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Pintura mural, Akrotiri

Pintura mural, Akrotiri


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El fresco en miniatura de West House en Akrotiri, Thera y su entorno egeo *

La mansión conocida como West House o Casa del Almirante en Akrotiri, Thera, fue excavada por Spyridon Marinatos en las temporadas de 1971 y 1972. El fresco en miniatura, uno de los monumentos más importantes del arte egeo encontrado hasta ahora, decoraba la habitación 5, que era la habitación de la esquina noroeste en el primer piso superior del edificio. Esta habitación, de aproximadamente 4 × 4 m interiormente, tenía amplias ventanas de tres y cuatro marcos respectivamente en las paredes norte y oeste, una salida hacia el este hacia la parte central de la casa y una puerta en la esquina sureste hacia la habitación 4 y la baño adyacente, 4a (Fig. i). Aunque ahora no se puede demostrar su función, la habitación 5 probablemente era una sala de estar, con sus amplios ventanales y un tamaño razonable. Pero una vasija curiosa, que pudo haber sido un rociador ritual (Thera VI 31-2 y lám. 70), fue encontrada en la esquina suroeste entre los fragmentos de frescos y tiene un indicio de otras funciones.


LA VERDAD SE ENCUENTRA EN LOS DETALLES: IDENTIFICACIÓN DE UN APIARIO EN LA PINTURA DE PARED MINIATURA DE AKROTIRI, THERA

Una de las numerosas representaciones enigmáticas de la iconografía egea del segundo milenio a. C. es la estructura pintada en la pared sur del Friso en miniatura de la Casa Oeste en Akrotiri, Thera. Esta estructura cubre la pendiente de una colina y consta de dos bandas azules verticales en su borde occidental y cuatro bandas azules horizontales, todas con características que indican la construcción de mampostería. Cinco filas de triángulos negros se alternan con las bandas horizontales. Cada triángulo tiene una abertura redonda en su base. Único en la iconografía del Egeo, se ha interpretado como un palomar, un cobertizo, un espacio de almacenamiento, una estructura excavada en la roca con nichos triangulares, una formación geológica e incluso un tramo de tierra con terrazas y un viñedo. En una muy breve referencia se ha identificado con un colmenar.

De acuerdo con las reglas de perspectiva contemporáneas, ciertos detalles sugieren que esta estructura podría representar un colmenar en un área en terrazas, protegido en su borde occidental por un muro a barlovento. Los elementos triangulares deben representar las colmenas tejidas de panal fijo de tipo vertical, que se utilizaban hasta hace muy poco en Grecia. Un camino que parte del colmenar y conecta el asentamiento con el edificio tripartito en la cima de la colina completa los elementos necesarios para una apicultura organizada. Del mismo modo, hay una extensión trapezoidal de color azul al este que probablemente representa un estanque, otro elemento esencial de la apicultura. Tanto la extensión del área cubierta por la instalación como la prominencia de los productos apícolas (indicados por análisis químicos y referencias en tabletas Linear B) plantean interrogantes sobre la gestión del colmenar y la función del edificio en la cima de la colina.

Η αλήθεια κρύβεται στη λεπτομέρεια: ανασυνθέτοντας έναν μελισσώνα στη Μικρογραφική Τοιχογραφίαπό τρορ

Ανάμεσα στις αινιγματικές παραστάσεις της αιγαιακής εικονογραφίας της 2ης χιλιετίας π.Χ. . Η κατασκευή καταλαμβάνει την πλαγιά ενός λόφου και αποτελείται από κατακόρυφη διπλή γαλάζια ζώνη στο δυτικό της όριο και τέσσερις οριζόντιες γαλάζιες ζώνες, όλες με ενδείξεις ότι αποδίδουν λιθοδομή. Más información Η μοναδική στην αιγαιακή εικονογραφία κατασκευή έχει ερμηνευτεί ως περιστεριώνας, νεώσοικος, αποθήκη, κτίσμα λαξευμένο στην πλαγιά του λόφου με τριγωνικές κόγχες, γεωλογικός σχηματισμός, αλλά και έκταση γης με αναβαθμίδες και καλλιέργεια αμπελιού. Σε μία εντελώς συνοπτική αναφορά είχε χαρακτηριστεί και ως απόδοση μελισσιού.

Συγκεκριμένες λεπτομέρειες και η χρήση των κανόνων προοπτικής κατά την περίοδο αυτή συνηγορούν υπέρ της υπόθεσης ότι αναπαριστά μελισσοκομική εγκατάσταση σε εδαφική έκταση με αναβαθμίδες, προστατευμένη στο δυτικό της όριο από προσήνεμο τοίχο. Τα τριγωνικά στοιχεία πρέπει να απεικονίζουν πλεκτές κυψέλες κάθετου τύπου, τα επίστομα κοφίνια σταθερής κηρήθρας, σε χρήση έως εντελώς πρόσφατα σε πολλές περιοχές του ελλαδικού χώρου. Τα στοιχεία ενός οργανωμένου μελισσοκομείου συμπληρώνει δρόμος που διέρχεται από τον μελισσώνα συνδέοντας τον οικισμό με το τριμερές κτίσμα στην κορυφή του λόφου. Όπως επίσης και γαλάζια τραπεζοειδής επιφάνεια στα ανατολικά του που πιθανότατα αναπαριστά νερόλακκο για συλλογή υδάτων, εντελώς απαραίτητων στη μελισσοκομία. Η μεγάλη έκταση της εγκατάστασης σε συνδυασμό με τη σημασία των μελισσοκομικών προϊόντων, όπως υποδεικνύουν χημικές αναλύσεις και αναφορές σε πινακίδες Γραμμικής Β, εγείρουν ερωτήματα σχετικά με την αρχή διαχείρισης του μελισσοκομείου καθώς και με τη λειτουργία του κτίσματος στην κορυφή του λόφου.


Pintura mural, Akrotiri - Historia

Hacia el final del tercer milenio antes de Cristo, una civilización floreciente con un gran potencial de expansión, gracias a sus vínculos comerciales marítimos, se desarrolló en la isla de Creta y en las islas Cícladas al norte.
Las obras de arte de gran originalidad producidas en esta zona se convertirían en modelos para la cultura micénica unos siglos más tarde.

Arte Egeo

El mar Egeo, con sus numerosas islas, fue la cuna de la civilización prehelénica. Una cultura ampliamente difundida había aparecido en el archipiélago de las Cícladas a mediados del tercer milenio antes de Cristo. Esta primera fase del arte cicládico se caracterizó por cerámicas decoradas con zigzags, espirales en movimiento y motivos de barcos que simbolizaban la actividad marina de la región. Las islas abundaban en mármol, que proporcionaba el material ideal para la escultura de jarrones y de ídolos, siendo los más típicos las figuras femeninas (posiblemente diosas de la fertilidad). También se conocen kouratrophoi (mujeres con bebés en brazos), músicos (intérpretes de liras y gaitas) y cazadores-guerreros. Estas figuras variaban tanto en tamaño -desde unos pocos centímetros hasta un metro más o menos de altura- como en tipo. Los ejemplos incluyen figuras esquemáticas, en forma de violín o con la parte inferior del cuerpo redondeada, e incluso las más naturalistas tienen la cabeza reducida a una superficie plana que solo se alivia por la nariz. Los artistas trabajaron con un canon de proporciones: todos los rasgos están formalizados, los rostros (nariz, ojos y boca) en el mejor de los casos simplemente delineados, aunque los detalles también se seleccionaron en la pintura. En el transcurso del segundo milenio. Creta, al sur de las Cícladas, se convirtió en dominante en el Mar Egeo y sus islas. La prosperidad de esta civilización, llamada minoica por el legendario rey Minos, es evidente en la construcción de los palacios en Knossos, Phaistos y Mallia. Estos primeros palacios fueron todos dañados alrededor del 1700 a. C. y fueron reconstruidos de inmediato.


Fragmento de fresco con escena de caza,
desde el palacio de Tirinto
C. 1250BC
Museo Nacional, Atenas


El arte sobreviviente muestra el desarrollo de formas y estilos originales con interés en la naturaleza. Esto se manifiesta en elementos como la orfebrería y los jarrones de piedra tallada de los segundos palacios. Algunas de ellas están decoradas con cabezas de toro y león, de las que se vertían líquidos en ocasiones rituales. Incluso mucho antes, la vitalidad decorativa se ilustró en los colores de la superficie moteada de la vajilla Vasilki (resultado de la hábil pintura y el control del horno), y también en los sellos animados por motivos lineales de plantas y animales. Durante la época de los primeros palacios (2000-1700 a. C.) se produjo una gran cantidad de cerámicas de alta calidad. El estilo Kamares incluía artículos a menudo refinados en una variedad de formas, con esquemas de patrones blancos y policromados sobre un fondo oscuro, a menudo complejos en el orden de motivos geométricos y naturales. Después del 1700 a. C., surgieron magníficos palacios nuevos en entornos urbanos y se llevó a cabo un extenso programa de construcción en el campo. La alfarería de este período se desarrolló lentamente: representaciones simples y formalizadas de flores (margaritas, delicados lirios, ramas de follaje) y animales (delfines saltarines) aparecieron en blanco sobre un fondo marrón-negro. Fueron desarrollados a partir de productos Kamares pero tenían algunas características originales. Pronto, abundan los elementos naturales, representados en negro sobre un fondo marrón claro y muy inspirados en temas florales y marinos. Pulpos nadadores con tentáculos agarrados cubrían la superficie de los jarrones, intercalados con argonautas, estrellas de mar, corales, conchas y rocas dentadas. La brillantez técnica del arte minoico se ve mejor en sus productos en miniatura. Las figuras de bronce fundido muestran a los devotos masculinos con taparrabos y las mujeres con faldas largas y corpiños abiertos que dejan al descubierto sus pechos. La estatuilla de la diosa serpiente es más elaborada, típica de la loza minoica, o loza de barro muy colorida. Una observación atenta de la naturaleza es claramente evidente en imágenes en frescos y jarrones hechos de una variedad de materiales (muchos de una materia relacionada con la serpentina, otros en obsidiana, cristal de roca y pórfido). Entre los retratados se encuentra el toro capturado a toda velocidad en su carga. Los jarrones de piedra, con sus relieves tallados, son merecidamente famosos: uno en forma de pera ritón (recipiente para beber con forma de cuerno) muestra una bulliciosa procesión de segadores con horquillas encabezada por un sacerdote con una chaqueta escamada, y cuatro cantantes, uno tocando una sistro (un sonajero de origen egipcio). El artesano transmite profundidad superponiendo cuerpos y cruzando las horquillas, las estrechas cinturas de las figuras minimizan el contraste de la vista frontal del torso y la vista lateral de las piernas. Incluso con los modelos más estilizados de animales domésticos, como toros, ovejas, cabras salvajes y pájaros, este interés se mantiene. Los toros son especialmente prominentes, ya que están consagrados en la leyenda del Minotauro, un monstruo con cuerpo de hombre y cabeza de toro. Esta exuberancia y libertad compositivas se contrasta con la tensa formalidad que impregna cada vez más las representaciones después de aproximadamente 1450 a. C., tras la llegada de los señores micénicos a Creta. Estos continentales, cuya cultura local en el centro y sur de Grecia se había transformado bajo el impulso de la cultura minoica, ahora se aprovecharon de la debilidad de Creta para establecer el control primero allí y luego en todo el Egeo. Estos cambios estilísticos se observan fácilmente en los frescos procesionales que adornan el palacio de Knossos, así como en el sarcófago de piedra caliza de Hagia Triada, que data aproximadamente del 1400 a. C., que está decorado con escenas religiosas de sacrificio y adoración. También son evidentes en la cerámica: por ejemplo, el pulpo ahora se coloca verticalmente, mientras que los motivos florales y marinos sobrevivientes están dispuestos de manera rígida y simétrica. La organización social de lugares como Micenas, Tirinto y Orcómeno giraba en torno a una clase de líderes militares, a menudo identificados con los legendarios aqueos, celebrados por Homero. Construyeron sus palacios en posiciones elevadas, protegiéndolos luego con inmensos muros ciclópeos. Los de la ciudadela de Tirinto miden entre 5 y 17 metros (16 y 55 pies). Es posible que las torres hayan reforzado las paredes, y los suministros de agua en el exterior se llegaban a través de pasajes subterráneos. La majestuosa Puerta de los Leones de Micenas se construyó con bloques simples y macizos. Los dos leones, creados en pose heráldica, se colocan sobre el dintel, custodiando la entrada y se encuentran entre los primeros ejemplos de escultura monumental en el continente griego.
El corazón de cada asiento real era el palacio, centrado en el recinto cerrado. megaron, un área de recepción rodeada de almacenes, archivos, viviendas y patios, era más pequeña que su contraparte cretense, con sus patios centrales abiertos. Así como la arquitectura micénica tomó prestada de la cretense pero se apartó significativamente de ella, los estilos artísticos se desarrollaron a lo largo de sus propios caminos. Frescos que representan escenas rituales, así como actividades más violentas como batallas, adornan las paredes. Los jarrones de piedra, las armas de metal y las joyas produjeron nuevas formas. La decoración de la cerámica se hizo progresivamente más estilizada y simple, con zonas de bandas que reducían el área estampada, sin embargo, un elemento pictórico permaneció consistentemente.


Arpista sentado
Estatua de mármol de Keros, Cyclades,
c.2300bc
Museo Nacional, Atenas
La limpieza de la línea en esta y otras piezas ha influido en los artistas de la actualidad.


En algún momento entre 1620 a. C. y 1500 a. C. (la opinión de los eruditos difiere), una terrible erupción volcánica devastó la isla de Ellos (la actual Santorini). La desaparición de parte de la isla posiblemente inspiró el mito de Platón sobre la Atlántida, su isla utópica que fue tragada por el mar. En Thera, las maravillosas pinturas murales de la gran ciudad de Akrotiri han sobrevivido entre las rocas y las cenizas. Existen patrones geométricos y piedras de mármol, al igual que motivos vegetales como azafranes, lirios y mirtos, motivos animales como monos, golondrinas, antílopes, leones y delfines y escenas de la vida en la ciudad y el campo, que van desde imágenes de soldados en marcha hasta ganado pacífico. Pintados sobre yeso, todos están representados de forma sencilla pero meticulosa, y los artistas han prestado mucha atención al color. En el friso en miniatura de la Casa Oeste aparecen episodios de una narración única, aparentemente continua. La topografía detallada ha persuadido a algunos de que el friso retrata un evento real asociado con el ocupante de la casa y posiblemente un viaje por mar, a través de Creta, al norte de África.


Detalle del friso West House
1550bc
Akrotiri, Thera, Greciac

Arte egeo, desde sus primeros días en Creta y las Cícladas. rara vez presentaba figuras grandiosas o abiertamente reales, más la norma en el Cercano Oriente. Sin embargo, conceptos mitológicos, simbólicos y rituales impregnaron todos los aspectos de la vida diaria. Un símbolo representado con regularidad fue el toro, que aparece en el secuestro de Europa por Zeus, y como el padre del Minotauro en Pasifa, reina de Minos. El animal pudo haber representado la figura más remota del dios-rey, sus cuernos se usaban para marcar el carácter sagrado de un lugar. En el mito griego posterior, la Titaness Metis (o Consejero) ayudó a Zeus a administrar la poción con la que Cronos hizo que vomitara a los hermanos de Zeus. Zeus destronó a su padre y tomó a Metis por consorte. Alarmado por una profecía de que un segundo hijo varón lo depondría, Zeus se tragó a la embarazada Metis mediante un engaño. Finalmente, su hija Atenea nació completamente formada. El pulpo, aparentemente una cabeza grande con muchos brazos y capaz de cambiar de color a voluntad, se convirtió en un símbolo de la sabiduría divina de las dos diosas y representaba un pensamiento claro.


Jarrón Kamares
Festos
C. 1800 a. C.
Museo Arqueológico, Heraklion, Creta

El nombre del santuario de la cueva en el monte Ida de Creta, donde se encontraron las primeras cantidades sustanciales de cerámica de Kamares, combinaba una técnica refinada y un estilo creativo. Se cree que este estilo de cerámica se produjo para los primeros centros palaciegos de Knossos y Phaistos entre los siglos XX y XIX a. C. La decoración de los jarrones consistía en patrones equilibrados y a menudo repetidos de motivos lineales y espirales, con muchos elementos naturalistas, así como humanos estilizados, todos pintados en blanco, amarillo, naranja, rojo y carmesí-malva sobre un negro de aspecto metálico. o suelo pardusco. Los motivos estampados, como conchas y flores, añadieron elementos en relieve. Tales formas decoraban todo tipo de platos, puestos de frutas, jarras, jarras, cuencos y tazas, algunas con paredes delgadas como cáscaras de huevo, otras bastante pesadas.

Esta obra, parte del fresco de Taureador del lado este del Palacio de Knossos. muestra un deporte que invoca tres figuras y un toro. De Persia a Egipto. el toro era un animal importante en el simbolismo antiguo y, a menudo, se sacrificaba ritualmente. En Creta, los concursos de enfrentamiento de toros contra atletas (en una actividad ritual denominada taurokathapsia, o salto de toro) se retrata en varios medios: el peligro parece aplicarse únicamente a los humanos. Esta pintura, realizada con pigmentos sobre yeso de cal, presenta una hermosa paleta de colores tenues, incluidos el ocre y el azul. Como muchas de las obras encontradas por Sir Arthur Evans en Knossos, el fresco estaba muy dañado y necesitaba ser restaurado.


Pintura mural sobre yeso de cal
Siglo xv a. C.
Museo Arqueológico. Herakliou. Creta.

LAS TUMBAS DE MYCENAE

Después de sus excavaciones anteriores en Troya, Heinrich Schliemann, el arqueólogo de mentalidad romántica, dirigió su atención a Micenas, la ciudad del legendario rey Agamenón, que fue asesinado por su esposa y su amante. Creía haber encontrado los restos del desafortunado rey y dio el nombre real a una magnífica máscara de oro, encontrada en una de un grupo de tumbas de pozo que habían sido rodeadas por un perímetro de piedra y encerradas dentro de los muros de la ciudadela posteriores. Los rasgos fuertes y las líneas acentuadas de la máscara, junto con la historia contada por figuras como el escritor de viajes griego Pausanias. evocar el recuerdo de la tragedia. La máscara en realidad no pertenecía a Agamenón, pero los adornos funerarios y la profusión de oro indican que las tumbas contenían realeza. Además de las máscaras, había vasijas de metal, piedra y arcilla, artículos personales más pequeños de metal, marfil y vasijas de piedra de loza y muchas armas de metal, algunas con intrincadas incrustaciones. El principal de estos son las hojas de la daga, con escenas de caza fuertemente minoanizadas, de animales y flores, todos ellos construidos con astucia a partir de sellos de oro, plata y cobre preparados individualmente.

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Pintura mural, Akrotiri - Historia

Vista de Akrotiri, Thera
Área de excavación debajo de los techos a media distancia

Vista de las excavaciones, Akrotiri, Thera

Hasta la fecha, los arqueólogos que excavan en Akrotiri han descubierto grandes porciones de una ciudad antigua. Las calles pavimentadas y sinuosas y las casas de piedra y ladrillos de barro revelan un alto nivel de vida. Las casas tenían sótanos para almacenamiento y espacio de trabajo y viviendas en los pisos superiores. Los molinos adjuntos a las casas indican una agricultura activa y una economía marinera. Los muros se reforzaron con madera y paja para protegerlos de los terremotos. Los baños y retretes interiores estaban conectados por tuberías de arcilla a un extenso sistema de drenaje y alcantarillado debajo de las calles. Una atención tan elaborada a las cómodas condiciones de vida no se volvió a encontrar en Occidente hasta el surgimiento del Imperio Romano más de mil años después.

Igualmente notable fue la atención prestada a las obras de arte en Thera. Las paredes de muchas casas privadas estaban decoradas con frescos, lo que indica la presencia de una próspera comunidad artística. Este descubrimiento inesperado ha revelado un importante cuerpo nuevo de pinturas. Representan una amplia gama de temas: paisajes, animales, figuras humanas dedicadas a deportes y rituales, barcos y guerreros.

Cuando fueron descubiertos, la mayoría de los frescos estaban cubiertos de ceniza volcánica que hubo que quitar con cuidado con un cepillo. Las pinturas se habían caído de las paredes y tuvieron que ser restauradas pieza por pieza a su ubicación original.

Las imágenes de Theran están característicamente enmarcadas en la parte superior con bordes pintados, a menudo creados por patrones geométricos abstractos. Se han descubierto y reconstruido numerosas pinturas.

Barco fresco
de la Sala 5 de la Casa Oeste, Akrotiri
C. 1650-1600 a. C.
(Museo Arqueológico Nacional, Atenas)

Una de las pinturas más importantes descubiertas en Thera es la gran Barco fresco. Representa una batalla naval, murallas de la ciudad, figuras humanas, paisajes, peces y animales. Una obra como esta documenta los tipos de barcos utilizados por los antiguos Therans y el tipo de ciudades que construyeron, así como su estilo y técnica de pintura mural.

Fresco del paisaje de Akrotiri, Thera
C. 1650-1600 a. C.
(Museo Arqueológico Nacional, Atenas)

Una casa en Akrotiri tiene una habitación completamente pintada con flores que brotan de las colinas y con pájaros (golondrinas) volando por encima. Estos son los primeros paisajes puros que existen (aunque los fragmentos sugieren que puede haber otros como ellos en los palacios y villas de la propia Creta).

Retrato de una sacerdotisa
de Thera
LB I
(Museo Arqueológico Nacional, Atenas)

Mujer A
de la Casa de las Damas, Akrotiri, Thera
LB I
(Museo Arqueológico, Thera)


Archivo: Fresco de primavera de Akrotiri, NAMA BE 1974.29, 191198.jpg

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Estilos de pintura mural romana

El monte Vesubio enterró a Pompeya hace dos milenios, creando una cápsula del tiempo de la evolución de la pintura romana.

Ejemplo de una pintura del cuarto estilo, antes del 79 d.C., fresco, Pompeya

¿Por qué Pompeya?

Las pinturas de la antigüedad rara vez sobreviven; la pintura, después de todo, es un medio mucho menos duradero que la escultura de piedra o bronce. Pero es gracias a la antigua ciudad romana de Pompeya que podemos rastrear la historia de la pintura mural romana. La ciudad entera fue sepultada en ceniza volcánica en 79 E.C. cuando el volcán en el Monte Vesubio entró en erupción, preservando así los ricos colores de las pinturas en las casas y monumentos allí durante miles de años hasta su redescubrimiento. Estas pinturas representan una secuencia ininterrumpida de dos siglos de evidencia. Y es gracias a August Mau, un erudito alemán del siglo XIX, que tenemos una clasificación de cuatro estilos de pintura mural pompeyana.

Vista del monte Vesubio desde Pompeya

Los cuatro estilos que Mau observó en Pompeya no eran exclusivos de la ciudad y se pueden observar en otros lugares, como Roma e incluso en las provincias, pero Pompeya y las ciudades circundantes enterradas por el Vesubio contienen la mayor fuente continua de evidencia para el período. Las pinturas murales romanas en Pompeya que Mau categorizó eran verdaderos frescos (o fresco buon), lo que significa que el pigmento se aplicaba al yeso húmedo, fijando el pigmento a la pared. A pesar de esta técnica duradera, la pintura sigue siendo un medio frágil y, una vez expuesta a la luz y al aire, puede desvanecerse significativamente, por lo que las pinturas descubiertas en Pompeya fueron un hallazgo raro.

Ejemplo de pintura de primer estilo, Casa de Salustio, Pompeya, construida en el siglo II a. C.

En las pinturas que sobrevivieron en Pompeya, Mau vio cuatro estilos distintos. Los dos primeros fueron populares en el período republicano (que terminó en 27 a. C.) y surgieron de las tendencias artísticas griegas (Roma había conquistado Grecia recientemente). Los segundos dos estilos se pusieron de moda en el período imperial. Desde entonces, los estudiosos han cuestionado su descripción cronológica de la progresión estilística, pero generalmente confirman la lógica del enfoque de Mau, con algunos refinamientos y adiciones teóricas. Más allá de rastrear cómo evolucionaron los estilos entre sí, las categorizaciones de Mau se centraron en cómo el artista dividió la pared y usó pintura, color, imagen y forma, ya sea para abrazar o contrarrestar, la superficie plana de la pared.

Ejemplo de pintura de primer estilo, Casa del Fauno, Pompeya, construida en el siglo II a. C. (foto: Steven Zucker, CC BY-NC-SA 2.0)

Primer estilo pompeyano

Mau llamó al primer estilo el & # 8220 estilo de incrustación & # 8221 y creía que sus orígenes se encontraban en el período helenístico, en el siglo III a. C. en Alejandría. El primer estilo se caracteriza por paredes de mosaico de colores de imitación de mármol pintado de colores brillantes. Cada rectángulo de "mármol" pintado estaba conectado por molduras de estuco que agregaban un efecto tridimensional. En los templos y otros edificios oficiales, los romanos utilizaron costosos mármoles importados en una variedad de colores para decorar las paredes.

Detalle de imitación de mármol, Villa de los Misterios, antes del 79 d.C., fresco, a las afueras de los muros de Pompeya en el Camino a Herculano (foto: Steven Zucker, CC BY-NC-SA 2.0)

Los romanos ordinarios no podían permitirse ese gasto, por lo que decoraron sus casas con imitaciones pintadas de los lujosos mármoles amarillos, púrpuras y rosas. Los pintores se volvieron tan hábiles para imitar ciertos mármoles que las grandes losas rectangulares se imprimieron en la pared veteadas y veteadas, como verdaderas piezas de piedra. Grandes ejemplos del primer estilo pompeyano se pueden encontrar en la Casa del Fauno y la Casa de Salustio, que aún se pueden visitar en Pompeya.

Segundo estilo pompeyano

El segundo estilo, que Mau llamó & # 8220Architectural Style & # 8221, se vio por primera vez en Pompeya alrededor del 80 a. C. (aunque se desarrolló antes en Roma) y estuvo de moda hasta fines del siglo I a. C. El segundo estilo pompeyano se desarrolló a partir del primer estilo e incorporó elementos del primero, como bloques de mármol de imitación a lo largo de la base de las paredes.

Ejemplo de pintura de segundo estilo, cubículo (dormitorio), Villa de P. Fannius Synistor en Boscoreale, 50-40 a. C., fresco 265,4 x 334 x 583,9 cm (Museo Metropolitano de Arte)

Mientras que el primer estilo abrazó la planitud de la pared, el segundo estilo intentó engañar al espectador haciéndole creer que estaba mirando a través de una ventana pintando imágenes ilusionistas. Como implica el nombre de Mau para el segundo estilo, los elementos arquitectónicos impulsan las pinturas, creando imágenes fantásticas llenas de columnas, edificios y stoas.

Ejemplo de pintura de segundo estilo, cubículo (dormitorio), Villa de P. Fannius Synistor en Boscoreale, 50-40 a. C., fresco (Museo Metropolitano de Arte)

En uno de los ejemplos más famosos del segundo estilo, el dormitorio de P. Fannius Synistor (ahora reconstruido en el Museo Metropolitano de Arte), el artista utiliza múltiples puntos de fuga. Esta técnica cambia la perspectiva en toda la habitación, desde los balcones a las fuentes y a lo largo de las columnatas hacia la distancia, pero el ojo del visitante se mueve continuamente por la habitación, apenas puede registrar que ha permanecido contenido dentro de una habitación pequeña.

Ejemplo de pintura de segundo estilo, vista del friso dionisíaco, Villa de los misterios, antes del 79 d.C., fresco, 15 x 22 pies, en las afueras de las murallas de Pompeya en el camino a Herculano (foto: Steven Zucker, CC BY-NC- SA 2.0)

Las pinturas dionisíacas de la Villa de los Misterios de Pompeya también se incluyen en el Segundo Estilo debido a sus aspectos ilusionistas. Las figuras son ejemplos de megalografía, un término griego que se refiere a pinturas de tamaño natural. El hecho de que las figuras sean del mismo tamaño que los espectadores que ingresan a la sala, así como la forma en que las figuras pintadas se sientan frente a las columnas que dividen el espacio, sugieren que la acción que tiene lugar está rodeando al espectador.

Tercer estilo pompeyano

El Tercer Estilo, o el & # 8220 Estilo Ornamentado de Mau, & # 8221 surgió a principios del siglo I d.C. y fue popular hasta alrededor del 50 d.C. El Tercer Estilo abrazó la superficie plana de la pared mediante el uso de planos de color amplios y monocromáticos, como el negro o el rojo oscuro, puntuados por detalles minuciosos e intrincados.

Ejemplo de pintura Tercer Estilo, tabla con candelabro, Villa Agrippa Postumus, Boscotrecase, última década del siglo I a.C. (El Museo Metropolitano de Arte)

El tercer estilo seguía siendo arquitectónico, pero en lugar de implementar elementos arquitectónicos plausibles que los espectadores verían en su mundo cotidiano (y que funcionarían en un sentido de ingeniería), el tercer estilo incorporó columnas y frontones fantásticos y estilizados que solo podían existir en el espacio imaginado. de una pared pintada. El arquitecto romano Vitruvio ciertamente no era un fanático de la pintura del tercer estilo, y criticó las pinturas por representar monstruosidades en lugar de cosas reales, “por ejemplo, las cañas se colocan en el lugar de las columnas, apéndices acanalados con hojas rizadas y volutas, en lugar de frontones, candelabros que sostienen representaciones de santuarios, y sobre sus frontones numerosos tallos tiernos y volutas que crecen desde las raíces y tienen figuras humanas sentadas sin sentido sobre ellos ... ”(Vitr. viñetas muy pequeñas, como paisajes sacro-idílicos, que son escenas bucólicas del campo con ganado, pastores, templos, santuarios y colinas onduladas.

Ejemplo de pintura Tercer Estilo, tabla con candelabro (detalle con motivo egipcio), Villa Agrippa Postumus, Boscotrecase, última década del siglo I a.C. (El Museo Metropolitano de Arte)

El tercer estilo también vio la introducción de temas e imágenes egipcias, incluidas escenas del Nilo, así como deidades y motivos egipcios.

Cuarto estilo pompeyano

El Cuarto Estilo, lo que Mau llama & # 8220Estilo intrincado & # 8221 se hizo popular a mediados del siglo I d.C. y se ve en Pompeya hasta la destrucción de la ciudad en 79 d.C. Se puede describir mejor como una combinación de los tres estilos que vino antes. Bloques de imitación de mármol a lo largo de la base de las paredes, como en el Primer Estilo, enmarcan las escenas arquitectónicas naturalistas del Segundo Estilo, que a su vez se combinan con los grandes planos planos de color y los esbeltos detalles arquitectónicos del Tercer Estilo. El Cuarto Estilo también incorpora cuadros de panel central, aunque en una escala mucho mayor que en el tercer estilo y con una gama de temas mucho más amplia, incorporando imágenes mitológicas, de género, paisajes y naturaleza muerta. In describing what we now call the Fourth Style, Pliny the Elder said that it was developed by a rather eccentric, albeit talented, painter named Famulus who decorated Nero’s famous Golden Palace. (Pl.NH XXXV.120) Some of the best examples of Fourth Style painting come from the House of the Vettii which can also be visited in Pompeii today.

Example of Fourth Style painting, Ixion Room, House of the Vetii, Pompeii, 1st century C.E.

Post-Pompeian painting: What happens next?

August Mau takes us as far as Pompeii and the paintings found there, but what about Roman painting after 79 C.E.? The Romans did continue to paint their homes and monumental architecture, but there isn’t a Fifth or Sixth Style, and later Roman painting has been called a pastiche of what came before, simply combining elements of earlier styles. The Christian catacombs provide an excellent record of painting in Late Antiquity, combining Roman techniques and Christian subject matter in unique ways.

Additional Resources:

Joanne Berry, The Complete Pompeii (London: Thames & Hudson, 2013).

John R Clarke, The Houses of Roman Italy, 100 B.C.-A.D. 250: Ritual, Space, and Decoration. (Los Angeles: University of California Press, 1991).

Roger Ling. Roman Painting (New York: Cambridge University Press, 1991).

August Mau. Pompeii: Its Life and Art. Translated by Francis W. Kelsey. (New York: The MacMillan Company, 1902). (Available on Kindle)


Wider Application

It seems strange that the Minoans don’t appear to have employed this construction method for other objects. Or perhaps they did, but the evidence is not to be found in literature or archaeology (noting they would naturally degrade over time.) However, they did exploit the advantages of material composites in shields.

Perhaps they never understood the underlying strength of the cloth/resin composite, as the resin would bond to the substrate and they may have thought its application was limited to making large structures water tight. Today, composite parts are laid up on formers, which have a wax or silicone spray applied so that the part can be demolded (which requires considerable force).

This said, the Minoans prized beeswax in their toolbox for lost wax casting, so perhaps they may have experimented with other applications. As with so many things the Minoans did, they show ingenuity and creativity, but perhaps the next inventive steps were less obvious, and this technology was limited to their maritime pursuits: linen cloth being valuable and time consuming to spin and weave.

Nonetheless, it was an advantage: a faster more agile fleet, ships that were easy to repair and service. What must foreign ports have thought of these ships with their fine lines, perfect hull, and splendid decoration? They are the modern-day equivalent to a super yacht, they would surely have inspired awe and attention - that may have assisted the Minoan merchants to advertise their arrival and wares.


Ancient Greek Wall Frescoes

Fresco is the art of painting on plastered walls. This medium was one of ancient Greek civilization's art forms : interiors of villas and palaces were covered with fanciful impressions of life and nature in the Greek world. Fresco artists were widely patronized by royalty and the wealthier members of society.

A wall was prepared for painting with a thin layer of white lime plaster. Then, using an obsidian chip or other sharp instrument, the artist outlined the main features and sketched in important details. Next, the colours were applied, often while the surface was still moist so that they soaked in and made the painted images more durable.

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Minoan Frescoes: Windows into Past Worlds

The largest of the Greek Islands, Crete, has been on our list of destinations since 2013. The island is famous for reams of reasons, such as its long and turbulent history its beautiful and diverse landscapes, ranging from fine beaches via fertile plains to rugged mountains its picturesque mountain villages and lovely Venetian port towns its agricultural wealth and the excellent cuisine arising from that its lively musical tradition its hospitable inhabitants - and, of course, its archaeology.

During the Bronze Age, Crete was home to the alluring and mysterious culture we call Minoan, which thrived during the second millennium BC. At the time, the island was part of a network of civilisations in and around the Eastern Mediterranean, maintaining contacts, both in terms of trade and of culture, with the Cycladic islands and the Greek mainland, but also further afield with Egypt, Cyprus and the Middle East.

The partially reconstructed North Bastion at the great palace of Knossos

For a little more than a hundred years, archaeologists in Crete have been discovering the remains of that great Minoan civilisation, and they continue to do so. One of the greatest privileges in my life has been the occasional involvement in that process of discovery. There is much that the Minoans have left behind: towns, great mansions we call "villas", sanctuaries in caves and on mountain peaks, and the famous so-called "palaces", large buildings that appear to have combined functions of administration, storage, craft production, religion and - perhaps - the residence of rulers or potentates. The Minoan sites are fascinating in themselves for sure, but the experience of visiting them is greatly enhanced by the fact that they are embedded in the manifold extraordinarily beautiful landscapes that characterise the island.

The beautiful pottery of the Minoans is one of many expressions of their great creativity

Beyond the sites themselves, Minoan civilisation is fascinating for many reasons. The Minoans appear to have created the first form of writing in Europe (especially the still undeciphered Linear A script) they clearly set up a fairly sophisticated political, administrative and economic system they maintained a largely mysterious set of religious beliefs and practices - and most importantly, they were immensely creative!

Perhaps the most attractive aspect of Minoan material culture are its fine creations in various arts and crafts, usually summarised by the term "Minoan Art". These include some of the finest painted pottery ever made by human hands, small sculpture in clay, bone or stone, seals of stone or metal, astonishingly beautiful and ornate stone vessels, very intricate jewellery and so on, all on show in Crete's archaeological museums.

The famous "Lily Prince" from Knossos has become an icon of Minoan art. Unfortunately, this striking figure is a misunderstanding, an amalgamate put together from parts of a fresco that depicted at least two young men and a sphinx.

One of the most famous and most impressive expressions of Minoan creativity are the astonishing Minoan frescoes or wall paintings. Since their first discovery in the course of Arthur Evans' excavations at the Palace of Knossos in the early 20th century, Minoan fresco paintings have been disseminated worldwide as the most visible and most appreciable face of Minoan art, multiply copied in souvenirs and replicas, and even in the logo of one of Greece's major ferryboat operators.

The reality is, as usually, more complicated. Minoan frescoes are striking and important for sure, but we do not as yet understand their development well, and they are not exactly typical of Minoan culture. Although they appear to have occurred in a variety of high-status sites across the island, the vast majority of the frescoes so far discovered is from the Palace of Knossos the other palaces have yielded very few or none. Thus, we should see them as a rare and refined phenomenon, a product of exceptional character that was seen and meant to be seen as unusual and special even then. Additionally, all the frescoes we know from Crete by now belong to the Second Palace Period, after 1700 BC, i.e. the phase when all major sites had been rebuilt in the aftermath of a still poorly-understood disaster. It seems likely that the vast majority of the surviving frescoes are from the 15th century BC and later. That means we cannot now tell whether fresco painting is part and parcel of Minoan culture as established around 2000 BC, or whether it represents a later adoption.

The celebrated (and truly wonderful) frescoes from Akrotiri on Santorini in the Cyclades, which are often and falsely described as Minoan, are in their entirety demonstrably older than all or most of the known Cretan examples, as Akrotiri was destroyed and preserved by a volcanic eruption around 1600 BC (you can see the Santorini frescoes for yourself on our Cruising to the Cyclades and Exploring Athens tours). Additionally, there is an ongoing archaeological dispute about the dating of various elements of that superbly complex structure that is Knossos, leaving much of its elaborate fresco decoration in a chronological limbo somewhere between the 15th and the 13th century BC, thus making it harder to interpret its content and context. Etsi einai i zoi, as we say in Greek, or c'est la vie in English (please don't criticise me, I'm not a native speaker).

Whatever their history, the Minoan frescoes are stunning. The ongoing renovation of the National Archaeological Museum at Iraklio (Heraklion, the capital of Crete) has entailed a thorough cleaning and rearrangement of the major frescoes, which were put back on exhibit after several years of closure a little more than a year ago. The new fresco gallery is simply amazing and displays this extraordinary material to its full potential.

The wonderful lily fresco from the Minoan Villa at Amnisos

The Minoan wall paintings are true frescoes, i.e, painted on fresh and wet plaster, unlike the Egyptian wall paintings that may well be part of their ancestry (they were applied to dry plaster, which is why they cannot be called frescoes). They are striking and bold in their use of usually unshaded colours, and they use more colours than most contemporaneous art in Egypt and the Middle East. We cannot distinguish individual artists, but we do see several distinctive styles and techniques, including three-dimensional relief frescoes and the intricate miniature frescoes used to display complex mass scenes.

Overall, the frescoes appear to depict "genre" scenes, stylised and generalised images of what must have been common pictorial motifs, mostly connected to the prevailing Minoan ideology and religion. It has been suggested that some paintings show specific events or occasions, but we cannot quite tell whether that really is the case. The variety of motifs depicted includes processions, landscapes, urban scenes, animals, marine life and plants. They are windows into the past, giving us direct access to how the Minoans saw their world. The Minoan frescoes have played a major role, and continue to do so, in the various attempts to understand, interpret and reconstruct Minoan beliefs and society, but they are vague or mysterious enough to make that game an eternal one, to keep the discourse on the Minoans lively, controversial and active.

Also famous, the "Dolphin Fresco", probably from a floor in the residential part of Knossos

Taking off my archaeologist's hat, as one should now and then, the Minoan frescoes are plainly astonishingly beautiful, delightful in their boldness and not least in their mystery. Minoan frescoes are one of the earliest instances of elaborate two-dimensional art in Europe, and much as we should approach them with scholarly concerns and contextual questions, we should also appreciate them for their sheer beauty.

You can join us in doing just that, sharing our love for the extraordinary representation of human creativity that the Minoan frescoes are, but also having them explained according to current research, on our Exploring Crete tour in April/May. On that tour, they figure alongside the sites, landscapes, museums, and the cuisine of the island, Please join us for the ultimate experience of Crete!


Ver el vídeo: Frescoes from Akrotiri, Thera (Noviembre 2022).

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