau, Chardin. Entrent au Louvre. La colección La Caze". [100]

Algunas de las pinturas más conocidas del museo han sido digitalizadas por el Centro Francés de Investigación y Restauración de los Museos de Francia. [101]

Primavera de Giuseppe Arcimboldo 1573 óleo sobre lienzo 76 × 64 cm

Diana después del baño de François Boucher 1742 óleo sobre lienzo 73 × 56 cm

Juramento de los Horacios por Jacques-Louis David 1784 óleo sobre lienzo alto: 330 cm, ancho: 425 cm

Impresiones y dibujos Editar

El departamento de estampas y dibujos engloba trabajos sobre papel. [102] El origen de la colección fueron las 8600 obras de la Colección Real (Cabinet du Roi), que se incrementaron mediante apropiación estatal, compras como las 1.200 obras de la colección de Fillipo Baldinucci en 1806 y donaciones. [76] [103] El departamento se inauguró el 5 de agosto de 1797, con 415 piezas expuestas en la Galerie d'Apollon. La colección está organizada en tres secciones: el núcleo Cabinet du Roi, 14.000 planchas de impresión de cobre real y las donaciones de Edmond de Rothschild, que incluyen 40.000 grabados, 3.000 dibujos y 5.000 libros ilustrados. Las existencias se muestran en el Pavillon de Flore debido a la fragilidad del soporte de papel, solo una parte se muestra a la vez. [102]

Tres cabezas de león de Charles Le Brun hacia 1671 tiza negra, pluma y tinta, pincel y aguada gris, gouache blanco sobre papel 21,7 × 32,7 cm

Baco de Antoine Coypel tiza negra, reflejos blancos y sanguina 42,7 × 37,7 cm

Estudios de cabezas de mujeres y cabezas de hombres por Antoine Watteau primera mitad del siglo XVIII sanguina, tiza negra y tiza blanca sobre papel gris 28 × 38,1 cm

Danseuse sur la scène de Edgar Degas pastel 58 × 42 cm

El Louvre es propiedad del gobierno francés. Desde la década de 1990, su gestión y gobierno se han vuelto más independientes. [11] [104] [105] [106] Desde 2003, el museo debe generar fondos para proyectos. [105] Para 2006, los fondos del gobierno habían caído del 75 por ciento del presupuesto total al 62 por ciento. Cada año, el Louvre recauda ahora tanto como recibe del estado, unos 122 millones de euros. El gobierno paga los costos operativos (salarios, seguridad y mantenimiento), mientras que el resto (nuevas alas, renovaciones, adquisiciones) corresponde al museo financiarlo. [107] El Louvre recauda entre 3 y 5 millones de euros al año a partir de exposiciones que cura para otros museos, mientras que el museo anfitrión se queda con el dinero de las entradas. [107] A medida que el Louvre se convirtió en un punto de interés en el libro El codigo Da Vinci y la película de 2006 basada en el libro, el museo ganó $ 2.5 millones al permitir filmar en sus galerías. [108] [109] En 2008, el gobierno francés proporcionó $ 180 millones del presupuesto anual de $ 350 millones del Louvre, el resto provino de contribuciones privadas y venta de entradas. [104]

El Louvre cuenta con una plantilla de 2.000 personas encabezadas por el director Jean-Luc Martinez, [110] que depende del Ministerio de Cultura y Comunicaciones de Francia. Martínez reemplazó a Henri Loyrette en abril de 2013. Bajo Loyrette, quien reemplazó a Pierre Rosenberg en 2001, el Louvre ha experimentado cambios de política que le permiten prestar y pedir prestado más obras que antes. [11] [105] En 2006, prestó 1.300 obras, lo que le permitió tomar prestadas más obras extranjeras. De 2006 a 2009, el Louvre prestó obras de arte al High Museum of Art en Atlanta, Georgia, y recibió un pago de $ 6,9 millones para su uso en renovaciones. [105]

En 2009, el Ministro de Cultura Frédéric Mitterrand aprobó un plan que habría creado una instalación de almacenamiento a 30 km (19 millas) al noroeste de París para guardar objetos del Louvre y otros dos museos nacionales en la zona de inundación de París, el Musée du Quai Branly y el Musée d'Orsay, el plan fue posteriormente descartado. En 2013, su sucesora Aurélie Filippetti anunció que el Louvre trasladaría más de 250.000 obras de arte [111] en un sótano de 20.000 metros cuadrados (220.000 pies cuadrados) de área de almacenamiento en Liévin, el costo del proyecto, estimado en € 60 millones, se dividirá entre la región (49%) y el Louvre (51%). [112] El Louvre será el único propietario y administrador de la tienda. [111] En julio de 2015, un equipo dirigido por la firma británica Rogers Stirk Harbour + Partners fue seleccionado para diseñar el complejo, que tendrá espacios de trabajo llenos de luz bajo un gran techo verde. [111]

En 2012, el Louvre y los Museos de Bellas Artes de San Francisco anunciaron una colaboración de cinco años en exposiciones, publicaciones, conservación del arte y programación educativa. [113] La expansión de 98,5 millones de euros de las galerías de arte islámico en 2012 recibió una financiación estatal de 31 millones de euros, así como 17 millones de euros de la Fundación Alwaleed Bin Talal, fundada por el príncipe saudí epónimo. La República de Azerbaiyán, el Emir de Kuwait, el Sultán de Omán y el Rey Mohammed VI de Marruecos donaron un total de 26 millones de euros. Además, se supone que la apertura del Louvre Abu Dhabi proporcionará 400 millones de euros en el transcurso de 30 años para el uso de la marca del museo. [61] Loyrette ha tratado de mejorar las partes débiles de la colección a través de los ingresos generados por préstamos de arte y garantizando que "el 20% de los recibos de admisión se tomarán anualmente para adquisiciones". [105] Tiene más independencia administrativa para el museo y logró que el 90 por ciento de las galerías estuvieran abiertas todos los días, en comparación con el 80 por ciento anteriormente. Supervisó la creación de horarios extendidos y admisión gratuita los viernes por la noche y un aumento en el presupuesto de adquisiciones a $ 36 millones desde $ 4.5 millones. [104] [105]

En marzo de 2018, una exposición de decenas de obras de arte y reliquias pertenecientes al Museo del Louvre de Francia se abrió a los visitantes en Teherán, como resultado de un acuerdo entre los presidentes iraníes y franceses en 2016. En el Louvre, se asignaron dos departamentos a las antigüedades del La civilización iraní y los gerentes de los dos departamentos visitaron Teherán. En la exposición de Teherán se exhibieron reliquias pertenecientes al Antiguo Egipto, Roma y Mesopotamia, así como artículos reales franceses. [114] [115] [116]

El edificio del Museo Nacional de Irán fue diseñado y construido por el arquitecto francés André Godard. [117] Después de su estadía en Teherán, la exposición se llevará a cabo en el Gran Museo Khorasan en Mashhad, noreste de Irán, en junio de 2018. [118]

En el 500 aniversario de la muerte de Leonardo da Vinci, el Louvre celebró la exposición individual más grande de su obra, del 24 de octubre de 2019 al 24 de febrero de 2020. El evento incluyó más de un centenar de artículos: pinturas, dibujos y cuadernos. Se exhibieron 11 de las menos de 20 pinturas que Da Vinci completó durante su vida. Cinco de ellos son propiedad del Louvre, pero la Mona Lisa no se incluyó porque tiene tanta demanda entre los visitantes del museo del Louvre que el trabajo permaneció en exhibición en su galería. Tampoco se incluyó a Salvator Mundi, ya que el propietario saudí no aceptó trasladar la obra de su escondite. El Hombre de Vitruvio, sin embargo, estaba en exhibición, después de una exitosa batalla legal con su propietario, la Galleria dell'Accademia en Venecia. [119] [120]

En 2021, se recuperaron un casco ceremonial de la era del Renacimiento y una coraza robados del museo en 1983. El museo señaló que el robo de 1983 había "preocupado profundamente a todo el personal en ese momento". Hay pocos detalles de acceso público sobre el robo en sí. [121]

En mayo de 2021, se anunció que Laurence des Cars había sido elegido por el presidente francés Emmanuel Macron como el próximo líder del Louvre. Por primera vez en sus 228 años de historia, el Louvre estará dirigido por una mujer. [122]

Louvre-Lens Editar

En 2004, los funcionarios franceses decidieron construir un museo satélite en el sitio de un pozo de carbón abandonado en la antigua ciudad minera de Lens para aliviar el abarrotado Louvre de París, aumentar las visitas totales a los museos y mejorar la economía del norte industrial. [123] Se consideraron seis ciudades para el proyecto: Amiens, Arras, Boulogne-sur-Mer, Calais, Lens y Valenciennes. En 2004, el primer ministro francés Jean-Pierre Raffarin eligió Lens para ser el sitio del nuevo edificio, el Louvre-Lens. Los arquitectos japoneses SANAA fueron seleccionados para diseñar el proyecto Lens en 2005. Los funcionarios del museo predijeron que el nuevo edificio, capaz de recibir alrededor de 600 obras de arte, atraerá hasta 500.000 visitantes al año cuando se inaugure en 2012. [123]

Louvre Abu Dhabi Modificar

El 8 de noviembre de 2017, una ampliación directa del Louvre, Louvre Abu Dhabi, abrió sus puertas al público en la ciudad de Abu Dhabi. Un acuerdo de 30 años, firmado por el ministro de Cultura francés Renaud Donnedieu de Vabres y el jeque Sultan bin Tahnoon Al Nahyan, estableció el museo en la isla Saadiyat en Abu Dhabi a cambio de 832 millones de euros (1.300 millones de dólares estadounidenses). El Louvre Abu Dhabi, diseñado por el arquitecto francés Jean Nouvel y la empresa de ingeniería Buro Happold, ocupa 24.000 metros cuadrados (260.000 pies cuadrados) y está cubierto por un icónico techo metálico diseñado para proyectar rayos de luz que imitan la luz solar que atraviesa las hojas de palmera datilera. en un oasis. Francia acordó rotar entre 200 y 300 obras de arte durante un período de 10 años para proporcionar experiencia en gestión y ofrecer cuatro exposiciones temporales al año durante 15 años. El arte vendrá de varios museos, incluidos el Louvre, el Centro Georges Pompidou, el Musée d'Orsay, Versailles, el Musée Guimet, el Musée Rodin y el Musée du quai Branly. [124]

El Louvre está involucrado en controversias que rodean los bienes culturales incautados bajo Napoleón I, así como durante la Segunda Guerra Mundial por los nazis. Durante la ocupación nazi, se robaron miles de obras de arte. Pero después de la guerra, 61.233 artículos sobre más de 150.000 obras de arte incautadas regresaron a Francia y fueron asignados a la Office des Biens Privés. [125] En 1949, confió 2.130 piezas no reclamadas (incluidas 1.001 pinturas) a la Direction des Musées de France para mantenerlas en condiciones adecuadas de conservación hasta su restitución y, mientras tanto, las clasificó como MNR (Musées Nationaux Recuperation o, en inglés , los Museos Nacionales de Arte Recuperado). Se cree que entre el 10% y el 35% de las piezas provienen de expoliaciones judías [126] y, hasta que se identifique a sus legítimos propietarios, que disminuyó a fines de la década de 1960, se registran indefinidamente en inventarios separados de las colecciones del museo. [127]

Fueron exhibidos en 1946 y mostrados todos juntos al público durante cuatro años (1950-1954) para permitir a los legítimos reclamantes identificar sus propiedades, luego almacenados o exhibidos, según su interés, en varios museos franceses, incluido el Louvre. De 1951 a 1965 se restituyeron unas 37 piezas. Desde noviembre de 1996, se puede acceder en línea al catálogo parcialmente ilustrado de 1947-1949 y se ha completado. En 1997, el primer ministro Alain Juppé inició la Comisión Mattéoli, encabezada por Jean Mattéoli, para investigar el asunto y, según el gobierno, el Louvre está a cargo de 678 obras de arte aún no reclamadas por sus legítimos propietarios. [128] A finales de la década de 1990, la comparación de los archivos de guerra estadounidenses, que no se había hecho antes, con los franceses y alemanes, así como dos casos judiciales que finalmente resolvieron algunos de los derechos de los herederos (Gentili di Giuseppe y Rosenberg familias) permitió investigaciones más precisas. Desde 1996, las restituciones, según criterios a veces menos formales, se referían a 47 piezas más (26 cuadros, 6 del Louvre incluyendo un Tiepolo entonces expuesto), hasta que las últimas reclamaciones de los propietarios franceses y sus herederos terminaron de nuevo en 2006. [ cita necesaria ]

Según Serge Klarsfeld, desde la publicidad ahora completa y constante que obtuvieron las obras de arte en 1996, la mayoría de la comunidad judía francesa está, sin embargo, a favor del regreso al régimen civil francés normal de adquisitivo de prescripción de cualquier bien no reclamado después de otro largo período de tiempo y, en consecuencia, a su integración final en la herencia común francesa en lugar de su transferencia a instituciones extranjeras como durante la Segunda Guerra Mundial. [ cita necesaria ]

Las campañas de Napoleón adquirieron piezas italianas por tratados, como reparaciones de guerra, y piezas del norte de Europa como botín, así como algunas antigüedades excavadas en Egipto, aunque la gran mayoría de estas últimas fueron incautadas como reparaciones de guerra por el ejército británico y ahora forman parte de colecciones de El museo británico. Por otro lado, el zodíaco de Dendera es, como la Piedra de Rosetta, reclamado por Egipto a pesar de que fue adquirido en 1821, antes de la legislación egipcia Anti-export de 1835. La administración del Louvre ha argumentado a favor de retener este artículo a pesar de las solicitudes. por Egipto para su regreso. El museo también participa en las sesiones de arbitraje realizadas a través del Comité de Promoción del Retorno de los Bienes Culturales a sus Países de Origen de la UNESCO. [129] En consecuencia, el museo devolvió en 2009 cinco fragmentos egipcios de frescos (de 30 cm x 15 cm cada uno) cuya existencia de la tumba de origen sólo se había llamado la atención de las autoridades en 2008, ocho o cinco años después de su adquisición de buena fe. por el museo a partir de dos colecciones privadas y tras el necesario respeto del procedimiento de déclassement de colecciones públicas francesas ante la Commission scientifique nationale des collections des musées de France. [130]

Se puede llegar al Louvre por el Palais Royal - Musée du Louvre Métro o las estaciones Louvre-Rivoli. [131]

El Louvre tiene tres entradas: la entrada principal en la pirámide, una entrada desde el centro comercial subterráneo Carrousel du Louvre y una entrada en la Porte des Lions (cerca del extremo occidental del ala Denon).

Debajo de la entrada principal del museo se encuentra el Carrousel du Louvre, un centro comercial operado por Unibail-Rodamco. Entre otras tiendas, cuenta con la primera Apple Store de Francia y un restaurante McDonald's, cuya presencia ha generado polémica. [132]

Se permite el uso de cámaras y grabadoras de video en el interior, pero se prohíbe la fotografía con flash.


Antecedentes: A estela es un monumento compuesto por una sola columna o fuste típicamente erigido para conmemorar un evento o persona importante. Los acadios bajo Sargón dominaron a los sumerios alrededor del 2300 a. C. Naram-Sin era nieto de Sargón. Los reyes acadios, semejantes a dioses, gobernaban con absoluta autoridad. El título de Naram-Sin era "Rey de los Cuatro Cuartos", que significa "Gobernante del Mundo". Dañada tanto en la parte superior como en la inferior, la estela de Naram-Sin representa la derrota del rey de los pueblos lullubi del actual Irán.

Imágenes de los dioses en Naram-Sin

La representación de los dioses como imágenes de estrellas aparece en la parte superior de esta estela. El hecho de que Naram-Sin haya clavado una lanza en el cuello de un enemigo podría indicar el acto como un sacrificio a los dioses (representados por figuras en forma de estrella) sobre él.

La posición de Naram-Sin en las relaciones con los dioses de arriba y la gente de abajo es particularmente significativa y mdashhe está a medio camino entre sus soldados (simples mortales) y los dioses. No solo es él mismo un dios en la tierra, sino también el intermediario de los humanos entre ellos y los otros dioses. Este no es solo un ejemplo temprano de los "derechos divinos de los reyes", sino del "rey divino" real.

Naram-Sin mismo

El rey también tiene numerosos pertrechos que significan su estatus y autoridad: lleva el casco con cuernos que muestra su condición de dios y lleva numerosas armas, incluidas lanzas y un arco.

Los enemigos de Naram-Sin

Naram-Sin es, con mucho, la figura más prominente y mucho más alta que sus disciplinados soldados que marchan por la montaña debajo de él. Mientras pisotea a uno de sus enemigos caídos, otros ruegan por misericordia (fíjese en el que tiene una lanza rota). Tienen buenas razones para temerle y mdashhe ha echado a uno de la montaña y ha clavado una lanza en el cuello de otro como un posible sacrificio a los dioses (representados por figuras en forma de estrella) sobre él. [Naram-Sin es la figura parcial en la parte superior izquierda de la imagen].


Brave New Stories: Historia de la ciencia ficción - Parte 2

Continuamos nuestra mirada a la historia de la ciencia ficción. Consulte nuestra selección de títulos de ciencia ficción en Estela.

Liberar a Prometeo y el nacimiento de la ciencia ficción moderna

La publicación de una novela corta en 1818 cambió el futuro de la ciencia ficción: Mary Shelley Frankenstein. Aunque a menudo se asocia con la ficción gótica Frankenstein cuenta con un científico loco y tecnología avanzada. Shelley también escribió las historias de ciencia ficción Roger Dodsworth: el inglés reanimado (1826) sobre un hombre criogénicamente congelado y revivido y El último hombre (1826) es quizás la primera novela postapocalíptica y cuenta la historia de un hombre que sobrevive a una plaga que acaba con el resto de la humanidad.

Predki Kalimerosa: Aleksandr Filippovich Makedonskii por Alexander Veltman se considera tanto la primera novela rusa de ciencia ficción como la primera novela de viajes en el tiempo. Un hombre retrocede en el tiempo a la antigua Grecia y se encuentra Aristóteles y Alejandro el Grande (aunque en la espalda de un hipogrifo y no en una máquina).

Victor Hugo escribió un poema de dos partes, La Légende des siècles (La leyenda de los siglos, 1859), en el que la tierra se rompe y muere, los remanentes de la humanidad se reúnen y trabajan juntos para dejar la Tierra en una nave espacial para encontrar la libertad.

A lo largo del siglo XIX se escribieron bastantes piezas de proto-ciencia ficción.

Le Dernier Homme (El último hombre, 1805) por Jean-Baptiste Primo de Grainville cuenta la historia del fin de la humanidad mezclando ciencia, aventura y mitología cristiana.

Le Roman de l'Avenir de Félix Bodin (La novela del futuro, 1834) y De Emile Souvestre Le Monde Tel Qu’il Sera (El mundo como será, 1846), ambos predicen cómo será el siglo XX.

¡La momia !: O una historia del siglo XXII por Jane C. Loudon (1827), tiene el Faraón Keops revivido por medios científicos en el siglo XXII.

La feminista Trescientos años después (1836) por María Griffith imagina un futuro utópico donde las mujeres tengan igualdad.

Había habido un par de historias de historia alternativas antes. Louis Geoffroy Napoleon et la Conquête du Monde (Napoleón y la conquista del mundo, 1836), una historia alternativa de un mundo conquistado por Napoleón.

Star ou Psi de Cassiopée (1854) por C.I. Defontenay, crónicas de un mundo y una civilización alienígenas.

Posiblemente en el título de ciencia ficción más largo de todos los tiempos, De Gustáv Reuss Hviezdoveda alebo životopis Krutohlava, čo na Zemi, okolo Mesiaca a Slnka skúsil a čo o obežniciach, vlasaticiach, pôvode a konci sveta vedel (La ciencia de las estrellas o la vida de Krutohlav que visitó la luna y el sol y conoció los planetas, los cometas y el comienzo y el fin del mundo, 1856). ¿Krutohlav ha viajado a la Luna en un globo, luego al resto del sistema solar en una nave espacial con forma de dragón?

Astrónomo De Camille Flammarion La Pluralité des Mondes Habités (Conversaciones sobre la pluralidad de mundos, 1862) especuló sobre la vida extraterrestre.

La carrera que viene (1871) por Edward Bulwer-Lytton, trata sobre una civilización subterránea altamente evolucionada donde los residentes tienen poderes psíquicos.

El ascenso de Verne y Wells

La ciencia ficción que conocemos hoy comenzó con Julio Verne en Francia y H. G. Wells en Inglaterra. Estos abuelos de la ciencia ficción ayudaron a definir el género.

A pesar de la presión de su padre para unirse a su práctica legal, Verne se aferró a su deseo de escribir. Trabajando en piezas más pequeñas para revistas. Su fascinación por la geografía y su amistad con el explorador ciego Jacques Arago, llevó a Verne a escribir sobre viajes. Mezclar sus historias de viajes con aventuras y su amor por la ciencia comenzó a formar las semillas de los tipos de historias por las que sería conocido.

Mientras trabajaba para la revista Musée des familles (El Museo de la Familia) Verne comenzó a imaginar un nuevo tipo de género novedoso basado en la ciencia y la invención modernas, Roman de la Science (Novela de ciencia).

Sus visiones no se concretarían hasta que comenzara a trabajar para la editorial. Pierre-Jules Hetzel, durante el cual publicaría obras como Voyage au centre de la Terre (Viaje al centro de la Tierra, 1864) De la Terre à la Lune (De la Tierra a la Luna, 1865) Vingt mille lieues sous les mers (Veinte mil leguas de viaje submarino, 1869) y Le tour du monde en quatre-vingts jours (Al rededor del mundo en ochenta días) como parte de la Viajes extraordinarios serie.

Después de una variedad de trabajos, docencia, pasantías Herbert George Wells encontró su vocación escribiendo para revistas como La Gaceta de Pall Mall, su éxito le animó a escribir su primera novela. Esa novela fue La maquina del tiempo.

Wells pasó a crear ciertos temas que se convirtieron en clásicos de la ciencia ficción, o romances de ciencia como se los conocía en ese entonces. La isla del doctor Moreau, El hombre invisible, La guerra de los mundos, Cuando despierta el durmiente, y Los primeros hombres en la luna todos fueron publicados en rápida sucesión.

Siglo XIX: ¡SciFi Lives!

Si bien Verne y Wells son ciertamente los gigantes de la época, hubo muchos autores que dirigieron su atención a la ciencia y la ficción especulativa. Especialmente a finales del siglo XIX cuando hubo una mini explosión del género.

Samuel Butler escribió Erewhon en 1872, una sociedad aparentemente utópica donde las máquinas han evolucionado para desarrollar la sensibilidad. El Señor Arturo Conan Doyle, mejor conocido por crear Sherlock Holmes, junto con El mundo perdido, también creado Profesor Challenger. Las historias de Challenger giraban en torno a temas de ciencia ficción y sobrenaturales. Rudyard Kipling, quien le dio al mundo Libro de la selva, escribió muchas novelas e historias de ciencia ficción y fantasía.

Los escritores bengalíes también centraron su atención en la ciencia ficción. Hemlal Dutta Rohosso (El misterio) (1882) Sir Jagadish Chandra Bose, considerado el padre de la ciencia ficción bengalí, escribió Niruddesher Kahini, sobre el control del clima, la feminista islámica Roquia Sakhawat Hussain imaginé un mundo donde las mujeres gobiernan y las emn están subyugadas en El sueño de Sultana (1905) otros autores incluidos Hemendra Kumar Roy, Sukumar Ray, Leela Majumdar, Premendra Mitra, Sunil Ganguly, Shirshendu Mukhopadhyay, Syed Mustafa Siraj, Samarjit Kar, Anish Deb, Biswajit Ganguly, Siddhartha Ghosh, Suman Sen, Rajesh Basu y Abhijnan Roy Chowdhury.

En América Edgar Allen Poe, más a menudo asociado con el horror gótico (e inventando el género de detectives con Los asesinatos en la calle Morgue) escribió algunas de las primeras ciencia ficción estadounidense con su única novela La narrativa de Arthur Gordon Pym de Nantucket (1838) y su cuento La incomparable aventura de Hans Pfaall (1835).

William Henry Rhodes introdujo el concepto de armas de destrucción masiva (y súper villanía) en El caso de Summerfield (1871). En el periódico de Nueva York El sol, Edward Page Mitchell escribió muchas historias cortas con temas como invisibilidad, viajes más rápidos que la luz, teletransportación, viajes en el tiempo, criogenia, transferencia mental, mutantes, cyborgs y cerebros mecánicos. La segunda novela más vendida del siglo XIX fue Edward Bellamy Mirando hacia atrás: 2000–1887 (1888). Mark Twain, Jack London, y Frank Baum todos exploraron elementos de ciencia ficción.


Contenido

El jainismo es transteísta y pronostica que el universo evoluciona sin violar la ley del dualismo de sustancias, [2] auto ejecutado a través del término medio entre los principios del paralelismo y el interaccionismo. [3]

Dravya (Sustancia) Editar

Dravya significa sustancias o entidad en sánscrito. [4] Según la filosofía jainista, el universo está formado por seis sustancias eternas: seres sintientes o almas (jiva), sustancia o materia no sensible (pudgala), principio de movimiento (dharma), el principio del descanso (adharma), espacio (ākāśa) y tiempo (kāla). [5] [4] Los últimos cinco están unidos como el ajiva (los no vivos). [4] Los filósofos jainistas distinguen una sustancia de un cuerpo, o cosa, declarando al primero un elemento simple indestructible, mientras que el segundo es un compuesto, hecho de una o más sustancias, que puede ser destruido. [6]

Tattva (Realidad) Editar

Tattva connota realidad o verdad en la filosofía jainista, y es el marco para la salvación. Según Digambara Jains, hay siete tattvas: el sensible (jiva) viviendo lo insensible (ajiva) no vivo el influjo kármico al alma (Āsrava) Mezcla de esclavitud viviente y no viviente de partículas kármicas al alma (Bandha) [7] [8] detención de partículas kármicas (Saṃvara) Limpiar las partículas kármicas pasadas (Nirjarā) y liberación (Moksha). Śvētāmbaras agregan dos más tattvas, a saber, buen karmaPunya) y mal karma (Paap). [9] [10] [11] La verdadera percepción de la filosofía jainista se considera como "fe en el tattvas". [10] La meta espiritual en el jainismo es alcanzar moksha para los ascetas, pero para la mayoría de los laicos jainistas es acumular buen karma que conduce a un mejor renacimiento y un paso más hacia la liberación. [12] [13]

Alma y karma editar

Según el jainismo, la existencia de "un alma atada y siempre cambiante" es una verdad evidente por sí misma, un axioma que no necesita ser probado. [14] Sostiene que hay numerosas almas, pero cada una de ellas tiene tres cualidades (Guṇa): conciencia (chaitanya, el más importante), la dicha (sukha) y energía vibratoria (virya). [15] Afirma además que la vibración atrae partículas kármicas al alma y crea ataduras, pero también es lo que agrega mérito o demérito al alma. [15] Los textos jainistas afirman que las almas existen como "vestidas con cuerpos materiales", donde llena por completo el cuerpo. [16] El karma, como en otras religiones indias, connota en el jainismo la ley universal de causa y efecto. Sin embargo, se concibe como una sustancia material (materia sutil) que puede unirse al alma, viajar con el alma en forma unida entre los renacimientos y afectar el sufrimiento y la felicidad experimentados por el jiva en el lokas. [17] Se cree que el karma oscurece y obstruye la naturaleza innata y el esfuerzo del alma, así como su potencial espiritual en el próximo renacimiento. [18]

Saṃsāra Editar

El marco conceptual de la doctrina Saṃsāra difiere entre el jainismo y otras religiones indias. Alma (jiva) se acepta como una verdad, como en el hinduismo, pero no en el budismo. El ciclo de renacimientos tiene un comienzo y un final definidos en el jainismo. [19] La teosofía jainista afirma que cada alma atraviesa 8.400.000 situaciones de nacimiento a medida que circulan a través de Saṃsāra, [20] [21] atravesando cinco tipos de cuerpos: cuerpos de tierra, cuerpos de agua, cuerpos de fuego, cuerpos de aire y vidas vegetales, en constante cambio con todas las actividades humanas y no humanas, desde la lluvia hasta la respiración. [22] Dañar cualquier forma de vida es un pecado en el jainismo, con efectos kármicos negativos. [23] [24] El jainismo establece que las almas comienzan en un estado primordial y evolucionan a un estado superior o retroceden si las impulsa su karma. [25] Además, aclara que abhavya (incapaces) las almas nunca pueden alcanzar moksha (liberación). [19] [26] Explica que el abhavya se ingresa después de un acto intencional y sorprendentemente malvado. [27] Las almas pueden ser buenas o malas en el jainismo, a diferencia del no dualismo de algunas formas de hinduismo y budismo. [26] Según el jainismo, un Siddha (alma liberada) ha ido más allá Saṃsāra, está en la cúspide, es omnisciente y permanece allí eternamente. [28]

Cosmología Editar

Los textos jainistas proponen que el universo consta de muchos lokas (reinos de existencia). Como en el budismo y el hinduismo, tanto el tiempo como el universo son eternos, pero el universo es transitorio. [30] [31] El universo, el cuerpo, la materia y el tiempo se consideran separados del alma (jiva). Su interacción explica la vida, la vida, la muerte y el renacimiento en la filosofía jainista. [31] El universo cósmico jainista tiene tres partes, los mundos superior, medio e inferior (urdhva loka, madhya loka, y adho loka). [32] El jainismo afirma que Kāla (el tiempo) no tiene principio y es eterna [33] la rueda cósmica del tiempo, kālachakra, gira sin cesar. En esta parte del universo, explica, hay seis períodos de tiempo dentro de dos eones (ara), y en el primer eón el universo genera, y en el siguiente degenera. [34] Por lo tanto, divide el ciclo mundano del tiempo en dos semiciclos, utsarpiṇī (prosperidad y felicidad ascendente y progresiva) y avasarpiṇī (descendente, creciente dolor e inmoralidad). [33] [35] [36] Afirma que el mundo se encuentra actualmente en el quinto ara de avasarpiṇī, lleno de dolor y decadencia religiosa, donde la altura de los seres vivos se encoge. Según el jainismo, después de la sexta ara, el universo se volverá a despertar en un nuevo ciclo. [37] [38] [39]

Dios Editar

El jainismo es una religión transteísta, [40] que sostiene que el universo no fue creado y existirá para siempre. [30] Se cree que es independiente, sin creador, gobernador, juez ni destructor. [31] [41] En esto, es diferente a las religiones abrahámicas, pero similar al budismo. [42] Sin embargo, el jainismo cree en el mundo de los seres celestiales y del infierno que nacen, mueren y renacen como seres terrenales. [43] [44] Los textos jainistas sostienen que las almas que viven felices en el cuerpo de un dios lo hacen debido a su karma positivo. [45] Se afirma además que poseen un conocimiento más trascendente sobre las cosas materiales y pueden anticipar eventos en los reinos humanos. [45] Sin embargo, una vez que se agota su mérito kármico pasado, se explica que sus almas renacen nuevamente como humanos, animales u otros seres. [45] [46] En el jainismo, almas perfectas con un cuerpo se llama arihant (vencedores) y almas perfectas sin un cuerpo se llama Siddhas (almas liberadas). [28] [40] [47]

Epistemología Editar

La filosofía jainista acepta tres medios confiables de conocimiento (pramana). Sostiene que el conocimiento correcto se basa en la percepción (pratyaksa), inferencia (anumana) y testimonio (sabda o la palabra de las escrituras). [48] ​​[49] Estas ideas se elaboran en textos jainistas como Tattvarthasūtra, Parvacanasara, Nandi y Anuyogadvarini. [50] [49] Algunos textos jainistas agregan analogía (upamana) como el cuarto medio confiable, de manera similar a las teorías epistemológicas que se encuentran en otras religiones indias. [51] En el jainismo, jnāna (conocimiento) se dice que es de cinco clases: Kevala Jnana (Omnisciencia), Śrutu Jñāna (Conocimiento de las Escrituras), Mati Jñāna (Conocimiento sensorial), Avadhi Jñāna (Clarividencia), y Manah prayāya Jñāna (Telepatía). [52] Según el texto jainista Tattvartha sūtra, los dos primeros son conocimientos indirectos y los tres restantes son conocimientos directos. [53]

Salvación, liberación Editar

Según el jainismo, la purificación del alma y la liberación se pueden lograr a través del camino de las cuatro joyas: [53] [54] [55] Samyak darśana (Vista correcta), que significa fe, aceptación de la verdad del alma (jiva) [56] Samyak gyana (Conocimiento correcto), que significa conocimiento indudable del tattvas [57] y Samyak charitra (Conducta correcta), que significa comportamiento consistente con los Cinco votos. [57] Los textos jainistas a menudo agregan grifo samyak (Ascetismo correcto) como cuarta joya, enfatizando la creencia en las prácticas ascéticas como medio de liberación (moksha). [58] Las cuatro joyas se llaman moksha marg (el camino de la liberación). [54]

No violencia (ahimsa) Editar

El principio de ahimsa (no violencia o no lesiones) es un principio fundamental del jainismo. [59] Sostiene que uno debe abandonar toda actividad violenta y que sin tal compromiso con la no violencia, todo comportamiento religioso es inútil. [59] En la teología jainista, no importa cuán correcta o defendible sea la violencia, uno no debe matar ni dañar a ningún ser, y la no violencia es el deber religioso más alto. [59] [60] Textos jainistas como Acaranga Sūtra y Tattvarthasūtra afirman que hay que renunciar a toda matanza de seres vivos, ya sean pequeños o grandes, móviles o inamovibles. [61] [62] Su teología enseña que uno no debe matar a otro ser vivo, ni hacer que otro mate, ni consentir en ningún asesinato directa o indirectamente. [60] [61] Además, el jainismo enfatiza la no violencia contra todos los seres no solo en acción sino también en habla y pensamiento. [61] [62] Afirma que en lugar de odio o violencia contra alguien, "todas las criaturas vivientes deben ayudarse entre sí". [62] [a] Los jainistas creen que la violencia afecta negativamente y destruye el alma de uno, particularmente cuando la violencia se hace con intención, odio o descuido, o cuando uno indirectamente causa o consiente el asesinato de un ser vivo humano o no humano. [62]

La doctrina existe en el hinduismo y el budismo, pero está más desarrollada en el jainismo. [59] [64] [65] [66] [67] La ​​base teológica de la no violencia como el deber religioso más alto ha sido interpretada por algunos eruditos jainistas como "no ser impulsado por el mérito de dar o compasión a otras criaturas, ni un deber de rescatar a todas las criaturas ", pero que resulta de la" autodisciplina continua ", una limpieza del alma que conduce al propio desarrollo espiritual que finalmente afecta la salvación y la liberación de los renacimientos. [68] Los jainistas creen que causar daño a cualquier ser en cualquier forma crea mal karma que afecta el renacimiento, el bienestar futuro y causa sufrimiento. [69] [70]

Los eruditos jainistas de finales de la Edad Media reexaminaron el Ahiṃsā doctrina ante amenazas externas o violencia. Por ejemplo, justificaron la violencia de los monjes para proteger a las monjas. [71] [72] Según Dundas, el erudito jainista Jinadattasuri escribió durante un tiempo de destrucción de templos musulmanes y persecución que "cualquiera que se dedique a una actividad religiosa y se vea obligado a luchar y matar a alguien no perdería ningún mérito espiritual, sino que alcanzaría liberación". [73] Sin embargo, los ejemplos en los textos jainistas que toleran pelear y matar bajo ciertas circunstancias son relativamente raros. [71] [b]

Realidad multifacética (anekāntavāda) Editar

El segundo principio fundamental del jainismo es anekāntavāda, [75] [76] de anekānta ("multifacética") y vada ("doctrina"). [75] [76] La doctrina afirma que la verdad y la realidad son complejas y siempre tienen múltiples aspectos. Afirma además que la realidad se puede experimentar, pero no se puede expresar completamente con el lenguaje. Sugiere que los intentos humanos de comunicarse son Naya, "expresión parcial de la verdad". [75] Según él, uno puede experimentar el sabor de la verdad, pero no puede expresarlo plenamente a través del lenguaje. Sostiene que los intentos de expresar la experiencia son syāt, o válidos "en algún aspecto", pero siguen siendo "quizás, solo una perspectiva, incompleta". [77] Concluye que, de la misma manera, las verdades espirituales pueden experimentarse pero no expresarse plenamente. [75] Sugiere que el gran error es creer en ekānta (unilateralidad), donde alguna verdad relativa se trata como absoluta. [78] La doctrina es antigua, se encuentra en textos budistas como el Samaññaphala Sutta. Los Jain Agamas sugieren que el enfoque de Mahāvīra para responder a todas las preguntas filosóficas metafísicas fue un "sí calificado" (syāt). [79] [80] Estos textos identifican anekāntavāda como una diferencia clave de las enseñanzas del Buda. El Buda enseñó el Camino Medio, rechazando los extremos de la respuesta "es" o "no es" a preguntas metafísicas. El Mahāvīra, por el contrario, enseñó a sus seguidores a aceptar tanto "es" y "no es", calificado con "quizás", para comprender la Realidad Absoluta. [81] El ser permanente se conceptualiza como jiva (alma) y ajiva (materia) dentro de un dualista anekāntavāda estructura. [82]

Según Paul Dundas, en la época contemporánea el anekāntavāda Algunos jainistas han interpretado que la doctrina tiene la intención de "promover una tolerancia religiosa universal" y una enseñanza de la "pluralidad" y la "actitud benigna hacia otras posiciones [éticas, religiosas]". Dundas afirma que esto es una mala lectura de los textos históricos y las enseñanzas de Mahāvīra. [83] Según él, las enseñanzas del Mahāvīra sobre "muchos puntos y perspectivas múltiples" tratan sobre la naturaleza de la realidad absoluta y la existencia humana. [84] Afirma que no se trata de tolerar actividades como la matanza de animales para comer, ni la violencia contra los incrédulos o cualquier otro ser vivo como "quizás correcto". [83] Los cinco votos para los monjes y monjas jainistas, por ejemplo, son requisitos estrictos y no hay "quizás" sobre ellos. [85] De manera similar, desde la antigüedad, el jainismo coexistió con el budismo y el hinduismo según Dundas, pero el jainismo no estaba de acuerdo, en áreas específicas, con los sistemas de conocimiento y creencias de estas tradiciones, y viceversa. [86]

Desapego (aparigraha) Editar

El tercer principio fundamental en el jainismo es aparigraha lo que significa no apego a las posesiones mundanas. [87] Para los monjes y monjas, el jainismo requiere un voto de no posesión total de cualquier propiedad, relación y emoción. [88] El asceta es un mendicante errante en la tradición Digambara, o un mendicante residente en la tradición Śvētāmbara. [88] Para los laicos jainistas, recomienda la posesión limitada de la propiedad que se ha ganado honestamente y dar el exceso de propiedad a la caridad. [87] Según Natubhai Shah, aparigraha se aplica tanto al material como al psíquico. Las posesiones materiales se refieren a diversas formas de propiedad. Las posesiones psíquicas se refieren a emociones, gustos y aversiones, y apegos de cualquier forma. Se dice que el apego incontrolado a las posesiones da como resultado un daño directo a la personalidad de uno. [89]

La ética jainista y los cinco votos Editar

El jainismo enseña cinco deberes éticos, a los que llama cinco votos. Estos se llaman anuvratas (pequeños votos) para los laicos jainistas, y mahavratas (grandes votos) para los mendicantes jainistas. [90] Para ambos, sus preceptos morales prefacio de que el jainista tiene acceso a un gurú (maestro, consejero), deva (Jina, dios), doctrina, y que el individuo está libre de cinco ofensas: dudas sobre la fe, indecisión sobre las verdades del jainismo, deseo sincero por las enseñanzas jainistas, reconocimiento de los compañeros jainistas y admiración por sus búsquedas espirituales. [91] Tal persona asume los siguientes cinco votos de jainismo:

  1. Ahiṃsā, "no violencia intencional" o "no lesionar": [91] El primer gran voto que hacen los jainistas es no causar daño a otros seres humanos, así como a todos los seres vivos (particularmente a los animales). [91] Este es el deber ético más alto en el jainismo, y se aplica no solo a las acciones de uno, sino que exige que uno sea no violento en el habla y los pensamientos. [92] [93]
  2. Satya, "verdad": Este voto es siempre decir la verdad. No mientas, ni digas lo que no es verdad, y no animes a los demás ni apruebes a quien diga una mentira. [90] [92]
  3. Asteya, "no robar": un laico jainista no debe tomar nada que no se le haya dado voluntariamente. [91] [94] Además, un mendicante jainista debe pedir permiso para tomarlo si se le está dando algo. [95]
  4. Brahmacharya, "celibato": la abstinencia del sexo y los placeres sensuales se prescribe para los monjes y monjas jainistas. Para los laicos, el voto significa castidad, fidelidad a la pareja. [90] [92]
  5. Aparigraha, "no posesividad": esto incluye el desapego a las posesiones materiales y psicológicas, evitando el deseo y la codicia. [90] Los monjes y monjas jainistas renuncian por completo a la propiedad y las relaciones sociales, no poseen nada y no están apegados a nadie. [87] [96]

El jainismo prescribe siete votos suplementarios, incluidos tres guņa vratas (votos por mérito) y cuatro śikşā vratas. [97] [98] El Sallekhana (o Santhara) El voto es un ritual de "muerte religiosa" observado al final de la vida, históricamente por monjes y monjas jainistas, pero raro en la era moderna. [99] En este voto, hay una reducción voluntaria y gradual de la ingesta de alimentos y líquidos para terminar con la vida por elección y con desapasionamiento, [100] [101] Se cree que esto reduce el karma negativo que afecta los futuros renacimientos del alma. [102]

Ascetismo y monaquismo Editar

De las principales religiones indias, el jainismo ha tenido la tradición ascética más fuerte. [103] [104] [105] La vida ascética puede incluir desnudez, que simboliza la no posesión incluso de la ropa, el ayuno, la mortificación corporal y la penitencia, para quemar el karma pasado y dejar de producir karma nuevo, los cuales se consideran esenciales para alcanzar Siddha y moksha ("liberación de renacimientos" y "salvación"). [103] [106] [107]

Textos jainistas como Tattvartha Sūtra y Uttaradhyayana Sūtra discutir las austeridades en detalle. Seis prácticas externas y seis internas se repiten a menudo en textos jainistas posteriores. [108] Las austeridades externas incluyen el ayuno completo, comer cantidades limitadas, comer alimentos restringidos, abstenerse de comidas sabrosas, mortificar la carne y cuidar la carne (evitando cualquier cosa que sea una fuente de tentación). [109] Las austeridades internas incluyen la expiación, la confesión, el respeto y la asistencia a los mendicantes, el estudio, la meditación e ignorar los deseos corporales para abandonar el cuerpo. [109] Las listas de austeridades internas y externas varían con el texto y la tradición. [110] [111] El ascetismo se considera un medio para controlar los deseos y purificar el jiva (alma). [105] El tirthankaras como el Mahāvīra (Vardhamana) dio ejemplo al realizar severas austeridades durante doce años. [112] [113] [114]

Organización monástica, sangh, tiene un orden cuádruple que consta de sadhu (ascetas masculinos, muni), sadhvi (ascetas femeninas, aryika), śrāvaka (laicos), y śrāvikā (laicas). Los dos últimos apoyan a los ascetas y sus organizaciones monásticas llamadas gacch o samuday, en congregaciones regionales autónomas de Jain. [115] [116] [117] Las reglas monásticas jainistas han fomentado el uso de la tapa bucal, así como la Dandasan - un palo largo con hilos de lana - para eliminar con cuidado las hormigas e insectos que se crucen en su camino. [118] [119] [120]

Alimentación y ayuno Editar

La práctica de la no violencia hacia todos los seres vivos ha llevado a que la cultura jainista sea vegetariana. Los jainistas devotos practican el lacto-vegetarianismo, lo que significa que no comen huevos, pero aceptan productos lácteos si no hay violencia contra los animales durante su producción. Se fomenta el veganismo si existen preocupaciones sobre el bienestar animal. [121] Los monjes jainistas, las monjas y algunos seguidores evitan los tubérculos como las patatas, las cebollas y el ajo porque los organismos diminutos se lesionan cuando se arranca la planta y porque la capacidad de brotar de un bulbo o tubérculo se considera una característica de una vida superior. ser. [122] [c] Los monjes jainistas y los laicos avanzados evitan comer después de la puesta del sol, observando un voto de ratri-bhojana-tyaga-vrata. [123] Los monjes cumplen un voto más estricto comiendo solo una vez al día. [123]

Los jainistas ayunan especialmente durante los festivales. [124] Esta práctica se llama upavasa, tapasya o vrata, [125] y puede practicarse según la capacidad de cada uno. [126] Digambaras ayuna por Dasa-laksana-parvan, comer sólo una o dos comidas al día, beber sólo agua hervida durante diez días, o ayunar por completo el primer y último día del festival, [127] imitando las prácticas de un mendicante jainista de la época. [127] Los Śvētāmbara Jains hacen lo mismo en el octavo día paryusana con samvatsari-pratikramana. [128] Se cree que la práctica elimina el karma del alma y proporciona mérito (punya). [124] Un ayuno de "un día" dura aproximadamente 36 horas, comenzando al atardecer antes del día del ayuno y terminando 48 minutos después del amanecer del día siguiente. [124] Entre los laicos, el ayuno es más comúnmente observado por las mujeres, ya que muestra su piedad y pureza religiosa, gana méritos y ayuda a asegurar el bienestar futuro de su familia. Algunos ayunos religiosos se observan en un grupo femenino social y solidario. [129] Los amigos y las familias celebran ayunos largos con ceremonias especiales. [129]

Meditación Editar

El jainismo considera la meditación (dhyana) una práctica necesaria, pero sus objetivos son muy diferentes de los del budismo y el hinduismo. [130] En el jainismo, la meditación se preocupa más por detener los apegos y la actividad kármica, no como un medio para la comprensión transformacional o la autorrealización en otras religiones indias. [130] Según Padmanabh Jaini, Sāmāyika es una práctica de "breves períodos de meditación" en el jainismo que es parte de siksavrata (restricción ritual). [131] El objetivo de Sāmāyika es alcanzar la ecuanimidad, y es el segundo siksavrata. [d] El samayika Los mendicantes practican el ritual al menos tres veces al día, mientras que un laico lo incluye con otras prácticas rituales como Puja en un templo jainista y haciendo obras de caridad. [132] [133] [134] Según Johnson, así como Jaini, samayika connota más que meditación, y para un jefe de familia jainista es la práctica ritual voluntaria de "asumir un estatus ascético temporal". [135] [e]

Rituales y adoración Editar

Hay muchos rituales en las diversas sectas del jainismo. Según Dundas, el camino ritual laico entre los Śvētāmbara Jains está "fuertemente imbuido de valores ascéticos", donde los rituales veneran o celebran la vida ascética de Tirthankaras, o se acercan progresivamente a la vida psicológica y física de un asceta. [137] [138] El ritual supremo es sallekhana, una muerte religiosa por abandono ascético de alimentos y bebidas. [137] Los Digambara Jain siguen el mismo tema, pero el ciclo de vida y los rituales religiosos están más cerca de una liturgia hindú. [137] La ​​superposición se produce principalmente en los rituales del ciclo de vida (ritos de iniciación), y probablemente se desarrolló porque las sociedades jainista e hindú se superponían, y los rituales se consideraban necesarios y seculares. [139] [140]

Los jainistas adoran ritualmente a numerosas deidades, [138] especialmente el Jinas. En el jainismo un Jina como deva no es un avatar (encarnación), sino el estado más alto de omnisciencia que un asceta tirthankara logrado. [141] De los 24 Tirthankaras, los jainistas adoran predominantemente a cuatro: Mahāvīra, Parshvanatha, Neminatha y Rishabhanatha. [142] Entre los notirthankara santos, el culto devocional es común para los bahubali entre los digambaras. [143] El Panch Kalyanaka rituales recuerdan los cinco acontecimientos de la vida del tirthankaras, incluyendo el Panch Kalyanaka Pratishtha Mahotsava, Panch Kalyanaka Puja y Snatrapuja. [144] [145]

El ritual básico es darsana (ver) de deva, que incluye a Jina, [147] u otros yaksas, dioses y diosas como Brahmadeva, 52 Viras, Padmavati, Ambika y 16 Vidyadevis (incluidos Sarasvati y Lakshmi). [148] [149] [150] Terapanthi Digambaras limita su adoración ritual a Tirthankaras. [151] El ritual de adoración se llama devapuja, y se encuentra en todas las subtradiciones Jainistas. [152] Por lo general, el laico jainista entra en el santuario interior del templo con ropa sencilla y descalzo con un plato lleno de ofrendas, se inclina, dice el namaskar, completa su letanía y oraciones, a veces es asistido por el sacerdote del templo, se va las ofrendas y luego se va. [152]

Las prácticas jainistas incluyen la realización abhisheka (baño ceremonial) de las imágenes. [153] Algunas sectas jainistas emplean pujari (también llamado upadhye), que puede ser hindú, para realizar deberes sacerdotales en el templo. [154] [155] El culto más elaborado incluye ofrendas como arroz, frutas frescas y secas, flores, coco, dulces y dinero. Algunos pueden encender una lámpara con alcanfor y hacer marcas favorables con pasta de sándalo. Los devotos también recitan textos jainistas, en particular las historias de vida de los tirthankaras. [156] [146]

Los jainistas tradicionales, como los budistas y los hindúes, creen en la eficacia de los mantras y en que ciertos sonidos y palabras son inherentemente auspiciosos, poderosos y espirituales. [157] [158] El más famoso de los mantras, ampliamente aceptado en varias sectas del jainismo, es el "cinco homenaje" (panca namaskara) mantra que se cree que es eterno y que existe desde la época del primer tirthankara. [157] [159] Las prácticas de adoración medievales incluían la elaboración de diagramas tántricos de la Rishi-mandala incluyendo el tirthankaras. [160] Las tradiciones tántricas jainistas utilizan mantras y rituales que se cree que acumulan mérito para los reinos del renacimiento. [161]

Festivales Editar

El festival jainista anual más importante se llama Paryushana por Svetambaras y Dasa lakshana parva por los Digambaras. Se celebra a partir del día 12 de la luna menguante en el tradicional mes lunisolar de Bhadrapada en el calendario indio. Esto generalmente cae en agosto o septiembre del calendario gregoriano. [162] [163] Dura ocho días para los Svetambaras y diez días para los Digambaras. [162] Es un tiempo en el que los laicos ayunan y rezan. Los cinco votos se enfatizan durante este tiempo. [163] Svetambaras recita el Kalpasūtras, mientras que Digambaras leía sus propios textos. El festival es una ocasión en la que los jainistas hacen un esfuerzo activo para detener la crueldad hacia otras formas de vida, liberando a los animales en cautiverio y previniendo la matanza de animales. [162]

Perdono a todos los seres vivos,
que todos los seres vivos me perdonen.
Todos en este mundo son mis amigos
No tengo enemigos.

Oración del festival jainista en el último día [164]

El último día incluye una sesión de oración y meditación enfocada conocida como Samvatsari. Los jainistas consideran este un día de expiación, otorgando perdón a los demás, buscando el perdón de todos los seres vivos, pidiendo perdón física o mentalmente y resolviendo tratar a todos en el mundo como amigos. [162] Se pide perdón diciendo "Micchami Dukkadam" o "Khamat khamna"a otros. Esto significa," Si te he ofendido de alguna manera, consciente o inconscientemente, en pensamiento, palabra o acción, entonces busco tu perdón ". El significado literal de Paryushana es "permanecer" o "unirse". [165]

Mahavir Janma Kalyanak celebra el nacimiento de Mahāvīra. Se celebra el día 13 del mes lunisolar de Chaitra en el calendario tradicional indio. Esto generalmente cae en marzo o abril del calendario gregoriano. [166] [167] Las festividades incluyen visitas a templos jainistas, peregrinaciones a santuarios, lectura de textos jainistas y procesiones de Mahāvīra por parte de la comunidad. En su legendario lugar de nacimiento de Kundagrama en Bihar, al norte de Patna, los jainistas celebran eventos especiales. [166] El día siguiente de Dipawali es observado por los jainistas como el aniversario del logro de Mahāvīra de moksha. [168] El festival hindú de Diwali también se celebra en la misma fecha (Kartika Amavasya). Los templos, hogares, oficinas y tiendas jainistas están decorados con luces y diyas (pequeñas lámparas de aceite). Las luces simbolizan el conocimiento o la eliminación de la ignorancia. A menudo se distribuyen dulces. En la mañana de Diwali, Nirvan Ladoo se ofrece después de rezar a Mahāvīra en todos los templos jainistas del mundo. El año nuevo jainista comienza justo después de Diwali. [168] Algunos otros festivales celebrados por los jainistas son Akshaya Tritiya y Raksha Bandhan, similares a los de las comunidades hindúes. [169] [170]

La comunidad jainista se divide en dos denominaciones principales, Digambara y Śvētāmbara. Los monjes de la tradición Digambara (vestidos de cielo) no usan ropa. Las mujeres monásticas de la secta Digambara usan saris blancos lisos sin costuras y se las conoce como Aryikas. Los monásticos Śvētāmbara (vestidos de blanco), por otro lado, visten ropa blanca sin costuras. [171]

Durante el reinado de Chandragupta Maurya, la tradición jainista establece que Acharya Bhadrabahu predijo una hambruna de doce años y se mudó a Karnataka con sus discípulos. Sthulabhadra, alumno de Acharya Se cree que Bhadrabahu se quedó en Magadha. [172] Más tarde, como dice la tradición, cuando los seguidores de Acharya Bhadrabahu regresó, encontraron que los que se habían quedado en Magadha habían comenzado a usar ropa blanca, lo cual era inaceptable para los demás que permanecían desnudos. [173] Así es como los jainistas creen que comenzó el cisma de Digambara y Śvētāmbara, con el primero desnudo mientras que el segundo vestía ropa blanca. [174] Digambara vio esto como opuesto al principio jainista de aparigraha lo que, según ellos, no requería ni siquiera la posesión de ropa, es decir, la desnudez completa. En el siglo V d.C., el Consejo de Valabhi fue organizado por Śvētāmbara, al que Digambara no asistió. En el concilio, los Śvētāmbara adoptaron los textos que habían conservado como escrituras canónicas, que Digambara ha rechazado desde entonces. Se cree que este concilio solidificó el cisma histórico entre estas dos grandes tradiciones del jainismo. [175] [176] El registro más antiguo de las creencias Digambara se encuentra en el Prakrit Suttapahuda de Kundakunda. [177]

Digambaras y Śvētāmbara difieren en sus prácticas y código de vestimenta, [178] [179] [180] interpretaciones de las enseñanzas, [179] [181] y en la historia Jain especialmente en lo que respecta a tirthankaras. [182] [183] ​​[184] [185] [186] Sus reglas de monaquismo difieren, [187] al igual que su iconografía. [187] Śvētāmbara ha tenido más mendicantes mujeres que hombres, [188] donde Digambara ha tenido principalmente monjes masculinos [189] y considera a los hombres más cercanos a la liberación del alma. [190] [191] Los Śvētāmbaras creen que las mujeres también pueden alcanzar la liberación a través del ascetismo [191] [192] y afirman que el 19 Tirthankara Māllīnātha era mujer, [193] que Digambara rechaza. [194]

Las excavaciones en Mathura revelaron estatuas jainistas de la época del Imperio Kushan (c. Siglo I d.C.). [195] Tirthankara representados sin ropa, y los monjes con una tela envuelta alrededor del brazo izquierdo, se identifican como los Ardhaphalaka (medio vestido) mencionado en los textos. [195] Los Yapaniyas, que se cree que se originaron en el Ardhaphalaka, siguió la desnudez de Digambara junto con varias creencias de Śvētāmbara. [195] En la era moderna, según Flügel, se han desarrollado nuevos movimientos religiosos jainistas que son una "forma principalmente devocional de jainismo" que se asemeja al devocionalismo al estilo "Jain Mahayana". [196]

Las escrituras canónicas jainistas se llaman Agamas. Se cree que fueron transmitidos verbalmente, al igual que los antiguos textos budistas e hindúes, [198] y que se originaron en los sermones del tirthankaras, con lo cual el Ganadharas (discípulos principales) los transmitió como Śhrut Jnāna (conocimiento escuchado). [199] [200] Se cree que el lenguaje hablado de las escrituras es Ardhamagadhi por los Śvētāmbara Jains, y una forma de resonancia sónica por los Digambara Jains. [198]

Los Śvētāmbaras creen que han conservado 45 de las 50 escrituras Jain originales (habiendo perdido un texto de Anga y cuatro textos de Purva), mientras que los Digambaras creen que todos estaban perdidos, [201] [202] y que Āchārya Bhutabali fue el último asceta que tenía un conocimiento parcial del canon original. Según ellos, Digambara Āchāryas recreó los textos más antiguos conocidos de Digambara Jain, incluidos los cuatro anuyoga. [203] [204] [205] Los textos de Digambara concuerdan parcialmente con los textos más antiguos de Śvētāmbara, pero también hay grandes diferencias entre los textos de las dos principales tradiciones jainistas. [206] Los Digambaras crearon un canon secundario entre 600 y 900 EC, compilándolo en cuatro grupos o Vedas: historia, cosmografía, filosofía y ética. [207] [f]

Los textos más populares e influyentes del jainismo han sido su literatura no canónica. De estos, el Kalpa Sūtras son particularmente populares entre los Śvētāmbaras, que atribuyen a Bhadrabahu (c. 300 a. C.). Este antiguo erudito es venerado en la tradición Digambara, y creen que lideró su migración a la antigua región sur de Karnataka y creó su tradición. [209] Los Śvētāmbaras creen en cambio que Bhadrabahu se mudó a Nepal. [209] Ambas tradiciones consideran su Niryuktis y Samhitas importante. El primer texto sánscrito superviviente de Umaswati, el Tattvarthasūtra es considerado autorizado por todas las tradiciones del jainismo. [210] [211] [g] En la tradición Digambara, los textos escritos por Kundakunda son muy venerados y han sido históricamente influyentes. [213] [214] [215] Otros textos importantes de Jain incluyen: Samayasara, Ratnakaranda śrāvakācāra, y Niyamasara. [216]

Las tres religiones dhármicas, a saber, el jainismo, el hinduismo y el budismo, comparten conceptos y doctrinas como el karma y el renacimiento, con festivales y tradiciones monásticas similares. [217] [218] [219] No creen en el cielo eterno ni en el infierno ni en el día del juicio. Otorgan la libertad de elegir creencias tales como dioses o no dioses, no estar de acuerdo con las enseñanzas fundamentales y elegir si participar en oraciones, rituales y festivales. Todos consideran importantes valores como la no violencia, [220] vinculan el sufrimiento con el deseo, las acciones, las intenciones y el karma del individuo, y creen que la espiritualidad es un medio para alcanzar la paz iluminada, la dicha y la liberación eterna (moksha). [221] [222]

El jainismo se diferencia tanto del budismo como del hinduismo en sus premisas ontológicas. Todos creen en la impermanencia, pero el budismo incorpora la premisa de anatta ("sin yo o alma eternos"). El hinduismo incorpora una eterna inmutable atman ("alma"), mientras que el jainismo incorpora un eterno pero cambiante jiva ("alma"). [223] [224] [225] En el pensamiento jainista, hay infinitos eternos jivas, predominantemente en ciclos de renacimiento, y unos pocos Siddhas (perfeccionados). [226] A diferencia del jainismo, las filosofías hindúes abarcan el no dualismo donde todas las almas son idénticas a Brahman y se postulan como interconectadas [227] [228] [229]

Si bien tanto el hinduismo como el jainismo creen que "el alma existe" es una verdad evidente, la mayoría de los sistemas hindúes la consideran eternamente presente, infinita y constante (vibhu), pero algunos eruditos hindúes proponen que el alma sea atómica. El pensamiento hindú generalmente discute Atman y Brahman a través de un marco monista o dualista. Por el contrario, el pensamiento jainista niega el concepto metafísico hindú de Brahman, y la filosofía jainista considera que el alma está en constante cambio y unida al cuerpo o materia durante cada vida, por lo que tiene un tamaño finito que infunde todo el cuerpo de un ser vivo. [230]

El jainismo es similar al budismo al no reconocer la primacía de los Vedas y el Brahman hindú. Sin embargo, el jainismo y el hinduismo creen que "el alma existe" como una verdad evidente. [221] [231] Los jainistas y los hindúes se han casado con frecuencia, sobre todo en las regiones del norte, centro y oeste de la India. [232] [233] Algunos eruditos coloniales tempranos afirmaron que el jainismo como el budismo era, en parte, un rechazo del sistema de castas hindú, [234] [235] pero los eruditos posteriores consideran esto un error occidental. [236] Un sistema de castas que no se basa en el nacimiento ha sido una parte histórica de la sociedad jainista, y el jainismo se centró en transformar al individuo, no a la sociedad. [232] [237] [238] [239] [h]

El monaquismo es similar en las tres tradiciones, [242] [243] con reglas similares, estructura jerárquica, no viajar durante la temporada de monzones de cuatro meses y celibato, [243] que se originó antes de Buda o Mahāvīra. [242] Las comunidades monásticas jainistas e hindúes tradicionalmente han sido más móviles y han tenido un estilo de vida itinerante, mientras que los monjes budistas han favorecido la pertenencia a una sangha (monasterio) y permanecer en sus instalaciones. [244] Las reglas monásticas budistas prohíben que un monje salga a la calle sin llevar la túnica rojiza distintiva de la sangha, o que utilice cuencos de madera. [242] Por el contrario, las reglas monásticas jainistas han exigido la desnudez (Digambara) o la ropa blanca (Śvētāmbara), y han discrepado sobre la legitimidad de la calabaza de madera o vacía como cuenco de mendicidad de los monjes jainistas. [242] [i]

Los jainistas tienen puntos de vista similares con los hindúes de que la violencia en defensa propia puede estar justificada, [246] y que un soldado que mata enemigos en combate está cumpliendo un deber legítimo. [247] Las comunidades jainistas aceptaron el uso del poder militar para su defensa, había monarcas jainistas, comandantes militares y soldados. [248] Las comunidades jainista e hindú a menudo han sido muy unidas y se han aceptado mutuamente. Algunos templos hindúes han incluido un Jain Tirthankara dentro de sus instalaciones en un lugar de honor, [249] [250] mientras que los complejos de templos como los templos de la cueva de Badami y Khajuraho cuentan con monumentos hindúes y jainistas. [251] [252]

El jainismo ha contribuido significativamente al arte y la arquitectura indios. Las artes jainistas representan leyendas de la vida tirthankara u otras personas importantes, particularmente con ellos en una postura de meditación sentada o de pie. Yakshas y yakshinis, espíritus asistentes que guardan el tirthankara, generalmente se muestran con ellos. [254] La imagen jainista más antigua conocida se encuentra en el museo de Patna. Está fechado aproximadamente en el siglo III a. C. [254] Se pueden ver imágenes de bronce de Pārśva en el Museo Príncipe de Gales, Mumbai, y en el museo de Patna datan del siglo II a. C. [255]

Ayagapata es un tipo de tablilla votiva utilizada en el jainismo para la donación y el culto en los primeros siglos. Estas tablillas están decoradas con objetos y diseños fundamentales para el culto jainista, como el estupa, dharmacakra y triratna. Presentan tendencias simultáneas de adoración de imágenes y símbolos. Numerosas tablas de piedra de este tipo fueron descubiertas durante excavaciones en antiguos sitios jainistas como Kankali Tila cerca de Mathura en Uttar Pradesh, India. La práctica de donar estas tablillas está documentada desde el siglo I a. C. hasta el siglo III d. C. [256] [257] Samavasarana, una sala de predicación de tirthankaras con varios seres colocados concéntricamente, es un tema importante del arte jainista. [258]

La torre Jain en Chittor, Rajasthan, es un buen ejemplo de arquitectura Jain. [259] Los manuscritos decorados se conservan en las bibliotecas jainistas, que contienen diagramas de la cosmología jainista. [260] La mayoría de las pinturas e ilustraciones representan eventos históricos, conocidos como Panch Kalyanaka, de la vida del tirthankara. Rishabha, el primero tirthankara, generalmente se representa en la posición de loto o Kayotsarga, la posición de pie. Se distingue de otros tirthankara por los largos mechones de cabello que le caían hasta los hombros. En sus esculturas también aparecen imágenes de toros. [261] En las pinturas se representan incidentes de su vida, como su matrimonio e Indra marcando su frente. Otras pinturas lo muestran presentando un cuenco de cerámica a sus seguidores. También se le ve pintando una casa, tejiendo y siendo visitado por su madre Marudevi. [262] Cada uno de los veinticuatro tirthankara está asociado con emblemas distintivos, que se enumeran en textos como Tiloyapannati, Kahavaali y Pravacanasaarodhara. [263]

Templos Editar

Un templo jainista, un Derasar o Basadi, es un lugar de culto. [264] Los templos contienen tirthankara imágenes, unas fijas, otras móviles. [264] Estos están estacionados en el santuario interior, una de las dos zonas sagradas, la otra es la sala principal. [264] Una de las imágenes está marcada como moolnayak (deidad primaria). [265] A manastambha (columna de honor) es un pilar que a menudo se construye frente a los templos jainistas. [266] La construcción de templos se considera un acto meritorio. [267]

Los monumentos jainistas antiguos incluyen las colinas Udaigiri cerca de Bhelsa (Vidisha) en Madhya Pradesh, el Ellora en Maharashtra, los templos Palitana en Gujarat y los templos jainistas en los templos Dilwara cerca del monte Abu, Rajasthan. [268] El templo de Chaumukha en Ranakpur es considerado uno de los templos jainistas más bellos y es famoso por sus detallados tallados. [269] Según los textos jainistas, Shikharji es el lugar donde veinte de los veinticuatro jainistas Tīrthaṅkaras junto con muchos otros monjes lograron moksha (murieron sin renacer, con el alma en Siddhashila). El sitio de Shikharji en el noreste de Jharkhand es, por lo tanto, un lugar de peregrinación venerado. [270] [j] Los templos Palitana son el santuario más sagrado de la secta Śvētāmbara Murtipujaka. [272] Junto con Shikharji, la comunidad jainista considera los dos sitios más sagrados de todos los lugares de peregrinación. [273] El complejo Jain, Khajuraho y el templo Jain Narayana son parte del Patrimonio de la Humanidad de la UNESCO. [274] [275] Shravanabelagola, Saavira Kambada Basadi o 1000 pilares y Brahma Jinalaya son importantes centros jainistas en Karnataka. [276] [277] [278] En Madurai y sus alrededores, hay 26 cuevas, 200 lechos de piedra, 60 inscripciones y más de 100 esculturas. [279]

Las cuevas de Udayagiri y Khandagiri de los siglos II-I a. C. son ricas en tallas de tirthanakars y deidades con inscripciones que incluyen la inscripción de la Cueva del Elefante. [280] [281] Los templos de cuevas de Jain en Badami, Mangi-Tungi y las cuevas de Ellora se consideran importantes.[282] El templo de la cueva de Sittanavasal es un buen ejemplo del arte jainista con un refugio en una cueva temprana y un templo medieval excavado en la roca con excelentes pinturas al fresco comparables a las de Ajantha. En el interior hay diecisiete camas de piedra con inscripciones Tamil-Brahmi del siglo II a. C. [283] El templo Kazhugumalai del siglo VIII marca el renacimiento del jainismo en el sur de la India. [284]

Peregrinaciones Editar

Jain Tirtha Los sitios (de peregrinos) se dividen en las siguientes categorías: [285]

  • Siddhakshetra - Sitio que se cree que pertenece al moksha de un arihant (kevalin) o tirthankara, tales como: Ashtapada, Shikharji, Girnar, Pawapuri, Palitana, Mangi-Tungi y Champapuri (capital de Anga).
  • Atishayakshetra - Lugares donde se cree que ocurrieron eventos divinos, como: Mahavirji, Rishabhdeo, Kundalpur, Tijara y Aharji.
  • Puranakshetra - Lugares asociados con la vida de grandes hombres, como: Ayodhya, Vidisha, Hastinapur y Rajgir.
  • Gyanakshetra - Lugares asociados con famosos acaryas, o centros de aprendizaje, como Shravanabelagola.

Fuera de la India contemporánea, las comunidades jainistas construyeron templos en lugares como Nagarparkar, Sindh (Pakistán). Sin embargo, según una solicitud tentativa de patrimonio mundial de la UNESCO, Nagarparkar no era un "importante centro religioso o un lugar de peregrinaje" para el jainismo, pero una vez fue un paisaje cultural importante antes de que "la última comunidad jainista que quedaba abandonara el área en 1947 en Dividir". [286]

Estatuas y esculturas Editar

Las esculturas jainistas suelen representar una de las veinticuatro tīrthaṅkaras Parshvanatha, Rishabhanatha y Mahāvīra se encuentran entre los más populares, a menudo sentados en posición de loto o Kayotsarga, junto con Arihant, Bahubali, y deidades protectoras como Ambika. [287] Las imágenes cuádruples también son populares. Tirthankar los ídolos se ven similares, diferenciados por su símbolo individual, a excepción de Parshvanatha cuya cabeza está coronada por una serpiente. Las imágenes de Digambara están desnudas sin ningún embellecimiento, mientras que las representaciones de Śvētāmbara están vestidas y ornamentadas. [288]

Una estatua monolítica de 18 metros (59 pies) de Bahubali, Gommateshvara, construido en 981 EC por el ministro de Ganges y comandante Chavundaraya, está situado en la cima de una colina en Shravanabelagola en Karnataka. Esta estatua fue votada en primer lugar en la encuesta de SMS Seven Wonders of India realizada por Los tiempos de la India. [289] La estatua de 33 m (108 pies) de altura de Ahiṃsā (que representa a Rishabhanatha) fue erigida en el distrito de Nashik en 2015. [290] Los ídolos a menudo se hacen en Ashtadhatu (literalmente "ocho metales"), a saber, Akota Bronce, latón, oro, plata, monolitos de piedra, piedra tallada y piedras preciosas. [291] [292]

Símbolos Editar

Los iconos y artes jainistas incorporan símbolos como la esvástica, Om, y el Ashtamangala. En el jainismo, Om es una referencia condensada a las iniciales "A-A-A-U-M" de los cinco parámetros: "Arihant, Ashiri, Acharya, Upajjhaya, Muni", [293] [294] o las cinco líneas del Ṇamōkāra Mantra. [295] [296] El Ashtamangala es un conjunto de ocho símbolos auspiciosos: [297] en la tradición Digambara, estos son Chatra, Dhvaja, Kalasha, Batidor, Espejo, Silla, Ventilador de mano y Vaso. En la tradición de Śvētāmbar, son la esvástica, Srivatsa, Nandavarta, Vardhmanaka (recipiente de comida), Bhadrasana (asiento), Kalasha (maceta), Darpan (espejo) y pareja de peces. [297]

La mano con una rueda en la palma simboliza ahimsā. La rueda representa el dharmachakra, que representa la determinación de detener la saṃsāra (vagando) a través de la incesante persecución de ahimsā. Los cinco colores de la bandera jainista representan la Pañca-Parameṣṭhi y los cinco votos. [298] Los cuatro brazos de la esvástica simbolizan los cuatro reinos en los que se produce el renacimiento según el jainismo: humanos, seres celestiales, seres infernales y no humanos. [299] [300] Los tres puntos en la parte superior representan las tres joyas mencionadas en los textos antiguos: fe correcta, comprensión correcta y conducta correcta, que se cree que conducen a la perfección espiritual. [301]

En 1974, en el 2500 aniversario del nirvana de Mahāvīra, la comunidad jainista eligió una sola imagen combinada para el jainismo. [302] Representa a los tres lokas, el cielo, el mundo humano y el infierno. La parte superior semicircular simboliza Siddhashila, una zona más allá de los tres reinos. La esvástica jainista y el símbolo de Ahiṃsā están incluidos, con el mantra jainista Parasparopagraho Jīvānām [303] de sūtra 5.21 de Umaswati Tattvarthasūtra, que significa "las almas se prestan servicio unas a otras". [304]

Edición antigua

El jainismo es una antigua religión india de orígenes oscuros. [305] [306] [307] Los jainistas afirman que es eterna, y consideran la primera tirthankara Rishabhanatha como el reforzador de Jain Dharma en el ciclo de tiempo actual. [308] Los estudiosos han conjeturado que imágenes como las del toro en el sello de la civilización del valle del Indo están relacionadas con el jainismo. [309] Es uno de los Śramaṇa tradiciones de la India antigua, aquellas que rechazaron los Vedas, [310] [311] y según el filósofo Sarvepalli Radhakrishnan, existió antes que ellos. [312] [313]

La historicidad de los primeros veintidós Tirthankars aún no está rastreada. [314] [315] El 23º tirthankar, Parshvanatha, fue un ser histórico, [316] [317] del siglo IX a. C. [318] Mahāvīra es considerado un contemporáneo de Buda, alrededor del siglo VI a. C. [319] [320] La interacción entre las dos religiones comenzó con el Buda. [321] Más tarde, compitieron por los seguidores y las redes comerciales que los sustentaban. [322] [244] Los textos budistas y jainistas a veces tienen títulos iguales o similares pero presentan doctrinas diferentes. [323]

Los jainistas consideran a los reyes Bimbisara (c. 558–491 BCE), Ajatashatru (c. 492–460 BCE) y Udayin (c. 460–440 BCE) de la dinastía Haryanka como patrocinadores del jainismo. [324] La tradición jainista afirma que Chandragupta Maurya (322-298 a. C.), el fundador del Imperio Maurya y abuelo de Ashoka, se convirtió en monje y discípulo del asceta jainista Bhadrabahu en la última parte de su vida. [325] [326] Los textos jainistas afirman que murió intencionalmente en Shravanabelagola por ayuno. [325] [327] Las versiones de la historia de Chandragupta aparecen en textos budistas, jainistas e hindúes. [328] [329]

El emperador Ashoka del siglo III a. C., en sus edictos de pilares, menciona el Niganthas (Jainistas). [330] Tirthankara las estatuas se remontan al siglo II a. C. [331] La evidencia arqueológica sugiere que Mathura fue un importante centro jainista desde el siglo II a. C. en adelante. [257] Inscripciones de tan temprano como el siglo I EC ya muestran el cisma entre Digambara y Śvētāmbara. [332] Existe evidencia de inscripción de la presencia de monjes jainistas en el sur de la India en el siglo II o I a. C., y evidencia arqueológica de monjes jainistas en Saurashtra en Gujarat en el siglo II d. C. [333]

El patrocinio real ha sido un factor clave en el crecimiento y declive del jainismo. [334] En la segunda mitad del siglo I d. C., los reyes hindúes de la dinastía Rashtrakuta patrocinaron importantes templos en cuevas jainistas. [335] El rey Harshavardhana del siglo VII defendió el jainismo, el budismo y todas las tradiciones del hinduismo. [336] El rey de Pallava Mahendravarman I (600-630 EC) se convirtió del jainismo al shivaísmo. [337] Su obra Mattavilasa Prahasana ridiculiza ciertas sectas Shaiva y los budistas y expresa desprecio por los ascetas jainistas. [338] La dinastía Yadava construyó muchos templos en las Cuevas de Ellora entre el 700 y el 1000 EC. [339] [340] [341] El rey Āma del siglo VIII se convirtió al jainismo, y la tradición de la peregrinación jainista estaba bien establecida en su época. [342] Mularaja (siglo X d. C.), el fundador de la dinastía Chalukya, construyó un templo jainista, aunque no era jainista. [343] Durante el siglo XI, Basava, un ministro del rey Jain Kalachuri Bijjala, convirtió a muchos jainistas a la secta Lingayat Shaivite. Los Lingayats destruyeron los templos jainistas y los adaptaron para su uso. [344] El rey Vishnuvardhana de Hoysala (c. 1108-1152 EC) se convirtió en vaishnavita bajo la influencia de Ramanuja, y el vaishnavismo creció rápidamente en lo que ahora es Karnataka. [345]

Edición medieval

El jainismo se enfrentó a la persecución durante y después de las conquistas musulmanas en el subcontinente indio. [346] Los gobernantes musulmanes, como Mahmud Ghazni (1001), Mohammad Ghori (1175) y Ala-ud-din Muhammed Shah Khalji (1298) oprimieron aún más a la comunidad jainista. [347] Vandalizaron ídolos y destruyeron templos o los convirtieron en mezquitas. También quemaron libros jainistas y mataron a jainistas. Hubo excepciones importantes, como el emperador Akbar (1542-1605) cuya legendaria tolerancia religiosa, por respeto a los jainistas, ordenó la liberación de pájaros enjaulados y prohibió la matanza de animales en el festival jainista de Paryusan. [348] Después de Akbar, los jainistas se enfrentaron a un intenso período de persecución musulmana en el siglo XVII. [349] [350] La comunidad Jain eran los banqueros y financieros tradicionales, y esto impactó significativamente a los gobernantes musulmanes. Sin embargo, rara vez formaron parte del poder político durante el período de dominio islámico del subcontinente indio. [351]

Era colonial Editar

Un erudito gujarati jainista Virchand Gandhi representó al jainismo en el primer Parlamento Mundial de Religiones en 1893, celebrado en Estados Unidos durante la Feria Mundial de Chicago. Trabajó para defender los derechos de los jainistas y escribió y dio numerosas conferencias sobre el jainismo [352] [353]

Shrimad Rajchandra, un místico, poeta y filósofo encabezó el resurgimiento del jainismo en Gujarat. El realizo śatāvadhāna (100 Avadhāna) en el Instituto Sir Framji Cowasji en Bombay el 22 de enero de 1887, lo que le valió elogios y publicidad. Fue galardonado con medallas de oro por institutos y público por sus actuaciones, así como el título de Sakshat Saraswati (Encarnación de la Diosa del Conocimiento) cuando era un adolescente. [354] [355] Las actuaciones atrajeron una amplia cobertura en los periódicos nacionales. [356] Virchand Gandhi mencionó esta hazaña en el Parlamento de las Religiones del Mundo. [357] Era bien conocido como guía espiritual de Mahatma Gandhi. [358] Fueron presentados en Mumbai en 1891 y tuvieron varias conversaciones a través de cartas mientras Gandhi estaba en Sudáfrica. Gandhi señaló su impresión de Shrimad Rajchandra en su autobiografía, La historia de mis experimentos con la verdad, llamándolo su "guía y ayudante" y su "refugio en momentos de crisis espiritual". Su enseñanza influyó directamente en la filosofía de la no violencia de Gandhi. [358] [359] [360]

Los informes de la era colonial y las misiones cristianas consideraban al jainismo como una secta del hinduismo, una secta del budismo o una religión distinta. [361] [362] [363] Los misioneros cristianos se sintieron frustrados porque los jainistas sin dioses creadores paganos se negaban a convertirse al cristianismo, mientras que los eruditos jainistas de la era colonial como Champat Rai Jain defendieron el jainismo contra las críticas y la tergiversación por parte de activistas cristianos. [364] Los misioneros del cristianismo y el islam consideraban las tradiciones jainistas idólatras y supersticiosas. [365] Estas críticas, afirma John E. Cort, fueron defectuosas e ignoraron prácticas similares dentro de las sectas del cristianismo. [366]

El gobierno colonial británico en la India y los estados principescos de la India promovió la tolerancia religiosa. Sin embargo, se aprobaron leyes que convertían a cualquier persona desnuda en un delito que se podía arrestar. Esto atrajo el apoyo popular de la mayoría de la población hindú, pero afectó particularmente a los monjes Digambara. [367] El Akhil Bharatiya Jain Samaj se opuso a esta ley, alegando que interfería con los derechos religiosos de los jainistas. Acharya Shantisagar entró en Bombay (ahora Mumbai) en 1927, pero se vio obligado a cubrirse el cuerpo. Luego dirigió una gira por toda la India como monje desnudo con sus seguidores, a varios sitios sagrados de Digambara, y fue recibido por los reyes de las provincias de Maharashtra. [367] Shantisagar ayunó para oponerse a las restricciones impuestas a los monjes de Digambara por el Raj británico y provocó su interrupción. [368] Las leyes fueron abolidas por India después de la independencia. [369]

Los seguidores del jainismo se llaman "jainistas", una palabra derivada del sánscrito jina (vencedor), que significa una persona omnisciente que enseña el camino de la salvación. [35] [370] La mayoría de los jainistas residen actualmente en la India. Con cuatro a cinco millones de seguidores en todo el mundo, [371] [372] el jainismo es pequeño en comparación con las principales religiones del mundo. Los jainistas constituyen el 0,37% de la población de la India, principalmente en los estados de Maharashtra (1,4 millones en 2011, [373] 31,46% de los jainistas indios), Rajasthan (13,97%), Gujarat (13,02%) y Madhya Pradesh (12,74%). Karnataka (9,89%), Uttar Pradesh (4,79%), Delhi (3,73%) y Tamil Nadu (2,01%) también tienen poblaciones importantes de Jain. [373] Fuera de la India, las comunidades jainistas se pueden encontrar en Europa, el Reino Unido, los Estados Unidos, Canadá, [374] Australia y Kenia. [375] El jainismo también se está extendiendo rápidamente en Japón, donde hay más de 5.000 familias que se han convertido al jainismo. [376]

Según la Encuesta Nacional de Salud Familiar (NFHS-4) realizada en 2015-16, los jainistas forman la comunidad más rica de la India. [377] Los jainistas tienen la tasa de alfabetización más alta (87%) en la India, en el grupo de 7 años hasta el grupo de mayor edad, según su censo de 2011, y la mayoría de los graduados universitarios. [378] Excluyendo a los jubilados, la alfabetización jainista en la India superó el 97%. La proporción de sexos entre mujeres y hombres en los jainistas es de .940. Entre los indios en el rango de edad de 0 a 6 años, la proporción fue la segunda más baja (870 niñas por cada 1,000 niños), más alta que los sijs. Los hombres jainistas tienen las tasas de participación laboral más altas en la India, mientras que las mujeres jainistas tienen las más bajas. [379]

El jainismo ha sido elogiado por algunas de sus prácticas y creencias. El líder de la campaña por la independencia de la India, Mahatma Gandhi, muy influenciado por el jainismo, dijo: [380]

Ninguna religión en el mundo ha explicado el principio de Ahiṃsā tan profunda y sistemáticamente como se discute con su aplicabilidad en cada vida humana en el jainismo. A medida que el benevolente principio de Ahiṃsā o la no violencia será atribuida a la práctica por la gente del mundo para lograr el final de su vida en este mundo y más allá, el jainismo seguramente tendrá el estatus más alto y Mahāvīra seguramente será respetado como la mayor autoridad en Ahiṃsā. [381]

Chandanaji se convirtió en la primera mujer jainista en recibir el título de Acharya en 1987. [382]


Chris Rusak

Fotografía temprana de la estela 5 de Izapa, 1976
Foto: V. Garth Norman

En la costa del Pacífico de América del Sur, donde el estado de Chiapas, México se encuentra con la frontera de la Guatemala moderna, una vez fue el centro de la civilización de Izapán. Varios investigadores e historiadores afirman que esta área fue habitada ya en 1500 a. C. y que datan de los artefactos restantes entre 650 a. C. y 200 d. C. [1] [2] [3]. Sin embargo, de los objetos en los que se centra la erudición, ningún trabajo puede ser tan debatido o tan significativo como el que el arqueólogo Matthew W. Stirling puso en el centro de atención en 1941: Estela 5 [4]. Una estela magnífica de intrincados detalles y fascinante belleza, esta compleja escultura da motivo a muchos para la inspiración y la interpretación, a menudo provocando apasionadas teorías de proporciones sobrenaturales.

Añadiendo a la mística de Estela 5 Es el hecho de que Izapa parece ser una cultura única cuya comprensión integral resulta esquiva. Sin embargo, varias características del sitio de Izapan y su posición cerca de otras tribus mesoamericanas explican su importancia social e histórica. Ubicado en la región del Soconusco en la costa del Pacífico de México, la proximidad del sitio a otras características geográficas importantes como ríos y volcanes, y su microclima con alta precipitación anual, crean un ambiente rico y fértil perfecto para la agricultura y la agricultura. recolección de recursos naturales, es decir, sal marina [5]. En consecuencia, los Izapa se destacan por haber sido un importante centro de tránsito, comercio y religión, a veces considerado como un punto de peregrinaje entre las culturas olmeca y maya [6] [7] [8]. De hecho, un recurso todavía en abundancia allí hoy puede haber sido un atractivo principal para la región. El cacao, un recurso natural de usos múltiples que también actuó como una unidad monetaria, fue una semilla de conflicto cuando los grupos lucharon por el control de su producción y comercio [9]. Además, Izapa también fue un punto de convergencia para muchos idiomas circundantes, con no menos de cinco lenguas en un radio de 50 kilómetros. Los investigadores lingüísticos reconocen el enigma presente en la interpretación de los orígenes y el intercambio de cada idioma, similar al enigma que enfrentan los eruditos con Estela 5, determinando si es un marcador de la difusión y síntesis de la cultura visual regional [10].

A primera vista, Estela 5 Puede asustar al espectador con su cacofonía visual. El relieve es una composición rica en símbolos figurativos, abstracciones mitológicas y una sofisticada organización de sus formas [11]. Estela 5 fue excavada como parte de lo que Stirling denominó Grupo A, un grupo de cuatro montículos (numerados del 55 al 58) organizados en un cuadrilátero que contenía las que se consideran las principales esculturas de Izapa. El grupo A comprende diez altares y doce estelas, Estela 5 la primera de una secuencia de cinco estelas excavadas una junto a la otra en el Montículo 56 [12]. La superficie tallada mide aproximadamente 63 pulgadas de alto y ancho en una piedra que mide aproximadamente 33 pulgadas en su punto más grueso [13]. La forma general de la piedra es parecida a un pedernal, una parte superior cuadrada que contiene la composición y un tercio inferior triangular con características anodinas [14].

Para describir todos los elementos visuales en Estela 5 es un asunto largo. El académico de Izapan Garth Norman de la Fundación Arqueológica del Nuevo Mundo (NWAF) de la Universidad Brigham Young (BYU) cuenta dentro de la composición al menos 60 representaciones individuales: figuras humanas, flora y fauna, y otros objetos de propósito ritual o indeterminado [15]. Asimismo, en su estudio & # 8220Izapa Relief Carving & # 8221, la arqueóloga Virginia G. Smith identificó entre veinticuatro de las estelas más completas de Izapan cincuenta rasgos visuales separados, de los cuales ella determina Estela 5 tiene veinticinco. En comparación, las otras estelas del Grupo A tienen de once a diecinueve rasgos cada una [16]. Esta saturación de elementos y la complejidad de su interrelación distinguen al monumento como una hazaña única y especial [17].

Empezar, Estela 5 está enmarcado por diseños de línea superior y base, bandas horizontales de pergaminos, formas geométricas y símbolos de agua y animales. Estos diseños de marcos son comunes en la mayoría de las estelas de Izapan bien conservadas. Visualmente actúan como líneas básicas o extensiones planas de una narración y parecen servir como símbolos para la interpretación por derecho propio [18].

El punto focal en Estela 5 es un árbol de ocho ramas centrado horizontalmente que divide verticalmente la composición en dos partes. Los elementos restantes se apiñan alrededor del árbol, creando un cañón de actividad organizado en las fuertes diagonales de un triángulo invertido implícito. Las patas de este triángulo implícito están reforzadas por su intersección con dos de las figuras más grandes que parecen personas que aparecen en la composición, cada una con una máscara de deidad y mirando hacia el árbol [19]. Juntos, estos tres elementos y mdash las figuras grandes y el árbol al que se enfrentan y mdash comprenden algunos de los volúmenes más grandes de forma sin adornos con detalles incisos, cuyo contraste con la composición por lo demás ocupada actúa como un espacio cuasi-negativo. Como tales, funcionan como anclas en el primer plano y el fondo, atrayendo al espectador hacia la narrativa al expandir la profundidad a través del espacio nocional.

Este árbol central es lo que atrae gran parte de la atención Estela 5. Su identificabilidad como un centro fértil de una escena bulliciosa lleva a muchos a creer que la estela es representativa de una gran alegoría ontológica. Desde la iluminación del sitio por Stirling & # 8217, varios investigadores y expertos han intentado elaborar el propósito de Izapan a través de sus artefactos visuales, y a menudo se basan en Estela 5 como característica clave de su investigación. Sin embargo, sus intenciones abarcan una amplia gama. Una discusión de varios exámenes académicos diferentes de la escultura de Izapan no solo iluminará algunas de las características definitorias de la obra de arte, sino que también explicará la pasión y el encanto que rodea a esta supercomposición.

En su artículo de 1973 & # 8220Izapan-Style Art: A Study of its Forma and Significat & # 8221, el erudito mesoamericano Jacinto Quirarte cuestionó si la obra de arte de Izapan debía & # 8220 ser considerada como la formulación de nuevas soluciones & # 8221 en la subjetividad humana [20]. Para realizar un análisis iconográfico de las estelas de Izapan, Quirarte primero dividió su atención en dos áreas específicas: los diseños de la línea de base y superior, a los que también se refirió como paneles, y las composiciones narrativas reales y su amplia gama de representaciones simbólicas y figuras descriptivas. [21]. Se toma el tiempo para identificar la manera en que se crean las formas: la implementación de la línea para definir la forma, expresar el movimiento o crear la inercia, la creación de un espacio nocional o profundidad mediante la superposición de formas o la disposición de las diferencias proporcionales, por último, categorizando cada monumento & # 8217s relieve estilo como inciso, bajo o plano [22].

Si bien Quirarte cree que los diseños de primera línea de Izapan pueden mostrar similitudes muy abstractas con la iconografía olmeca del jaguar, prefiere la noción de que expresan una combinación más zoomorfa de características felinas, serpientes y aves en su forma [23]. Señala el hecho de que el EstelaEl panel de la línea superior de & # 8216 parece estar conectado con una corriente de agua que corre por el costado de la piedra, que conduce al panel de la línea inferior [24]. Discute la simetría deliberada de la composición y la presencia de figuras emparejadas alrededor de quemadores de incienso y dragones terrestres, diciendo que la incisión de la línea es el método principal para definir la forma en toda la composición [25].

Calificación Estela 5 como & # 8220 la escultura en relieve más complicada en [el] sitio, & # 8221 Quirarte ofrece una escasa interpretación especulativa de la obra [26]. En cambio, su análisis se ocupa de la interpretación de todo el cuerpo de la escultura de Izapan a través de ideas más amplias, formando una base para que muchos investigadores posteriores comiencen a partir de [27].

Izapa Plaza B durante la investigación arqueológica inicial
Foto: Comisión De Defensa Del Patrimonio Cultural

Tres años más tarde, Norman publicó su monografía definitiva, ampliamente citada Escultura de Izapa, proporcionando datos detallados sobre más de 200 estelas, altares y monumentos, así como su propio análisis. Las fotografías de Norman & # 8217 y los calcos que las acompañan seguirían siendo material de referencia estándar durante los próximos años [28]. De hecho, Quirarte escribió su trabajo utilizando imágenes que Norman había reunido y publicado en 1973 como un preliminar al texto posterior.

Norman llama Estela 5 un & # 8220supernarrative, & # 8221 que dice que el desafío de su interpretación es igual al de otros diez monumentos de Izapan combinados [29]. Detalla las características principales del trabajo, así como sus relaciones con algunos de los detalles menores. Comienza con el árbol, especulando que sus raíces rompen el panel de la línea de base y se arrastran hacia el agua en movimiento debajo del panel de la línea de fondo. De manera similar, señala que las ramas del árbol se superponen con el panel de la línea superior, que él califica como & # 8220sky. & # 8221 Norman luego señala varios peces, pájaros y una serpiente compuesta que se destacan en la composición [30 ]. Aborda la creación de movimiento del artista extrapolando geometrías implícitas a través de la alineación de figuras, comparando volúmenes variables de forma y examinando las conexiones entre contornos serpentinos reales que atraviesan la longitud de la composición [31]. Procede a discutir exhaustivamente cada elemento individual y su relación con el todo, por ejemplo, las diferencias en las figuras y el tamaño de la cabeza y sus posibles significados jerárquicos. Hace comparaciones de las imágenes de la Estela 5 con monumentos de otros sitios y culturas, como Tres Zapotes, Kaminaljuyú, los indios Hopi y Mixteca, en particular las diferencias en la representación de las deidades. Por último, expone la relevancia de la interrupción de los paneles superior y de la línea de base por parte del árbol [32].

De estos, él cree que los paneles de línea base generalmente implican una contención de poderes sobrenaturales dentro de un inframundo, principalmente tierra subterránea, mientras que los paneles de línea superior expresan una & # 8220 unidad funcional & # 8221 o el resumen e interconexión de símbolos figurativos a lo largo de las composiciones. utilizando una especie de lenguaje pictográfico [33]. Además, analiza su probable relación con las máscaras de jaguar identificadas en otros lugares de Mesoamérica, de acuerdo con Quirarte [34]. Finalmente, Norman postula que los triángulos presentes en los paneles de la línea base operan como anclas para una matriz adicional de organización y discuten cómo las líneas implícitas que se extienden desde sus lados reorganizan la composición en narrativas alternativas [35].

Al concluir su análisis, Norman postula que Estela 5 es una narrativa & # 8220-road-of-life & # 8221, cada figura y símbolo es un elemento identificable por los Izapans como parte de un ciclo de vida y muerte. Creyendo que la estela representa un árbol de la vida, señala su propósito como una conexión vertical entre las aguas de la vida de abajo y el destino celestial de arriba. Sin embargo, enfatiza la importancia de contextualizar las estelas considerando el marco cosmológico en el que operaron muchas culturas mesoamericanas, así como la gestalt de un grupo del que proviene cada monumento [36].

Tres asociados más de la NWAF, Gareth W. Lowe, Thomas A. Lee, Jr. y Eduardo Martínez Espinosa, ampliaron el trabajo de Norman en su monografía de 1982 Izapa: una introducción a las ruinas y monumentos [37]. El grupo abordó el análisis y la interpretación del sitio y los monumentos # 8217 de manera diferente, proporcionando una historia completa del Soconusco que analiza el idioma, el medio ambiente, el terreno y los recursos, así como una cronología narrativa de los cambios en el estilo artístico durante tres milenios [38]. . Esta historia forma un telón de fondo para el análisis cordial que Norman produjo y actúa como una referencia inmediata para las interpretaciones del grupo. Además, elaboran la categorización creada por Stirling para agrupar objetos similares y resumir las diversas diferencias entre cada categoría [39].

Dentro de la monografía, Lowe escribe un ensayo titulado & # 8220Izapa Religión, Cosmología y Ritual & # 8221. En él intenta & # 8220determinar la filosofía religiosa básica y el propósito social simbolizado en los monumentos y su ubicación & # 8221 [40]. Discute la integración de la mitología y la cosmología en la creación de lo que la arqueóloga Tatiana Proskouriakoff denomina & # 8220complejo simbolismo & # 8221 imágenes utilizadas no sólo para el apaciguamiento religioso de los dioses, sino también para la fuerza política [41]. Acercándose a la Estela 5, Lowe identifica el & # 8220 árbol de la abundancia & # 8221 como un elemento central e importante y explica las ideas del análisis y la conclusión de Norman & # 8217 [42]. Discute brevemente, al igual que Norman, posibles identificaciones taxonómicas del árbol, por ejemplo ceiba o ramón [43] [44].

Sin embargo, donde Norman dedica gran parte de su esfuerzo al análisis de símbolos a través de la extrapolación mítica intercultural y la interrelación proporcional, Lowe centra gran parte de su discusión en la influencia del calendario ritual en Izapa. Al equiparar la capacidad de seguir los movimientos astronómicos con el poder no sólo divino, sino político, describe una progresión de objetos utilizados para marcar el paso del tiempo, ideas que intensifican su afinidad con la posición de Proskouriakoff [45]. Sin embargo, responde que los volcanes vecinos de Izapa restaron importancia a la necesidad de marcadores astronómicos hechos por el hombre, definiendo así su escultura como más relevante social o políticamente [46]. No obstante, Lowe reitera la posibilidad de que la Estela 5 contenga una iconografía calendárica maya y azteca sorprendentemente similar, cuya naturaleza cíclica reforzaría la teoría de Norman & # 8217s & # 8220road-of-life & # 8221 e incluso expondría un caso para cuantificar Estela 5 como representación del primer día del calendario mesoamericano. Termina su ensayo discutiendo la posibilidad de que el monumento sea tributario, honrando la crianza materna y la abundancia agrícola [47].

Por otro lado, arqueólogos como M. Wells Jakeman & mdash fundador del Departamento de Arqueología de BYU & mdash interpretaron los artefactos de Izapan de una manera mucho más controvertida [48]. En un artículo de 1958 estrictamente relacionado con Estela 5, Jakeman argumentó que representaba un pasaje del Libro de Mormón relacionado con un árbol de la vida descubierto por los antepasados ​​de La Iglesia de Jesucristo, los Santos de los Últimos Días y mdash BYU & # 8217s fundador [49]. Compara la composición con los símbolos descritos en la historia, principalmente un árbol frutal, sus guardianes, un río cercano y un & # 8220 sendero estrecho y recto & # 8221 [50] [51]. Además, el trabajo de Jakeman & # 8217 desencadenó una serie de teorías derivadas posteriores, muchas de ellas de aficionados o apologistas de la fe mormona. Un ejemplo de ello es el también arqueólogo de BYU Ross T. Christensen, quien durante muchos años difundió una cronología de información sobre la estela que respaldó con entusiasmo las propuestas de Jakeman, una cronología a la que todavía se refieren hoy las organizaciones de apología [52].

La investigación y las afirmaciones de Jakeman fueron finalmente refutadas por la mayoría de sus colegas, y el propio Norman calificó el trabajo de & # 8220 inválido & # 8221 [53] [54]. Las opiniones posteriores de otros académicos afirmarían esta invalidación, así como también rechazarían otros esfuerzos de apología & # 8217 contextualizaciones delgadas y teorías de copia al carbón.

Representación artística asistida por tecnología moderna de Izapa Estela 5
Ayax Moreno, 1999

Tal fue el caso cuarenta y ocho años después, cuando el erudito financiado por NWAF John E. Clark y el artista Ayáx Moreno crearon nuevas ilustraciones de monumentos de Izapan, incluyendo Estela 5. Usando una técnica especial mediante la cual los calcos sobre plástico transparente se superpusieron digitalmente con imágenes grabadas en video, la pareja elaboró ​​una nueva ilustración que consideró más vistas de la estela con luz rasante, lo que resultó en una nueva ilustración con un aumento significativo de detalles y sombras [55]. Más importante aún, Clark intentó abordar la cuestión del árbol de la vida bajo una nueva luz.

Primero, extrae pasajes del Libro de Mormón que directamente controvierten las afirmaciones de que la Estela 5 está relacionada con los primeros antepasados ​​del mormonismo. Sin embargo, simultáneamente abre la puerta a nuevas indagaciones al sugerir que un capítulo diferente del Libro de Mormón podría representarse en la escultura de Izapán, aunque sí llama a la idea un & # 8220long shot & # 8221 [56]. Quizás lo más interesante cuando Clark niega el trabajo de Jakeman y las ideas de otros arqueólogos mormones de sillón, sugiere negar todas las interpretaciones anteriores de Estela 5. Calificando las ilustraciones anteriores como & # 8220 dibujos deficientes & # 8221 y equiparándolas con & # 8220 malos datos & # 8221, cuestiona su relevancia contemporánea [57]. La afirmación podría considerarse audaz ya que la NWAF también financió gran parte de la investigación anterior, así como un poco egoísta, aunque no completamente infundada. En el análisis de Quirarte & # 8217 de Estela 5, admite que la complejidad de la escultura se ve agravada por la superficialidad de su relieve, sus divisiones de forma entre el espacio positivo y negativo a menudo imperceptible [58]. Las imágenes disponibles durante el tiempo de Quirarte, y cualquier observación en persona sin ayuda, probablemente pasaron por alto muchos detalles cuestionables. Por supuesto, el nuevo Dibujo de Clark / Moreno mejora algunos de estos problemas, sin embargo, queda por ver cuánto cambia la interpretación de la Estela 5 una vez que los académicos comienzan nuevas investigaciones.

La cuestión de las intenciones nobles siempre puede existir con la investigación realizada por BYU o sus asociados. Mientras que gran parte de Escultura de Izapa Tiene un tono decididamente secular y científico en sus observaciones, Norman concluye su análisis con una narración breve e hipotética que ha escrito y mdash esencialmente una oración y mdash que tiene lugar entre dos de las figuras. La oración no tiene una denominación específica ni sugiere ninguna conexión con los mormones. Sin embargo, es interesante observar que Norman está actualmente afiliado a la Ancient America Foundation, cuya misión es & # 8220 difundir información sobre descubrimientos arqueológicos y otros descubrimientos culturales que arrojen luz sobre las afirmaciones históricas del Libro de Mormón & # 8221 también. como & # 8220 traer mayor comprensión y aprecio a este registro sagrado & # 8221 [59]. Si las intenciones de Norman siempre han sido principalmente apologéticas o si fueron genuinamente científicas es algo que cada erudito individual tendrá que responder por sí mismo.

Lo que parece más apropiado para las consideraciones religiosas en la escultura de Izapán es la mitología mesoamericana eliminada específicamente de las interpretaciones cristianas, algo que Smith se tomó el tiempo de hacer en & # 8220Izapa Relief Carving & # 8221, pero no sin primero enfatizar la reserva de conectar la iconografía con cualquier religión [60] . Sobre la base de las ideas sugeridas por el antropólogo Roy A. Rappaport, Smith analiza los mitos del ciclo de vida maya y azteca, y señala que las escenas representadas en las estelas de Izapan se correlacionan con las imágenes descritas en las historias. De particular interés son los paneles superior e inferior de la Estela 5, posibles referencias a un momento en el que & # 8220el cielo cayó y la tierra se inundó & # 8221 [61]. Si uno cree Estela 5 está relacionado con estos mitos, entonces quizás la composición describa el tiempo después del diluvio cuando & # 8220 personas dignas & # 8221 se reúnen en el paraíso [62]. No obstante, incluso si esta inclinación paradisíaca es irrelevante, Smith señala la importancia del agua para el ritual religioso de Izapan, cuya empresa probablemente precedió a la temporada de lluvias [63].

Smith se centra en la complejidad de la iconografía de Izapan en su conclusión, impresionada por el volumen y la amplitud de los temas mesoamericanos que contiene. Ella cree que esto es, en última instancia, una demostración de un pueblo altamente adaptado en un entorno único que responde con una cultura única en un estilo único, y no está de acuerdo con la noción de que Izapa es simplemente un vínculo artístico entre los estilos olmeca y maya, haciéndose eco de los sentimientos de Stirling & # 8217. sobre la importancia de Izapa [64].

Stirling ciertamente sintió que Izapa era un lugar especial, y expresó su incredulidad de que se hubiera pasado por alto en su mayor parte hasta ese momento [65]. Si bien no fue mucho más allá de una breve descripción de Estela 5, es uno de sus más extensos, y señaló a todos los estudiosos de la imaginería con los que trabajarían Norman, Lowe y Smith [66]. Pero, el significado y la deliberación sobre Estela 5 Han recorrido un largo camino desde que el escritor Carlos A. Culebro, quien hizo la primera interpretación de la composición, dijo, & # 8220la representa una escena de mercado bajo la Pochota o ceiba sagrada & # 8221 [67]. Quizás Culebro tenga razón. Sin embargo, parece que un trabajo tan magnífico, calculado y detallado es más que un registro de un día cotidiano en Izapan.

Si el enigma de Estela 5 se resuelve alguna vez o permanecerá como un misterio es una cuestión intrascendente para insistir en el hecho de que tanto los estudiosos como los espectadores hoy en día todavía experimentan una reacción emocional a partir de sus imágenes que habla del poder artístico de la cultura de Izapan. Si los Izapans estaban preocupados por la mortalidad, la impermanencia o cualquiera de las otras crisis existenciales que enfrenta el hombre contemporáneo, nuestro encantamiento e inquisición duraderos con su iconografía prueban el éxito de sus esfuerzos por la vida más allá de una encarnación primaria y mortal. Respectivamente, Estela 5 y los otros logros de los artistas de Izapan siempre fascinarán a cualquier persona interesada en la preocupación de imbuir la cultura visual con un espíritu inigualable, y una investigación más imparcial, realizada por organizaciones que no están afiliadas financiera y académicamente con instituciones religiosas, beneficiaría enormemente nuestra comprensión contemporánea de Izapan & # 8217. perspectivas sobre el ser.


Si le gustó este artículo, visite mi estudio en línea para apoyar las artes independientes.

[1] V. G. Norman, Escultura de Izapa. (Provo, Utah: Fundación Arqueológica del Nuevo Mundo, Universidad Brigham Young, 1973-1976). Pág. 1.
[2] J. Quirarte & # 8220 Arte al estilo de Izapan: un estudio de su forma y significado. & # 8221 Estudios en Arqueología y Arte Precolombino, No. 10, 1993. págs. 7-8.
[3] J. G. Kappelman. & # 8220 Desmitificando la estela-altar de estilo Izapán del Preclásico Tardío & # 8216Cult. & # 8221 Res, # 45, 2004. pág. 99.
[4] V. G. Smith.& # 8220 Tallado en relieve de Izapa: forma, contenido, reglas de diseño y papel en la historia del arte y la arqueología mesoamericanas. & # 8221 Estudios en Arqueología y Arte Precolombino, No. 27, 1984. pág. 1.
[5] Norman págs. 1-2.
[6] J. E. Clark. & # 8220Una nueva interpretación artística de la estela 5 de Izapa: un paso hacia una mejor interpretación. & # 8221 Revista de estudios del Libro de Mormón, Vol. 8, No. 1, 1999. pág. 26.
[7] G. Lowe, T A. Lee, Jr., E. M. Espinosa. Izapa: una introducción a las ruinas y monumentos. (Provo, Utah: Fundación Arqueológica del Nuevo Mundo, Universidad Brigham Young, 1982.) pág. 3.
[8] Smith pág. 1.
[9] Lowe, Lee, Espinosa págs. 1, 47-48.
[10] Ibid pág. 7-15.
[11] Norman pág. 165.
[12] Lowe, Lee, Espinosa pág. 159.
[13] Norman pág. 166.
[14] Clark pág. 22.
[15] Norman pág. 166.
[16] Smith págs. 9-18.
[17] Norman págs. 165-166.
[18] Quirarte pág. 9-18.
[19] Norman pág. 168.
[20] Quirarte pág. 5.
[21] Ibid, pág. 8.
[22] Ibid, pág. 9.
[23] Ibid págs. 15-18.
[24] Ibid, pág. 18.
[25] Ibid págs. 26-27, 30.
[26] Ibíd. Pág. 30.
[27] Ibid págs. 32-33.
[28] Clark págs. 23-24.
[29] Norman pág. 165.
[30] Ibíd. Pág. 166.
[31] Ibíd. Pág. 168.
[32] Ibíd. Págs. 169-215.
[33] Ibid págs. 26-31.
[34] Ibid págs. 23-26.
[35] Ibíd págs. 193-194, 234-236.
[36] Ibíd. Pág. 329.
[37] Lowe, Lee, Espinoza pág. Vii.
[38] Ibid págs. 7-72, 115-158.
[39] Ibid págs. 75, 89-114.
[40] Ibid, pág. 269.
[41] Ibid págs. 269-272.
[42] Ibid págs. 272-273.
[43] Ibid págs. 273-275.
[44] Norman págs. 194-196.
[45] Lowe, Lee, Espinoza págs. 275-278.
[46] Ibid págs. 278-279, 299-305.
[47] Ibíd págs. 316-323.
[48] ​​Revista de estudios del Libro de Mormón. & # 8220Memorial: Max Wells Jakeman 1910-1998. & # 8221 Revista de estudios del Libro de Mormón, Vol. 7, N ° 1, 1998.
[49] Clark pág. 24.
[50] Libro de Mormón, El. Trans. Joseph Smith, Jr. (Salt Lake City: Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días, 1981) 1 Nep. 8.1-36.
[51] M. W. Jakeman. & # 8220Stela 5, Chiapas, México: A Major Archaeological Discovery of the New World. & # 8221 Salt Lake City: Brigham Young University, 1958. pp 8-16, 25-30, 45-48, 59-62.
[52] Fundación América Antigua. Fundación América Antigua. Estado de la misión.
[53] S. W. Brewer. & # 8220La historia de una idea: la escena de la estela 5 de Izapa, México, como representación de la visión de Lehi & # 8217 del árbol de la vida. & # 8221 Revista de estudios del Libro de Mormón. Vol. 8, N ° 1, 1999.
[54] Norman pág. 167.
[55] Clark págs. 24-25.
[56] Ibíd. Pág. 33.
[57] Ibid págs. 28-33.
[58] Ibid, pág. 30.
[59] Fundación América Antigua. Estado de la misión.
[60] Smith pág. 34.
[61] Ibíd. Pág. 35.
[62] Ibid págs. 34-35.
[63] Ibíd. Pág. 35.
[64] Ibíd. Pág. 48.
[65] M. W. Stirling. Monumentos de piedra del sur de México. (Washington, Government Printing Office, 1943) pág.61.
[66] Ibíd. Pág. 62.
[67] Lowe, Lee, Espinosa pág. 329.


¡Caramba! ¿Otra historia de los cómics? Parte 5

Nuestro viaje épico a través de la rica historia de los cómics continúa. Las partes 1, 2, 3 y 4 se pueden leer aquí.

Aprobar o no aprobar

Sello de aprobación de la Autoridad del Código de Comics

Después de la devastadora debacle del Subcomité Senatorial de Delincuencia Juvenil la industria del cómic en los Estados Unidos estaba arrinconada. Editores formados Asociación de Revistas de Cómics de América, que instituyó el Autoridad del código de cómics, una lista de lo que era aceptable o no antes de que se permitiera la distribución de un cómic. Las reglas eran estridentes y draconianas, relegaban el cómic al reino de los niños, destruyendo la industria de los lectores adultos. Los cómics desinfectados y despojados de cualquier sustancia tardarían décadas en recuperarse.

Cómics EC fue aniquilado después de estar en la cima del mercado. Pasaron a formatear Mad Magazine con el problema n. ° 24, eludiendo el Código de cómics publicando como una revista fuera de la distribución de cómics. (Alguna cosa Warren Publishing haría más tarde al publicar Vampirella, Siniestro, y Misterioso.)

"Ello," Ello, "¡Ello!

Comilona

En la Gran Bretaña de 1930 El Beano y El dandy se lanzaron los anuales. Debido a su humor irreverente y bufonesco, tuvieron mucho éxito. El Beano todavía está impreso hoy. Dieron a luz a varios imitadores.

En la década de 1950, las mismas preocupaciones y protestas sobre la influencia que tenían los cómics en los niños. En su mayoría atribuido a las importaciones estadounidenses de cómics de terror y crimen, la protesta se extendió hasta el Parlamento. Bajo los auspicios de Geoffrey Fisher, los Arzobispo de Canterbury, Mayor Gwilym Lloyd George, los Secretaria de casa y Ministro de Asuntos de Gales, y el Unión Nacional de Maestros, El Parlamento aprobó la Ley de niños y jóvenes (publicaciones nocivas) de 1955.

Los resultados fueron mucho más restrictivos que los Autoridad del código de cómics en los Estados. El acto prohibido & # 8220cualquier libro, revista u otro trabajo similar que pueda caer en manos de niños o jóvenes y que consista total o principalmente en historias contadas en imágenes (con o sin la adición de material escrito), siendo historias que retratan (un ) la comisión de delitos o (b) actos de violencia o crueldad o (c) incidentes de naturaleza repulsiva u horrible de tal manera que la obra en su conjunto tienda a corromper a un niño o joven en cuyas manos podría caer .& # 8221 En 1969, la Ley se hizo permanente, y sigue estando en los libros hoy, representada, por ejemplo, en la correo Real prohibición de enviar por correo cómics de terror y las matrices utilizadas para imprimirlos. Sin embargo, solo ha habido dos condenas desde 1955, y solo menos de 50 delitos.

En la década de 1950 Águila fue publicado por Prensa de Hulton. La revista de historietas más popular para niños mayores pasó a generar imitadores como TV Century 21, Mira y aprende, y Cómic de TV. Los cómics de aventuras para niños en general siguieron siendo populares durante los años 50 y 60. Títulos como Valiente y Tigre publicado por IPC vi a nuevos héroes convertirse en estrellas como Roy de los Rovers (eventualmente ganando su propio título). Prensa Odhams era una empresa que imprimía material nuevo pero también reimprimía Comics Marvel material en su Power Comics títulos incluidos ¡Aplastar! y Fantástico. Este boom continuaría hasta la caída de las ventas en los años 70.

Haz cómics, no guerra, hombre

Zap Comix

A principios de los 60 se produjeron los primeros cómics clandestinos (sin incluir los Biblias de Tijuana de los años 30 y 40). Se trataba de pequeños cómics de producción propia para amigos de los artistas y reimpresos en periódicos clandestinos.

Después de 1967, el cómic clandestino (el cambio en la ortografía fue para diferenciarlos de la corriente principal y enfatizar su naturaleza de clasificación x) comenzó a florecer con el movimiento contracultural. Los comix fueron en respuesta a las restricciones dictatoriales de la Código de cómics y cultura suburbana estadounidense. Exploraron temas y temas relacionados con el consumo de drogas recreativas, la política, la música rock, la sexualidad, el sacrilegio, los tabúes y el amor libre.

Robert Crumb, el arte de cómics underground más conocido, dijo: & # 8220La gente olvida que de eso se trataba [la censura]. Por eso lo hicimos. No teníamos & # 8217t nadie parado sobre nosotros diciendo & # 8216No, no puedes & # 8217t dibujar esto & # 8217 o & # 8216Tú puedes & # 8217t mostrar eso & # 8217. Podríamos hacer lo que quisiéramos.& # 8221 Los libros se vendieron fuera de los canales de distribución tradicionales. Se vendieron en "tiendas para la cabeza", tiendas que venden parafernalia de drogas, de forma independiente.

La mayoría de los artistas underground vivían en San Francisco, así como los editores Novedades Apex, Compañía de cómics de San Francisco, Prensa estafa, y Ultimo suspiro con el Imprimir menta basado en Berkeley. Luego Robert Crumb auto publicado Zap Comix # 1. Fue un éxito financiero y comenzó el mini boom de los títulos clandestinos.

En el Reino Unido Tiempos internacionales y Onz, periódico y revista clandestinos, reimprimieron obras estadounidenses pero también crearon sus propias obras originales. Más tarde, el primer cómic del Reino Unido fue Cíclope. Fue seguido por Cuentos desagradables y cómics cOZmic.

La popularidad de los subterráneos disminuyó después de 1975, pero continuó en diversas formas hasta el presente. Su influencia en los cómics alternativos, los cómics independientes y los cómics web subversivos no se puede subestimar.

¡Nos vemos en los papeles divertidos!

Miseria, Octubre de 1950

Mientras que las historietas experimentaban una montaña rusa de cambios y dramas, las historietas de los periódicos se divertían silenciosamente y se ganaban el cariño de los lectores, y se encogían y encogían y encogían.

Hubo un tiempo en que las tiras cómicas individuales obtenían una página completa los domingos y todo el ancho de la página del periódico para los diarios. Cómics como Pequeño nemo o Krazy kat eran obras de arte semanales. En la década de 1950, estos días ya habían pasado. El 2 de octubre de 1950 nueve periódicos vieron la introducción de Miseria, que pronto será la tira cómica más exitosa de la historia.

Miseria El éxito inicial se debió a su función de ventas para los representantes de ventas del sindicato. Se presentó en un formato más corto, se pudo volver a ensamblar en un formato cuadrado. Marcó el futuro de los cómics de los periódicos.

Los años 50, 60 y principios de los 70 vieron una edad de plata menor para las tiras cómicas. Junto con Miseria había Escarabajo bailey, Hola y lois, Hägar el horrible, Daniel el travieso, ANTES DE CRISTO., y Garfield.

La próxima vez, en la parte 6, terminaremos nuestro jugueteo en esta clase sobre historia de los cómics. Asegúrese de leer nuestros propios cómics en el Aplicación Stela.


Ver el vídeo: CHATS de Jenn y su hermana Patrona acabándola por drama con Dj Sammy (Agosto 2022).

Video, Sitemap-Video, Sitemap-Videos