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10 cosas que quizás no sepa sobre James Dean

10 cosas que quizás no sepa sobre James Dean


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1. Fue criado en gran parte por su tía y su tío.

Dean, nacido en una pequeña ciudad de Indiana, pronto se mudó con sus padres a Santa Mónica, California, cuando su padre, un técnico dental, fue trasladado a un hospital allí. Pero a los 9 años su madre murió de cáncer y lo enviaron de regreso a Indiana para vivir en la granja de sus tíos. A partir de ese momento, rara vez vería, ni siquiera hablaría, con su padre, aparte de un breve período en el que se quedó en la casa de su padre mientras asistía a Santa Monica City College.

2. Gracias a un accidente de la infancia, sus dientes frontales eran falsos.

Descrito por su primo como "nadie que se quede quieto", a un joven Dean le arrancaron los dos dientes delanteros mientras se balanceaba en un trapecio en el granero de su tía y su tío. (Dean más tarde embelleció la historia, diciendo que los perdió en un accidente de motocicleta). Como adulto, supuestamente disfrutó sorprender a sus conocidos al quitarse la dentadura postiza casualmente en medio de la conversación.

3. Estableció un récord de salto con pértiga local.

A pesar de ser miope, bajo y delgado, Dean era un atleta destacado en su escuela secundaria de Indiana, jugaba béisbol, baloncesto y atletismo. "Era un jugador embriagador y un buen competidor", dijo una vez su entrenador de baloncesto a un periodista. "Era lo que llamarías un chico impecable, tipo All-American". Dean sobresalió particularmente en el salto con pértiga, rompiendo el récord del condado cuando se graduó en 1949.

4. Su primer concierto profesional fue un comercial de refrescos.

Dean actuó en varias obras de teatro de la escuela secundaria y continuó actuando en la universidad, especialmente después de transferirse de Santa Monica City College a UCLA en el otoño de 1950. Poco después de ganar un papel en una producción de UCLA de "Macbeth", un hermano de fraternidad bien conectado trajo lo acompañó para servir como extra en un comercial de Pepsi-Cola. Al día siguiente, Dean filmó un segundo spot, en el que bailaba alrededor de una máquina de discos mientras cantaba un jingle de Pepsi. Después de haber causado una impresión favorable, el mismo productor lo contrató para interpretar a Juan el Apóstol en "Hill Number One", un especial de televisión que se emitió en la Pascua de 1951. Aunque solo tenía unas pocas líneas, aparentemente fue suficiente para algunas chicas en un Escuela secundaria parroquial de Los Ángeles para formar su primer club de fans: Immaculate Heart James Dean Appreciation Society.

5. Dean protagonizó solo tres películas.

Abandonando la universidad para concentrarse a tiempo completo en la actuación, Dean consiguió papeles pequeños en algunas películas de Hollywood antes de mudarse a la ciudad de Nueva York en octubre de 1951. Mientras estaba allí, apareció en dos obras de Broadway y numerosos programas de televisión. Sin embargo, no alcanzó su gran oportunidad hasta 1954, cuando su interpretación de un criado gay en la obra "El inmoralista" llamó la atención de la directora Elia Kazan. Con la aprobación de John Steinbeck, Kazan eligió a Dean para una adaptación cinematográfica de la épica novela de Steinbeck "East of Eden". Así impulsado al estrellato, Dean filmó a continuación “Rebelde sin causa”, la única película en la que recibió la mejor fama, y ​​“Gigante”, coprotagonizada por Elizabeth Taylor y Rock Hudson. Se estaban preparando más películas, pero Dean murió antes de que pudiera hacerlas.

6. Dean fue el primer actor en recibir una nominación póstuma al Oscar.

Cineastas, compositores, escritores, una actriz y un diseñador de vestuario habían recibido nominaciones póstumas al Oscar, pero nunca un actor masculino hasta 1956, cuando la interpretación de Dean del problemático adolescente Cal Trask en "East of Eden" le valió un reconocimiento como mejor actor. Al año siguiente, fue nominado de nuevo a mejor actor, esta vez por interpretar a Jett Rink en "Giant". Sin embargo, no ganó ninguno de los años, perdiendo ante Ernest Borgnine y Yul Brynner, respectivamente. Desde entonces, varias otras estrellas también han obtenido nominaciones a mejor actor o mejor actor de reparto después de su muerte, incluidos Spencer Tracy y Heath Ledger, pero Dean sigue siendo el único con dos nominaciones póstumas.

7. Era un entusiasta de los autos de carrera.

Dean, amante de la velocidad, supuestamente utilizó parte de su anticipo de "East of Eden" para comprar un convertible rojo y una motocicleta. En marzo de 1955, había comenzado a competir en carreras de ruta, guiando a un Porsche Super Speedster blanco a un segundo lugar en su debut en Palm Springs, California. Mientras trabajaba en "Giant", el estudio le prohibió por contrato correr. Pero al terminar la película, cambió el Speedster por un Porsche 550 Spyder aún más potente, al que apodó "Pequeño bastardo".

8. Fue multado por exceso de velocidad dos horas antes de su muerte.

En la tarde del 30 de septiembre de 1955, mientras Dean conducía su nuevo Porsche Spyder a una carrera en carretera en Salinas, California, un oficial de policía lo multaba por ir a 65 mph en una zona de 55 mph. Poco más de dos horas después, un sedán Ford Tudor chocó con Dean en el cruce de las actuales Highway 46 y Highway 41, a unas 80 millas de Bakersfield. Dean, quien se rompió el cuello y sufrió graves lesiones internas, fue declarado muerto al llegar a un hospital cercano. Hasta el día de hoy, no está claro si estaba acelerando en ese momento. El jurado de un forense determinó que el accidente fue accidental "sin intención criminal".

9. Se dice que su coche está maldito.

George Barris, un famoso personalizador de automóviles que trabajó en el Porsche Spyder de Dean, afirmó haber comprado el automóvil después de la muerte del actor. Más tarde dijo que cuando llegó a su tienda, se cayó de un remolque y aplastó las piernas de un empleado, y que el caos y el misterio continuaron siguiéndolo durante años. Barris afirmó, por ejemplo, que un ladrón resbaló y se rompió el brazo mientras intentaba huir con el volante, y que quienes compraron las partes del Porsche terminaron en choques fatales. Mientras tanto, el mecánico de Dean, que estaba sentado a su lado en el momento del accidente, murió en 1981 en un accidente por conducir ebrio luego de múltiples intentos de suicidio. Aunque la leyenda de la maldición sigue viva, la mayoría de los expertos de Dean dudan de la veracidad de las declaraciones de Barris. Se desconoce el paradero actual del automóvil.

10. Salió brevemente con una actriz de "Seinfeld".

En los años transcurridos desde su muerte, muchos hombres y mujeres han profesado tener relaciones románticas con Dean. Una de esas afirmaciones fue cortesía de Liz Sheridan, mejor conocida por interpretar a la madre de Jerry Seinfeld en el programa de televisión "Seinfeld", quien escribió un libro de memorias de 2000 titulado "Dizzy & Jimmy: My Life with James Dean: A Love Story". Según el libro, Sheridan y Dean se conocieron en Nueva York en 1951, pronto se mudaron juntos y en un momento estuvieron comprometidos para casarse.


10 cosas que probablemente no sabías sobre F.Scott Fitzgerald

Investigado cuidadosamente y un placer de leer, el historiador David S. Brown & rsquos Paraíso perdido: una vida de F.Scott Fitzgerald es una biografía original y persuasiva que atraerá tanto a los fanáticos de Fitzgerald como a los historiadores culturales. Brown comparte algunos hechos poco conocidos de la biografía.

Todo el mundo conoce a F. Scott Fitzgerald. Se le recuerda de diversas maneras como el "Gran Soñador Americano", el autor de El gran Gatsby, y el hombre que acuñó la frase & ldquoJazz Age & rdquo Fitzgerald era una celebridad literaria en esa dudosa infancia de la industria y rsquos y poco de lo que él, o su esposa Zelda Sayre, hicieron estaba fuera de los límites. Aun así, se guardó algunos secretos para sí mismo. Aquí hay algunos datos de mi biografía, Paraíso perdido: una vida de F.Scott Fitzgerald, que quizás no sepas:

1. Fitzgerald escribió la & lsquogreat American novel & rsquo en Europa. En mayo de 1924, Scott Fitzgerald, su esposa Zelda y su hija de dos años, Scottie, abordaron el SS Minnewaska en Nueva York con destino a Cherburgo, Francia. Durante los siguientes meses, mientras estaba en París, la Riviera e Italia, Fitzgerald escribió El gran Gatsby, considerada como una historia esencialmente estadounidense que plantea serias dudas sobre la mitología de autoayuda del país. El ambiente crepuscular de la novela podría haber sido sugerido por su autor y rsquos estancia europea. El continente estaba emergiendo lentamente de los horrores de la Primera Guerra Mundial.

2. Fitzgerald quería ser poeta. Mientras estaba en Princeton, Fitzgerald escribió varios poemas. Se inspiró en Keats, lo animó su compañero de clase John Peale Bishop, y quiso convertirse en el estadounidense Rupert Brooke, el joven poeta británico que murió en 1915 mientras se dirigía al rellano de Gallipoli. En 1917, mientras estaba en el ejército, Fitzgerald supuso que podría encontrar una muerte gloriosa en la batalla y deseaba dejar una declaración generacional definitiva. Pero le resultó imposible basarse en sus poemas colegiados en una atmósfera militar y, en cambio, se dedicó a una novela que, después de muchas reelaboraciones, se publicó en 1920 como Este lado del paraiso.

3. Fitzgerald escribió una obra que bombardeó. A principios de la década de 1920, Fitzgerald trabajó en El vegetal, una obra que satirizó la manía del adelanto de América y los rsquos. El & ldquoVegetable & rdquo en cuestión, Jerry Frost, anhela ser cartero. Se pone apretado una noche y sueña que es presidente. De hecho, no quiere ser presidente más de lo que quiere ser un caniche, simplemente piensa que deberían quiere ser presidente en una cultura obsesionada con el poder, el dinero y la movilidad. La mirada escéptica de Fitzgerald & rsquos sobre el Sueño Americano en esta obra no le ganó el cariño del público. La obra se estrenó en Atlantic City & rsquos Apollo Theatre en noviembre de 1923 y murió en una única y desalentadora actuación.

4. Jay Gatsby se parece al abuelo materno de Fitzgerald & rsquos. Philip Francis McQuillan emigró a los ocho años del condado de Fermanagh, Irlanda en 1842, instalándose con su familia en Galena, Illinois. Como Gatsby, McQuillan se desarraigó y se reinventó a sí mismo. Se mudó en 1857 a St. Paul, la capital del territorio de Minnesota, donde mantuvo las cuentas de Beaupre & amp Temple, un establecimiento de abarrotes al por mayor. A los 38 años, se hizo cargo del negocio y rápidamente amasó una fortuna. Habiendo pasado de la pobreza de los inmigrantes a la prosperidad de la era industrial, murió joven (apenas una semana después de cumplir 43 años), sufriendo de nefritis crónica agravada por la tuberculosis. Dejó un legado de $ 270.000, unos $ 6 millones en dólares corrientes.

5. Fitzgerald asistió pero nunca se graduó de Princeton. Después de dos años en una escuela preparatoria de Nueva Jersey, Fitzgerald quería asistir a la universidad en el este. Princeton, con su semblante sereno y privilegiado de Ivy, lo atrajo inmensamente. Tomó, y no aprobó, sus exámenes de ingreso dos veces antes de reunirse con el Comité de Admisiones de College & rsquos en lo que resultó ser su cumpleaños número 17 y se convenció de ingresar a la escuela. Durante los siguientes cuatro años descuidó sus estudios, dedicó sus mejores energías a escribir para varias publicaciones del campus y redactar la letra de un musical presentado por el Princeton University Triangle Club. En el invierno de 1917, a punto de fracasar en la escuela, Fitzgerald dejó la universidad para unirse al ejército.

6. El padre de Fitzgerald & rsquos ayudó a los soldados confederados durante la Guerra Civil. Edward Fitzgerald creció en el área del condado de Rockville / Montgomery en Maryland, que, debido a su economía de tabaco y esclavos, favoreció a la Confederación durante la Guerra Civil. A la edad de nueve años, Edward remaba con espías confederados a través del río Potomac. Más tarde ayudó a un miembro de Mosby & rsquos Raiders a evitar el arresto, y animó al ejército de Jubal Early & rsquos mientras expulsaba a las fuerzas de la Unión en la Batalla de Monocracia en las afueras de la cercana Frederick. A menudo se observa la conexión distante de Scott con Francis Scott Key, escritor de "The Star-Spangled Banner", aunque su conexión confederada menos distante también jugó un papel importante en la configuración de su sentido de la historia estadounidense.

7. Scott y Zelda se casaron pocos días después de la publicación de su primera novela.. El primer sábado de abril de 1920, apenas ocho días después de la publicación de su primera novela, Este lado del paraisoFitzgerald se casó con Zelda Sayre de Montgomery, Alabama. Fue una ceremonia pequeña y apresurada en la Rectoría de la Catedral de San Patricio y rsquos en Nueva York. Tres de las hermanas Zelda & rsquos asistieron pero no hubo padres presentes y no hubo fiesta ni recepción después del servicio. Los Fitzgerald pasaron su luna de miel en el hotel Biltmore y Zelda procedió a invertir en un guardarropa nuevo y más elegante.

8. Zelda provenía de una notable familia sureña.. Al igual que Fitzgerald, Zelda Sayre (nombrada por su madre en honor a una reina gitana ficticia) podría apuntar a lazos familiares directos con la antigua Confederación. Su tío abuelo, Jon Tyler Morgan, había sido un general confederado y luego se sentó en el Senado de los Estados Unidos.Su abuelo materno, Willis Benson Machen de Kentucky, sirvió en el primer y segundo congresos confederados y, brevemente, en el Senado de los Estados Unidos. El padre de Zelda & rsquos, Anthony Dickinson Sayre, fue juez asociado en la Corte Suprema de Alabama de 1909 a 1931. La familia de Zelda & rsquos tenía un pequeño personal doméstico y vivía en el elegante lado oeste de Montgomery.

9. Fitzgerald quería escribir un matricidio. Siguiente El gran Gatsby y rsquos Fitzgerald esperaba que escribir una novela social de peso en su centro fuera un asesinato, un matricidio. El famoso caso Leopold y Loeb (1924) que involucra el asesinato en Chicago de un niño pequeño por dos adolescentes quizás sugirió la trama. Varias llamadas El niño que mató a su madre, La feria mundial y rsquos, y Nuestro tipoFitzgerald sólo pudo escribir cuatro capítulos. Las persistentes necesidades financieras lo mantuvieron escribiendo cuentos mientras que el colapso de Zelda & rsquos en 1930 lo llevó en una dirección artística diferente.

10. El último cheque por regalías de Fitzgerald & rsquos fue de $ 13.13. En agosto de 1940, Fitzgerald recibió un cheque de regalías por una doble mala suerte de $ 13.13 cuatro meses después, murió de insuficiencia cardíaca a la edad de 44 años. Durante todo el año, solo unas 15 copias de El gran Gatsby había vendido. Sin embargo, al cabo de una década, una "supervivencia" del trabajo de Fitzgerald y rsquos comenzó a influir tanto en los estudiosos como en los lectores, y Fitzgerald se trasladó al canon literario estadounidense. En 2013, su editor, Scribner & # 39s, estimó que unos 25 millones de copias de Gatsby se han vendido en todo el mundo - muy lejos de los menos de 25.000 movidos durante su vida de autor y rsquos.


10 cosas que pueden sorprenderte de la Constitución

Mientras celebramos la Declaración de Independencia y la fundación de la nación, es un buen momento para pensar en la Constitución. Aquí hay 10 cosas que quizás no sepa:

1 La Constitución restringe el poder de los gobiernos federal, estatal y local, pero no de los grupos privados. El gobierno no tiene el poder de decirle lo que puede o no puede decir en el lugar de trabajo, pero su empleador sí.

2 Desde 1791, cuando fue ratificada, hasta el siglo XX, la Declaración de Derechos restringió solo al gobierno federal. Cualquier estado podría restringir esos derechos fundamentales. En 1937, la Corte Suprema confirmó la condena por asesinato y la sentencia de muerte de un hombre que Connecticut fue juzgado dos veces por el mismo delito, en violación de la cláusula de doble incriminación de la Quinta Enmienda. El tribunal dijo que la enmienda no se aplicó y el estado lo ejecutó.

En el siglo XX, la corte finalmente comenzó a aplicar la Declaración de Derechos a los estados, pero lo hizo gradualmente: libertad de expresión (1925), libertad de prensa (1931), libertad de religión (1947), protección de registro e incautación. en la Cuarta Enmienda (1961), la cláusula de & quot; castigo cruel e inusual & quot en la Octava Enmienda (1962), el derecho a un abogado de la Sexta Enmienda (1963), la cláusula de autoincriminación de la Quinta Enmienda (1964), el derecho a un jurado juicio (1968), protección contra la doble incriminación (1969) y prohibición de la fianza excesiva (1971).

3 Cuando el Congreso propuso la Declaración de Derechos y la remitió a los estados para su ratificación, lo que conocemos hoy como la 1ª Enmienda se incluyó en tercer lugar. Ascendió a su exaltada posición solo porque las dos primeras enmiendas que ofreció el Congreso no fueron ratificadas en ese momento.

4 La 27ª Enmienda, la última agregada a la Constitución, fue propuesta por el Congreso en 1789 sin fecha de vencimiento. No fue ratificado hasta 1992. Según la enmienda, si el Congreso se otorga a sí mismo un aumento de sueldo, el aumento no puede entrar en vigencia hasta que los legisladores se enfrenten a los votantes en una elección general.

5 Si ningún candidato presidencial obtiene la mayoría de los votos electorales o hay un empate, la elección es decidida por la Cámara de Representantes. Según la "regla de la unidad" de la Constitución, cada estado, independientemente del tamaño de su delegación en la Cámara, obtiene un voto. California tiene 70 veces la población de Wyoming, pero esos estados tendrían una participación equitativa en la elección del presidente.

6 El Congreso tiene el poder de alterar la jurisdicción de apelación de los tribunales federales, incluida la Corte Suprema. Casi todos los casos que conoce la Corte Suprema son apelados de los tribunales estatales o federales. (Algunos van directamente sin ser considerados por un tribunal inferior). Por lo tanto, el Congreso puede eliminar todos los casos relacionados con el aborto y otras cuestiones controvertidas del expediente de la Corte Suprema siempre que el presidente firme tal proyecto de ley o se anule el veto.

7 El Congreso tiene el poder de cambiar cuántos jueces sirven en la Corte Suprema. Ha aumentado o reducido el número siete veces. La cancha comenzó con seis asientos y ha tenido tan solo cinco y hasta 10. Desde 1869, ha habido nueve asientos en la cancha.

8 A los redactores de la Constitución les preocupaba que el vicepresidente no tuviera nada que hacer, por lo que hicieron de esa persona la cabeza del Senado con el poder de romper los votos empatados. "Si el vicepresidente no fuera presidente del Senado, estaría sin empleo", dijo Roger Sherman durante la convención de 1787.

9 El vicepresidente, como presidente del Senado, puede presidir su juicio político. La Constitución dice que el Senado juzgará todos los juicios políticos. Cuando el presidente es acusado, el presidente del Tribunal Supremo está a cargo.

10 Durante gran parte de la historia de la nación, los miembros del Congreso elegidos en noviembre de los años pares no prestaron juramento hasta marzo y no celebraron su primera sesión hasta el siguiente diciembre, 13 meses después de su elección. La 20ª Enmienda cambió esto en 1933. Ahora los miembros del Congreso asumen el cargo el 3 de enero y su primera sesión comienza ese día.

Richard Labunski es profesor de periodismo en la Universidad de Kentucky y autor de "James Madison y la lucha por la Declaración de Derechos".

Libertad de expresión, reunión, religión, prensa y derecho a presentar peticiones al gobierno

No acuartelamiento de tropas en hogares en tiempos de paz

Sin registros e incautaciones irrazonables

Debido proceso y protección de la propiedad

Juicio rápido y público por jurado

Juicio con jurado en casos civiles

Sin castigo cruel e inusual

La enumeración de derechos no niega otros derechos de las personas

Derechos reservados a los estados

Igual protección ante la ley y debido proceso legal

El derecho al voto no se verá afectado por motivos de raza, color o servidumbre previa.


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Los 5 comentarios más recientes

Eddie. FINALMENTE escribiste algo de lo que sé un poco. nada menos que el mejor animador del mundo, Dean Martin. Durante más de dos décadas he presidido "The Dean Martin Fan Center".

En realidad, me remonto con Dino al comienzo de sus años en el programa de variedades de televisión. Verá, comencé en mi adolescencia como vicepresidente asociado en NBC, donde Dean grabó el programa. Hicimos MUCHOS shows desde esos estudios en Burbank. Rowan & Martin's Laugh-in, The Flip Wilson Show, The Tonight Show con Johnny Carson, The Midnight Specials, Hollywood Squares, Sanford & Son, Chico & The Man, The Elvis Comeback Special, todos los especiales de Bob Hope, The Mac Davis Show . Bueno, ya captas la idea.

El único programa que solía "andar por ahí" era el de Dean. En el transcurso de 9 años (y 9 más después de eso en sus especiales de Celebrity Roasts) creo que solo extrañé estar allí UNA semana.

Mientras que a todo el mundo de mi edad le gustaba el "rock ácido", a mí me gustaba Dean. Franco. Ella. Tony Bennett. Mathis. Steve Lawrence. Dean fue el hombre más agradable y divertido que conocí. ¡Habla de talento real! Nunca hubiera pensado que después de todos estos años, Dean todavía estaría "conmigo" en espíritu trabajando para mantener viva su "llama".

Hay incluso más cosas que la gente quizás no sepa sobre Dean. como si siempre lo pusieran en el lado correcto de sus estrellas invitadas porque estaba tan acostumbrado a trabajar en ese lado con Jerry. o que fue el anfitrión del primer teletón de distrofia muscular con Jerry en esos años dorados.

El esmoquin de Dean fue hecho especialmente por Sy Devore con los cuellos un poco más altos y las mangas un poco más grandes para ocultar las grandes manos de Dean que golpeó y golpeó cuando era un boxeador aficionado bajo el nombre de "Kid Crochet".

Eddie. gracias por escribir un artículo sobre Dean. a medida que pasa el tiempo, es importante que la generación más joven sepa lo verdaderamente talentoso que era Dean Martin. ¡No puedo esperar a ver de qué escribes a continuación!


El interés de James en el transporte no se detiene en los automóviles, tanto que en 2006 hizo todo lo posible y se ganó una licencia de piloto después de entrenar en White Waltham Airfield en Berkshire. Tener su propio avión es una cosa, pero ¿qué tan llamativo es tener una placa personalizada en tu juego de alas? James "es G-OCOK después de su eslogan" oh cock ". ¡Qué tío!

La carrera periodística de May comenzó con la palabra impresa, pero en 1992 su paso por Autocar llegó a un final bastante abrupto. Harto hasta los dientes de armar el Anuario del examen práctico, nuestro Jimmy decidió ser creativo y deletrear un mensaje secreto, como "esto es un dolor de cabeza". Los lectores con ojos de águila lo vieron y pensaron que habían ganado un premio. James recibió sus papeles para caminar, pero en cuanto a las formas de ser pateado, es bastante genial.


5. La justificación por la fe afirma que las buenas obras se siguen necesariamente de la fe.

La doctrina de la justificación por la fe excluye nuestras obras de obediencia a la ley como medio o causa de nuestra justificación ante Dios. Pero también afirma que los actos de amor y las buenas obras se derivan necesariamente de nuestra fe como fruto de nuestra fe. Por ejemplo, Pablo enseña que “en Cristo Jesús ni la circuncisión ni la incircuncisión cuentan, sino la fe que obra por el amor” (Gálatas 5: 6). Y Santiago enseña que nuestra fe es “completada por” nuestras obras (Santiago 2:22), concluyendo que “una persona es justificada por las obras y no solo por la fe” (Santiago 2:24). En la superficie, esto parece corregir e incluso contradecir la enseñanza de Pablo sobre la justificación por la fe. Pero es mejor ver a Santiago corrigiendo una tergiversación de la enseñanza de Pablo, una que diría que nuestras obras no importan en absoluto (véase Romanos 3: 8). Por el contrario, James enseña que nuestras obras sí importan. La fe genuina debe resultar en buenas obras. Pablo también enseña que la justificación por la fe da como resultado la inclusión de los creyentes gentiles como parte del pueblo de Dios, lo que me lleva a mi siguiente punto:


6 ¿Qué representa TJ?

Thomas Jefferson. Probablemente te lo hayas preguntado, quizás incluso lo hayas adivinado. Su apellido también se inspiró en la historia: Hooker es un guiño al general de la Guerra Civil estadounidense, el general Joe Hooker, según el creador Rick Husky. Conociendo el carácter de Hooker, el nombre no podría haberle ido mejor.

Hooker tiene una alta moral, un fuerte sentido de la justicia, y su enfoque del trabajo policial es definitivamente estratégico, como lo sería el enfoque de un general. Teniendo en cuenta estos rasgos de personalidad, hay algo de presidencial y de general en TJ Hooker.


10 cosas que quizás no sabías sobre Common & # 8217s Masterful Comeback Album & # 8216Be & # 8217

Después de una tibia respuesta a lo experimental y ecléctico Circo eléctrico , Common volvió a la esencia cruda de MCing que lo convirtió en uno de los artistas de rap más reconocidos del juego. Ser es una combinación de lirismo hábil, narración perspicaz y un espíritu afrocéntrico. Pero, igualmente importante, el álbum presenta un fondo sonoro conmovedor proporcionado por Kanye West y J. Dilla.

Desde la hermosa introducción de la canción principal hasta los diversos singles, el contundente "The Corner" y el alegre "Go!" y el dramático "Testify", Ser es un álbum limpio e impecable. No hubo saltos, con cortes profundos como "They Say", "Faithful", "Love is" y & # 8220Chi-City & # 8221 completando uno de los mejores álbumes de rap de la década de 2000.

En celebración de su aniversario, desenterramos algunos datos sobre la creación del magistral regreso de Common & # 8217 Ser. Aquí hay 10 hechos que quizás no conocía Ser.

Be fue el primer álbum de Common después de romper con Erykah Badu

Common y Erykah Badu salieron durante varios años. “Crédito de la foto: M. Caulfield / WireImage para Essence Entertainment


Cuando Common empezó a escribir Ser, cada área de su vida estaba cambiando. El todopoderoso colectivo Soulquarian continuaría trabajando en proyectos separados después Circo eléctrico, su álbum anterior, no fue tan apreciado como sus trabajos anteriores. De todos los cambios que Common estaba experimentando, su ruptura con la cantante de neo soul Erykah Badu puede haber sido el más grande de todos. Los dos salieron durante varios años y uno de los sencillos más exitosos de Common & # 8217, "The Light", estaba dedicado a Badu. Y en "Love Of My Life (Una Oda al Hip Hop)", el dúo ganó un Grammy. Pero cuando la pareja terminó, definitivamente afectó a Common.

En una entrevista con la revista Ebony, Common recordó: “Algunos de los trabajos más duros que he hecho conmigo mismo ha sido después de las rupturas. Con Erykah Badu, ese fue mi primer amor en el que simplemente estás abierto y flotando. Cuando nos separamos, yo tenía 27 o 28 años. Estaba en una neblina, simplemente haciendo los movimientos. Fue dificil comer. No fue su culpa, la relación simplemente no siguió adelante ".

Be no representa "antes de Erykah".

& # 8220El álbum se titula Be porque lo más difícil es ser tú mismo, & # 8221 Common dijo en ese momento. Crédito de la foto: Gustavo Caballero / Getty Images


Hubo un rumor de que Common tituló el álbum. Ser con un mensaje subliminal oculto. Se alegó que Ser en realidad representaba "Antes de Erykah".

Cuando AllHipHop preguntó si eso era lo que Ser representaba, Common respondió: “No. El álbum se titula Ser porque lo más difícil de hacer es ser tú mismo, aunque muchos piensan que & # 8217s lo más fácil & # 8217s realmente no. Ser es solo existir, no tienes que esforzarte mucho para hacer nada porque Dios nos dio a cada uno una característica individual y única que es el núcleo de lo que somos. Entonces Ser se trata de eso, ser quien sea, dondequiera que esté ".

Ser Se grabó al mismo tiempo que Registro tardío.

Kanye West fue productor ejecutivo & # 8216Be & # 8217 mientras trabajaba en su propio álbum de segundo año, & # 8216Late Registration. & # 8217 Crédito de la foto: Def Jam, Roc-A-Fella


En sus álbumes anteriores, Common trabajó con No I.D, que produjo la mayoría de sus primeros tres álbumes, DJ Premier, J. Dilla, Questlove, James Poyser y D'Angelo. Pero en Ser, Common se unió a su compatriota Kanye West de Chicago, que se estaba disparando hacia el estrellato. Sorprendentemente, Kanye fue productor ejecutivo Ser mientras trabajaba en su propio álbum de segundo año, Registro tardío.

Kanye en realidad estaba comparando Registro tardío para Ser . Durante todo el proceso, Kanye mantuvo un papel con las canciones de cada álbum, asegurándose de Registro tardío podría pasar el rato con Ser. ( De hecho, originalmente se suponía que & # 8220My Way Home & # 8221 estaba en Ser.)

Las tácticas de Mr.West ayudaron a producir dos de los álbumes más importantes de la década de 2000.

Ser Fue el primer lanzamiento de hip-hop de GOOD Music.

& # 8220 No solo amo a Kanye [West] creativamente y como hermano, sino que hacemos negocios con una visión ”, dijo Common en ese momento. Crédito de la foto: Johnny Nunez / WireImage a través de Getty

El momento no podría ser mejor para Common, que estaba haciendo la transición de su antigua etiqueta. & # 8221 No solo amo a Kanye creativamente y como hermano, sino que hacemos negocios con una visión ", dijo Common. “Quedó claro a partir de los comentarios de Common & # 8217s que esta visión significaba sacrificarse por el éxito. & # 8220 Seré leal para siempre a Kanye porque estaba entre etiquetas cuando empezamos Ser , y presentó todo antes de recibir un cheque. & # 8221

Common más que cumplió su parte del trato con Ser que obtuvo cuatro nominaciones al Grammy y finalmente fue Gold.

& # 8220La comida & # 8221 fue originalmente destinada a otro artista


7. Parrack ofrece el taller sin cargo

Nos impresionó el hecho de que el taller de actuación de 3 días de Jim Parrack & # 8217s 120 productions & # 8217 se ofrece a los participantes sin costo alguno. Bajo tarifa para inscribirse, la aplicación simplemente indica & # 8220no pago & # 8221. Esto proporciona a los actores emergentes una experiencia valiosa que les ayudará a saber si este es el camino correcto para ellos y también les enseñará un nuevo respeto por la profesión. Esto nos dice mucho sobre Jim Parrack, incluido el hecho de que es una persona generosa y generosa que le apasiona la actuación y quiere ayudar a otros que comparten este amor por el arte.


10 cosas que probablemente no sabías sobre la era de los veintiún pilotos 'Blurryface'

No hay mucho que le pase a la camarilla, pero hubo muchas cosas que se desarrollaron durante la era de "Blurryface" que incluso el fanático más dedicado de los veintiún pilotos podría haberse perdido.

Descubriste a Dema al final del Cara borrosa era y han seguido las cartas de Clancy. Y con innumerables teorías de videos musicales a lo largo Veintiún pilotos"En su carrera, está claro que no hay mucho que le pase a la camarilla. Sin embargo, con el álbum revelación de la banda cumpliendo cinco años, pensamos en intentarlo.

Mucho se ha desarrollado desde el inicio de “Fairly Local” hasta dos años después, cuando el ojo metafórico se cerró sobre la era. Dirígete a continuación para ver algunas de las cosas que quizás te hayas perdido (y que vale la pena volver a visitar) durante el Cara borrosa era.

Leer más: Aquí es cuando veintiún pilotos están dando "Level Of Concern" su debut en vivo

1. Escribieron la mayor parte del álbum mientras estaban de gira.

TOP no estaba perdiendo el tiempo preparándose para su segundo lanzamiento de un sello importante. Aún cumpliendo con los compromisos de gira de Embarcación, el dúo equipó el salón trasero de su autocar como estudio de grabación. "Cada noche pudimos comenzar a interpretar a dos personas diferentes: esa persona que se subía al escenario todas las noches y luego esa persona que regresaba a ese salón y comenzaba a escribir canciones". Tyler Joseph dicho Cartelera . “Así que pudimos preguntarnos todas las noches, & # 8216 ¿Qué nos gustaría que tuviese nuestro set? & # 8217 Observamos mucho la composición a través del filtro de la música en vivo, así que escribimos todo lo que amamos y lo que sentimos en nuestro set en vivo. necesario. Mirando hacia atrás en este nuevo disco en su conjunto, se puede ver que realmente fuimos influenciados de esa manera ". El plan era buscar a ciertos productores que sobresalieran en los géneros elegidos. Con ese fin, Cara borrosa presenta el trabajo del maestro del pop Ricky Reed ( Travis Mills , Meghan Trainor, Jason Derulo), el protegido del Dr. Dre Mike Elizondo ( Eminem , Mastodonte , Carrie Underwood), Mike Crossey ( el 1975 , LANY , YUNGBLUD ) y Tim Anderson ( Billie Eillish , Halsey , Solange Knowles).

2. Cara borrosa no es en realidad un álbum conceptual de principio a fin

Su primer lanzamiento de Fueled By Ramen Embarcación TOP claramente impulsado hacia el universo del rock. A primera vista, parecía el título Cara borrosa fue un comentario sobre lo rápido que se estaban moviendo las cosas en Joseph y Josh DunMundo. Navegar por su arte y las demandas del negocio de la música fue una experiencia completamente nueva para ellos. Entonces, aunque ciertamente se veía y se sentía como un álbum conceptual, realmente no era nada por el estilo.

“I wouldn’t say this was a concept album where a story begins with the first song and the last song ends the story” Joseph explained to AltPress in issue 323. “I describe [Blurryface] as a guy I met in a different dimension. This is gonna sound really dramatic, but that’s the way it is: He represents everything I am insecure about.

“For me, there are a lot of different areas I know I’m insecure about but I need to know how to react [to those things],” Joseph continues. “It helps me to give my insecurities a name and a seat at the table I can look across and address. He’s not a good guy, but he’s a guy I intend on conquering. He’s a guy I have to beat every day. The idea of creating something, making a song and having the courage to show someone that song is a form of defeating that insecurity. It helps me focus on areas of my life I don’t like.”

3. And “Lane Boy” is the song where Tyler Joseph broke character

The video for “ Lane Boy” is pretty on-brand for the Blurryface era. Joseph has the trademark black paint smeared across his hands and neck, and there are two people in hazmat suits in the white and red aesthetic of the album dancing in the background—a stint the band later took on the road. Despite this, it’s the one song where Joseph stepped away from the overall album concept to speak his mind. “I describe ‘Lane Boy’ as the moment where I broke character,” Joseph told AltPress. “Saying things that weren’t necessarily artistic or beautiful, but exactly what I wanted to say and exactly what I was feeling. I broke character and became a frustrated human. For a moment. I don’t imagine needing to say things like that anymore. I remember showing that song to some people and they said, ‘I don’t think you want to say that…’ And Josh said to me, ‘Let’s say it.’”

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4. Tyler Joseph discovered reggae in Amsterdam and was hooked.

Two songs from Blurryface , “Lane Boy” and “ Ride ,” feature a reggae influence amidst Joseph’s electronic pop stylings. When touring through Europe in support of Vessel , they were playing a club in Amsterdam with multiple stages. After TOP loaded out their gear, Joseph watched a reggae band’s set and became enchanted with the music. He couldn’t tell you who was playing that night, but the experience encouraged him to throw himself into the genre. He discovered bands such as Steel Pulse and thereby expanded his personal musical horizons. “I’ve taken it upon myself to really study reggae and understand it,” Joseph told AltPress in issue 323. “It has a way of moving a track forward that doesn’t seem forced musically. [Hearing reggae] for the first time reminded me of when I first heard the song that made me want to learn to play the piano: the wedding song, Pachelbel’s ‘Canon In D.’ I love the way those notes rub up against each other.”

5. Tyler and Jenna practiced the “Tear In My Heart” fight scene

The bridge in “Tear In My Heart” (“You fell asleep in my car/I drove the whole time…”) was based on Tyler driving long hours back to Columbus from a family vacation trip while his future wife Jenna slept, leaving him to deal with all the madness of traffic. Fittingly, Jenna also appears in the song’s video cleaning her husband’s clock. Director Marc Klasfeld gave the Josephs a 30-second choreographed clip of the fight scene and had them re-enact it. “It was really late at night when we got it,” Jenna remembers in AltPress issue 329. “I’m sure the people around our hotel were like, ‘What are they doing in there?’” At the actual shoot, Tyler told her not to worry and just go for it. “The very first time I had to fake-throw him, he just took it. There were definitely moments where I could feel that I hit him so hard. He definitely got bruised that day.”

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6. They made a video and got paid to hang out with their families

Sobre Blurryface ’s release, the band were touring extensively. When it came time to create the video for massive hit “ Stressed Out ,” the duo had been feeling the homesickness. (Consider that lyric from “ Polarize ”: “ I wanted to be a better brother, better son/Wanted to be a better adversary to the evil I have done/I have none to show to the one I love.”) The band and creative director Mark Eshleman scheduled a window of time to return to Columbus to shoot the video, but more importantly, to be with their loved ones. “What’s sad is that right before this tour, our bus came and picked us up at my parents’ house,” Joseph told AltPress in 2015. “My mom said to me right before I got on the bus, ‘You can call me sometime if you want to.’ And I’m like, ‘ Mom ! You can call me!’ And she says, ‘I don’t want to bother you.’” The moment was not lost on Joseph.

7. The album packaging is meant to represent the many layers of Blurryface

In an age of streaming, physical media is often tossed to the wayside. However, if you were one of the few, the proud and the emotional who shelled out for a Blurryface CD or vinyl, then you probably already know this one. twenty one pilots recruited graphic artist Brandon Rike to bring their vision to life for the album’s packaging. Shortly after its release, Rike explained the inspiration behind it , which stemmed from conversations with Joseph. Rike got into the mind of Blurryface by way of Joseph’s descriptions and developed a multi-layered package. “You may buy the album in the store that looks seemingly simple, but as you explore it, you soon find out how conflicted and complicated it all is,” he explains. The artist also gave their Vessel era logo a revamp and kept the Skeleton Clique in mind, calling it “a simple ode to a dedicated fanbase.” Instead of the thick, connected bars, Blurryface ushered in thinner lines so fans could easily recreate it online: I-/.

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8. The band weren’t originally supposed to perform with A$AP Rocky at the VMAs

The one thing that all award shows have in common is “the get.” Who is the elusive superstar to come out of hiding? Who can you get to reunite? The most common get is the collaboration of artists you would’ve never considered. Producers invited TOP to perform at the 2015 Video Music Awards with a big-shot artist who was the new hotness at the time. The duo weren’t feeling the producers’ choice and respectfully declined. “There was an artist they mentioned, and we said ‘Thank you, but we’re going to pass. It doesn’t make sense for us for a number of reasons,’” Joseph told AltPress in issue 329. “And we thought that was it: We had blown our chance to play the VMAs—and it’s gone forever. But it was a good decision and it made sense.”

Decisions like this have been known to impact careers. The producers probably weren’t used to that kind of stance, so they went back to TOP suggesting A$AP Rocky . “I started diving into what he’s all about, and although it’s very different from what we’re coming from, there was a like-mindedness,” Joseph continues. “It was one of the favorite moments of my career. Not because of what everyone saw, but just the learning process of working with another artist and working with the politics of what it means to work on a stage that big.” What could’ve turned out as career suicide ended up being one of the most high-spirited performances of that night’s event.

9. There could have been a twenty one pilots “big band.”

While touring during the Blurryface era, Joseph revealed to AltPress that he once considered putting together an expanded version of twenty one pilots with some of his favorite musicians. The idea obviously didn’t come to fruition. However, fans got a glimpse of the possibilities when they collaborated with Mute Math sobre el TOP X MM project. The moments of deconstruction the two bands created gave way to a six-piece band-blast version of “Heavydirtysoul.” This project may have influenced Joseph to explore his personal deconstructed versions of songs from Trench . Mute Math frontman Paul Meany adds another important reason for the collaboration. “Historically, both of our bands build shows on backing tracks,’” he told AltPress in issue 367. “The only caveat going into this—and it was quite liberating—was that there were no backing tracks for any of us. As a six-piece band, we were able to pull this off and make it sound as good as we could.”

10. It’s the first album to have every song certified by the RIAA and became the best-selling rock album of the decade

twenty one pilots aren’t exactly the Eagles (Tyler and Josh are so much cooler than that). But all the songs on Blurryface have been audited by the Recording Industry Association Of America to have achieved gold, platinum and/or multi-platinum status. The final certification of “Hometown” meant they were the first artist to achieve the coveted status, and then the Clique helped them do it again by getting every track off Vessel at least a Gold certification by July 2019 . With more than 100 million streams on each Blurryface track on Spotify, they’re also the first group to do that . Blurryface has sold more than six million copies making it the best-selling rock album of the decade . To quote the band’s pantsless Grammy’s acceptance speech: “Anyone from anywhere can do anything.”


10 things you didn’t know about Chitty Chitty Bang Bang

Chitty chitty bang bang, the much-loved movie about the magical flying car starring Dick Van Dyke, celebrates its 50th anniversary on 16 December 2018. Here are 10 things you may not know about the classic movie, which was based on a book by James Bond author Ian Fleming.

1. Chitty chitty bang bang is surrounded by tragedy

In April 1961, Ian Fleming, who was a heavy smoker and drinker, had a heart attack at the age of 53 and was ordered to convalesce. It was around this time that his eight-year-old son Caspar told him: “Daddy, you love James Bond more than you love me!” The author decided to show his affection for his only child – whom he nicknamed “003-and-a-half” – by writing in longhand a series of children’s stories he first called The Magical Car.

Fleming’s tales were about a flying car restored by Caractacus Potts, an inventor and retired naval commander. The title was later changed to Chitty-Chitty-Bang-Bang, which was based on the real cars Chitty-Bang-Bang 1, 2, 3 and 4 built by the eccentric motor enthusiast Louis Zborowski in the 1920s.

Fleming suffered another heart attack on 11 August 1964, following a long lunch at Royal St George’s Golf Club in Kent. He died the next morning, on his son’s 12th birthday. Fleming never got to see the printed versions of his children’s stories, which came out in October that year.

The death affected his son deeply (“Caspar hates me and talks of little but matricide. What shall I do?” his mother Ann wrote to novelist Evelyn Waugh). On 2 October 1975, aged just 23, Caspar killed himself, taking an overdose of barbiturates at his mother’s home in Chelsea. A forlorn note in his pyjama pocket read: “If it is not this time it will be the next.”

2. Roald Dahl’s script was rejected as a ‘piece of s**t’

Roald Dahl knew Fleming well, as both had worked in the same espionage circles during the Second World War. Having adapted the Bond novel You Only Live Twice for the screen, producer Albert “Cubby” Broccoli re-hired Dahl to write the screenplay for Chitty chitty bang bang. It was a move that ended in acrimony and bitterness.

Dahl’s daughter Lucy has said that her father was open about the fact that he took the job just for the high payment, and hated the experience. In 1977, Dahl told Los New York Times “they took my script and never used a word”, adding that “directors are the writer’s curse”.

In a 1983 interview with los Twilight Zone magazine, he was asked about changes to his script. "Chitty chitty bang bang was ghastly,” said the author. “Once you get a rotten director, or an egocentric director, you’re dead. But they pay a lot, so you take the money and run.”

According to the late director Ken Hughes, Broccoli called Dahl’s script “a piece of s**t” and asked him to rewrite the entire thing. Broccoli also decided not to invite Dahl to meet the Queen at the film’s premiere at London’s Odeon Leicester Square on 16 December 1968.

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“I don’t give a damn whether we met the Royal Family or not,” Dahl wrote to his agent Swifty Lazar, adding that what he did care about was Broccoli’s behaviour and the way they’d been treated. The letter, reproduced in Storyteller: The Authorized Biography of Roald Dahl, sees Dahl defending his “worthwhile script” and stating that the whole business had made him “very cross”.

The biggest bone of contention was how many of Dahl’s own creations remained in the film. Vulgaria, the place where kidnapped children are taken, and the character of the creepy, long-nosed, net-wielding Child Catcher do not appear in Fleming’s stories and were said to have been created by Dahl. In an article for Johns Hopkins University Press, however, the late Hughes was quoted as claiming he wrote “every f**king word” of Chitty chitty bang bang’s script on his portable typewriter.

“The Child Catcher was my invention – his cage and everything,” insisted Hughes.

3. Phil Collins was an extra

Before making his name with Genesis, drummer and singer Phil Collins was a child actor. He landed the role of the Artful Dodger in a West End production of ¡Oliver! and at 13 had a role as an extra in the Beatles film A Hard Day’s Night, although you never see his face.

At 16, he was cast as an extra in Chitty chitty bang bang, as one of the Vulgarian children who storm the castle at the end of the film. His scene was edited out, because the director did not like the unsightly bandage near his eye.

“I can see why I wasn’t in the final cut,” Collins later said. “I was in the last scene with all these kids, but I had this pristine white bandage round my head because I had this big cyst on the side.” Cubby Broccoli’s daughter Barbara – who was seven at the time – was also an extra in a fairground scene and, unsurprisingly, her scene was not cut.

4. Some of the English countryside was French

Scenes in Chitty chitty bang bang were shot in parts of England’s most beautiful countryside and the sites have since become tourist destinations for fans of the film. The Cobstone windmill on the hill where Grandpa Potts, Caractacus and his children Jemima and Jeremy live is near the charming Buckinghamshire village of Turville. Some of the race scenes were set in Box Hill in Surrey.

However, the English weather during filming in July 1967 lived up to its unpredictable reputation. One solution was to shoot scenes in the Cote D’Azur. “If you look carefully, you’ll notice that in some places we are driving through vineyards and it doesn’t look much like the English countryside,” admitted Dick Van Dyke.

5. Morris dancing proved Dick Van Dyke’s toughest test

Robert M Sherman lived quite a life. He won a Purple Heart in the Second World War (he was one of the first American soldiers to relieve Dachau concentration camp) and was shot in the knee aged 19. He had to use a walking stick for the rest of his life. During his recuperation in Taunton, Somerset, he became interested in the local culture of Morris dancing.

When Sherman returned to America in the 1940s, his father Al, a Tin Pan Alley songwriter who had written hits for Billie Holiday and Louis Armstrong, challenged Robert and his brother Richard to try to earn a living writing songs. They became two of the most famous composers in Hollywood, winning two Oscars for Mary Poppins.

Chitty chitty bang bang was their first score outside of the Disney empire. The showstopping tunes for the film included the Oscar-nominated title song, plus “Truly Scrumptious”, “Toot Sweets” and “Hushabye Mountain”. Van Dyke said that the hardest song to perform was “Me Ol’ Bamboo”, a Morris dancing-based tune devised around Sherman’s memories of England, when he had used a bamboo walking stick.

“The bamboo sticks had metal poles inside and we had to jump over them and dance with them,” Van Dyke, who was 41 at the time, said in a TV documentary about the making of the film. “Most of the dancers were 15 years younger than me and it took us 23 takes to get it right. In the last take, I only just make it. This was the hardest dance number I ever did.”

6. The wacky inventor was real

The fictional character of inventor Caractacus Potts was reminiscent of Rowland Emett, who worked on the technical aspects of the film. Emett, who drew cartoons for Punch magazine in the 1940s and 1950s, rose to fame during the 1951 Festival of Britain, when he created a real-life version of his cartoon “Far Tottering & Oyster Creek Railway”. The miniature railway was ridden by more than two million people in Battersea Park that year. His 1973 water-powered musical clock The Aqua Horological Tintinnabulator can still be seen in Nottingham.

For the film, he designed a series of machines, including the Humbug Major Sweet Machine, Clockwork Lullaby, the Little Dragon Carpet Sweeper and Hot Air Rocking Chair. “I had built a large numbers of rather pathetic inventions in the past and I believe the filmmakers could see some affinity between the character of Caractacus and myself,” said London-born Emett.

To celebrate the 50th anniversary of the film, Emett’s machines from Chitty chitty bang bang are on display at the National Motor Museum in Beaulieu until November 2019.

Perhaps the most memorable invention in the movie is the Breakfast Maker, a robotic device like something out of Wallace and Gromit, that transports eggs and then cracks them open on to a plate for cooking. The fire from underneath the plate starts as soon as the eggs are in position.

“That was my favourite device,” said Van Dyke, “but the Breakfast Maker gave us the most trouble. It’s marvellous but it sometimes dumped plates on the floor and sometimes it would throw an egg across the room. We would go away while the special effects men fixed it…”

Emett was once asked if he was mad. ”If I am, it’s a rather nice state,“ he replied.

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7. The son was older than the dad

“Dick Van Dyke was older than me and I was playing his dad,” Lionel Jeffries, who starred as Grandpa Potts, has pointed out. Van Dyke, who turned 93 on 13 December, was born in Missouri six months before Jeffries saw the light of day in London in June 1926.

Jeffries went bald early in life, which he blamed on his time serving with the light infantry in Burma during the Second World War. He said his hair fell out because he was sweating so much in the jungle heat. “I was the only bald student at Rada. Of course I was upset,” he said. “Tried a toupee once, too, but it looked like a dead moth on a boiled egg.”

The film also featured Benny Hill as a toy maker and Barbara Windsor had a small role, but Van Dyke most enjoyed the incongruous casting of Jeffries. “Lionel is one of the funniest men I ever met and we became close friends. But he was younger than me when he played my father and I never let him forget it,” the American star of Mary Poppins added.

8. The Child Catcher was a graceful ballet dancer

The creepy voice that drawled “I smell children…” helped make the sinister Child Catcher one of cinema’s most famous baddies. Down the years, in various stage productions, the character has been played by Paul O’Grady, Lionel Blair, Wayne Sleep and Alvin Stardust, but the definitive Child Catcher is Australian Robert Helpmann, who stole so many scenes in the 1968 film. Helpmann even took out his false teeth to give himself a gaunt, frightening look.

Helpmann was a renowned ballet star, who had danced with Anna Pavlova and Margot Fonteyn, and was later part of the Sadler’s Wells Ballet Company. In one scene in the movie, he had to race his horse-driven wagon out of the village over rough cobble stones. He lost control and the vehicle crashed, but Helpmann emerged unscathed.

“We could see he was a dancer by the way he moved with little steps,” said Van Dyke. “But when the wagon tipped over, he jumped off like a ballet dancer. I have never seen anything as graceful in my whole life.”

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9. The film was James Bond for kids

As well as being based on Fleming’s book, having Broccoli as producer, and featuring a car designed by Ken Adam (whose 007 triumphs include the villain’s headquarters in Dr No), there were plenty more James Bond influences in Chitty Chitty Bang Bang.

Richard Maibaum, who wrote screenplays for a dozen Bond films, was credited as co-screenwriter, while the celebrated stuntman Vic Armstrong, who has doubled as 007 (and Indiana Jones), performed many of the stunts for Van Dyke.

Gert Fröbe, so chilling as Bond villain Auric Goldfinger, plays the temperamental, childish Baron Bomburst, while his baroness wife in the fairy-tale Bavarian kingdom is portrayed by Anna Quayle, who is Frau Hoffner in the 1967 version of Casino Royale. Desmond Llewellyn, who stars as the gadget master Q in the Bond movies, also plays an eccentric scrap dealer in Chitty Chitty Bang Bang.

“It was like a James Bond movie,” said Van Dyke, “and no expense was spared to make the sets look good.”

10. Chris Evans chauffeured a couple to their wedding in Chitty

There were reportedly six different versions of the iconic “phantasmagorical machine” – the car with the power to fly and to swim – driven by Van Dyke in the film. The cars, designed by Ken Adam, were automatic, because the actor could not drive a manual car. It had a dashboard plate from a First World War fighter plane and the colours of the floating Chitty – purple, green and white – were those of the women’s suffrage movement.

Formula One world champion Graham Hill managed to get Chitty up to 120mph during an exhibition drive at Crystal Palace in 1968. Michael Jackson (who was a Benny Hill fan) tried to buy the original car. Peter Jackson, director of El Señor de los Anillos films, owns one of the versions, and radio and television presenter Chris Evans bought one for £500,000 in 2012.

Five years later, two fans of Evans’s Radio 2 show were given a fun wedding present, when the DJ chauffeured them to their ceremony in Chitty.


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